A pesar de la corta duración del fenómeno denominado "Arquitectura del papel", su colección acumulativa es bastante extensa. Por lo tanto, los comisarios tienen un gran grado de libertad para combinar sus obras tanto entre sí como con obras de otras épocas. Por ejemplo, en la próxima exposición, que está prevista que se celebre en el Museo de Arquitectura, se puede ver el trabajo de las "carteras" junto con las obras de sus predecesores: los arquitectos soviéticos de los años 1920-1960. En la exposición actual en el Museo Pushkin, los curadores Yuri Avvakumov y Anna Chudetskaya han colocado 54 obras de billeteras en una "compañía" con 28 fantasías arquitectónicas de maestros de los siglos XVII y XVIII. de la colección del museo: Piranesi, Gonzago, Quarenghi y otros. Combinar en un solo espacio dos épocas de creatividad arquitectónica de fantasía, nuestros contemporáneos con sus “antepasados”, según Avvakumov, fue la idea conceptual de la exposición actual.
La arquitectura del papel rusa es un fenómeno bastante específico que tenía precedentes históricos, pero no análogos extranjeros contemporáneos. Este fenómeno fue generado por las especiales condiciones que se han desarrollado en la arquitectura rusa en las últimas décadas del poder soviético. Al ser personas con talento artístico, los arquitectos jóvenes, por ciertas razones, no tuvieron la oportunidad de realizarse en la profesión y entraron en la "dimensión paralela" de la creatividad puramente fantástica.
La historia de la arquitectura de papel rusa está indisolublemente ligada a los concursos conceptuales organizados por la OISTAT, la UNESCO, así como las revistas de Diseño arquitectónico, Arquitectura japonesa y Arquitectura de la URSS. Sus organizadores se esforzaron por buscar nuevas ideas y no por obtener soluciones a problemas específicos "aplicados". Y la mayor cantidad de premios fue para los participantes de la Unión Soviética, que pudieron llamar la atención sobre la arquitectura rusa después de un largo descanso.
A diferencia de sus predecesores (principalmente los artistas de vanguardia de los años veinte y sesenta), los conceptualistas de los ochenta no se esforzaron por crear imágenes utópicas de un futuro ideal. En las obras de "carteras" no había ningún componente futurológico - sus maestros, los años sesenta, ya se habían expresado exhaustivamente sobre este tema. Además, la década de los ochenta es la era del posmodernismo, es decir, reacciones al modernismo, que para varias generaciones anteriores era el "futuro". En la época del apogeo de la Arquitectura del papel, el "futuro" ya estaba aquí, pero en lugar de la felicidad universal, trajo decepción y disgusto. Por lo tanto, la creatividad del "papel" era una forma de escapar de la gris y aburrida realidad soviética hacia mundos hermosos creados por la rica imaginación de personas educadas y talentosas.
La especificidad de la arquitectura del papel fue la síntesis de los medios expresivos de las bellas artes, la arquitectura, la literatura y el teatro. Con toda la variedad de estilos y maneras creativas, la mayoría de los proyectos de "papel" estaban unidos por un lenguaje especial: una nota explicativa tomó la forma de un ensayo literario, se introdujo un personaje en el proyecto: el "personaje principal", el El estado de ánimo y la naturaleza del entorno se transmitían mediante dibujos o historietas. En general, todo esto se combinó en una especie de fascinación, una obra de pintura de caballete o gráfica. Surgió una tendencia especial de conceptualismo con una combinación característica de medios visuales y verbales. Al mismo tiempo, la Arquitectura del papel no se asociaba tanto con formas paralelas de arte conceptual como, de hecho, era una de las variedades del posmodernismo, tomando prestadas tanto sus imágenes visuales como su ironía, "signos", "códigos" y otros " juegos "de la mente …
El nombre "Arquitectura de papel" surgió espontáneamente: los participantes de la exposición de 1984, organizada por el comité editorial de la revista "Juventud", adoptaron una frase de los años veinte, que inicialmente tenía un significado abusivo. El nombre se hizo popular de inmediato, ya que jugó con dos significados. Primero, todo el trabajo se realizó en un papel Whatman. En segundo lugar, se trataba de proyectos arquitectónicos conceptuales que se suponía que no debían implementarse.
Un lugar especial en las actividades de las "billeteras" pertenece a Yuri Avvakumov, quien jugó un papel clave en la configuración del episodio (aunque brillante) de la vida cultural de los años ochenta. en un fenómeno artístico en toda regla. Fue él quien consolidó a los distintos participantes en una sola matriz. Siendo él mismo un creador activo, sirvió como un "centro de información", un enlace y un cronista del movimiento. Al recopilar el archivo y organizar exposiciones, llevó la actividad de las "billeteras" a un nivel fundamentalmente diferente, convirtiéndola de un fenómeno estrictamente profesional en un fenómeno cultural general. Por tanto, no sería exagerado decir que Paper Architecture es el gran proyecto curatorial de Avvakumov.
Sin embargo, no hubo movimiento como tal, las "billeteras" eran demasiado diferentes. A diferencia de, digamos, los prerrafaelistas o el mundo de los artistas, no tenían objetivos y actitudes creativas comunes: las "carteras" eran una colección de individualistas que trabajaban juntos o por separado. El único tema unificador fue la fantasía arquitectónica, lo que los relaciona con Piranesi, Hubert Robert o Jacob Chernikhov.
Las obras de Paper Architecture, lamentablemente, no son muy accesibles para el público en general. Una de las razones es la imposibilidad fundamental de su exposición constante o al menos frecuente: a diferencia del lienzo, el papel es muy sensible a la luz. Hasta que se produzca una revolución tecnológica en esta área, el hipotético Museo de Arquitectura del Papel será virtual, lo que, en principio, es compatible con su propio fenómeno.
Resulta que cuanto menos frecuentes son las exposiciones de Arquitectura del papel, más valiosas son. En este contexto, hay que considerar también el actual, en el Museo de Bellas Artes, que ocupa una acogedora sala detrás del patio griego. Sin embargo, a pesar de la naturaleza de la cámara, la exposición es bastante amplia. Coleccionó muchas obras como "éxitos" ("Casa-exhibición para un museo del siglo XX" de Mikhail Belov y Maxim Kharitonov, "Crystal Palace" y "Glass Tower" de Alexander Brodsky e Ilya Utkin, "La segunda vivienda de una ciudad habitante "de Olga y Nikolai Kaverin), y las que no se han exhibido antes (" La casa del erizo "de Andrey Cheltsov) o se han exhibido con poca frecuencia (obras de Vyacheslav Petrenko y Vladimir Tyurin). Cada exposición requiere un cuidadoso escrutinio, contemplación, inmersión en ella; detrás de cada obra hay una historia completa, si no un mundo entero. Los caprichos de los viejos maestros, incluidas las famosas "Prisiones" de Piranesi, ocupan el espacio central del salón, mientras que el perímetro de las "carteras" las rodea. La elección de Avvakumov es algo subjetiva: algunas de las "billeteras" no están presentes (por ejemplo, Alexei Bavykin o Dmitry Velichkin), y alguien se presenta más modestamente de lo que se merece (me refiero, en primer lugar, a Mikhail Filippov, quien, en mi opinión, creó sus mejores obras en colaboración con Nadezhda Bronzova durante este período).
Todo está claro con la primera parte del nombre de la exposición. Pero, ¿cómo entender el segundo: "El fin de la historia"? Después de todo, el "funeral" de Paper Architecture tuvo lugar a principios de los noventa. Al combinar representantes de dos épocas diferentes en un espacio, los curadores querían trazar una línea simbólica bajo la era del papel de los cinco siglos (la transición masiva del pergamino tuvo lugar hace unos 500 años). Irónicamente, su acorde final fue la arquitectura de papel rusa. En los noventa comienza una nueva era informática, que sufre una revisión radical no solo del proceso de diseño, sino también de toda la creatividad arquitectónica. De modo que la futura arquitectura del papel será papel solo en un sentido alegórico. Al menos hasta que se apaguen las luces.
Patrocinador de la exposición - AVC Charity.
