Archi.ru:
¿Cómo interactúan las bellas artes y la arquitectura en el contexto de una exposición? ¿Cuál es el mejor "fondo" para la obra de arte?
Tatiana Nazarenko:
- Me parece que en los espacios de los museos históricos, al igual que en los espacios de las iglesias o las catedrales, las exposiciones modernas pueden parecer muy interesantes: quizás mucho más interesantes que en un espacio especial, vacío, que no da lugar a la imaginación.
En el pasado, muchos museos soviéticos estaban ubicados en los edificios de iglesias y catedrales. En los viejos tiempos, hice mi exposición en una iglesia de Lviv: mis obras están bajo bóvedas góticas. Más tarde hubo una exposición en Vologda, en la Catedral de la Natividad, y allí tuve un ángel hecho de espuma de poliuretano, bastante grande, volando bajo los arcos, sobre el gobernador y otras personas que abrieron la exposición. Me gusto mucho; y en un salón ordinario este ángel se sienta bajo el techo y se sienta, y no hay tal cambio en los conceptos. Lo mismo es la exposición del grupo AES + F en Ginebra: también fue genial, porque sus motivos antiguos y otros motivos históricos se entrelazaron con la arquitectura neobarroca del museo de la ciudad.
Y a veces en los grandes museos desaparece alguna pequeña obra de un maestro italiano del siglo XV, digamos Sassetta, y se necesitan grandes esfuerzos para evitarlo, como en el Hermitage, donde se pintan las paredes de diferentes colores para ello, y las obras parece más rentable, en contraste con la práctica reciente de paredes exclusivamente blancas.
Es decir, te gustan las paredes multicolores
– Si. Algunos de los trabajos están cambiando fantásticamente. Por ejemplo, ahora está abierta una exposición de Mikhail Larionov en la Galería Tretyakov. Las pequeñas obras en una pared azul o amarilla comienzan a verse completamente diferentes, porque tanto las paredes como las obras son expresivas e intensas [diseño de la exposición - arquitecto Alexei Podkidyshev. - Aprox. Archi.ru]. Muy bien. Y si cuelgas los lienzos en una pared blanca ordinaria, y si ni siquiera la enciendes, es simplemente la muerte para ellos.
El otro día paseé por el Museo Ruso y pensé: claro, es magnífico, pero no corresponde en absoluto a la sensación de un museo de arte. Este es un museo de muebles reales, cámaras reales, pero los iconos, las obras maestras del antiguo arte ruso, son oscuros, oscuros.
Después de todo, una vez en las iglesias había velas encendidas, pero los iconos no existían allí para admirarlos, sino como símbolos religiosos. Por lo tanto, ya sean ahumados o ligeros, nadie se preocupa. Y ahora, cuando entras a la iglesia, levantas la cabeza, algo en la bóveda está representado en el crepúsculo, pero esto no es para ver. La funcionalidad del edificio debe expresarse: lo que se debe iluminar, lo que queda en la sombra. En Europa, me gusta mucho que durante el servicio a la gente no se le permita entrar a las catedrales, porque es un sacramento, y luego no es necesario encender la luz. Y en horarios normales enciendes la luz y disfrutas de los frescos, y piensas lo maravilloso que es que se suministre electricidad y puedas verlo todo.
Si tocamos el tema del diseño de museos y exposiciones, ¿qué otra cosa nombraría entre las exitosas exposiciones de Moscú?
– «Ilya y Emilia Kabakov. No todos serán llevados al futuro”en la Galería Tretyakov en Krymsky Val. Este es el mismo diseño que la Tate Gallery y el Hermitage [autores: Andrey Shelyutto, Marina Chekmareva, Timofey Zhuravlev. - Aprox. Archi.ru]. Fue increíble allí: caminé por los pasillos estrechos y miré las obras de Emilia Kabakova. Había historias impresas de su infancia, fotografías, me encontré con unos cuartos pequeños en los que había escobas, botes de basura, etc. Es decir, creó una instalación aún más interactiva que Ilya.
Allí, muy divertido, hubo excursiones de niños de siete a ocho años. Y la guía, una dama tan seria, inclinándose hacia ellos, dijo: "¿Qué asociaciones evoca en ustedes esta obra?" Estaban de pie frente a una imagen que supuestamente fue pintada por algún personaje ficticio de Kabakov: "Recibió una tarjeta de fiesta". Me quedé paralizado y escuché durante unos veinte minutos lo que los niños respondían sobre las asociaciones con la "tarjeta de afiliación al partido" y el resto. Fue gracioso, pero no sé, tal vez realmente necesites hablar así con los niños, entonces a los dieciséis años todo estará completamente claro para ellos.
Estaba mirando la revista "Artista joven", donde se publicaron los diplomas de los graduados del Instituto Repin en San Petersburgo, y pensé: qué sentimiento tan terrible, tal impresión de que fueron escritos en la década de 1950 o en la década de 1960, no se corresponden con la idea moderna de lo que debería ser el trabajo. ¿Cómo detenerse en un momento determinado? Nuestra educación es terrible, así que no tocaremos esto.
¿Cuál es para ti el tema del arte en la ciudad?
– Ayer fuimos a una exposición en la agonizante Casa Central de Artistas y literalmente tropezamos (pensé que estaban hechos de papel o inflados) acerca de dos obras de Andrei Bartenev, un oso y una serpiente. Fue un poco gracioso. Las cosas tienen que estar dirigidas a alguien, y cuando no se dirigen, hay una sensación extraña.
Y su instalación "Transición", ¿a quién va dirigida?
– Estas son figuras talladas en madera contrachapada, eran 120, se exhibieron en muchos países, y todo comenzó con la Casa Central de Artistas. Creo que un artista debe mostrar su tiempo. Cuando miro las obras del siglo XV o XVIII, siento con bastante claridad en qué momento se dirigen. Cuando miro las naturalezas muertas holandesas, me imagino una casa holandesa con pequeñas habitaciones acogedoras donde cuelgan pequeñas cosas acogedoras. Vienes al Louvre, miras el ciclo triunfal de Maria Medici Rubens y comprendes por qué se hicieron estas enormes obras. No se pueden representar en ningún museo moderno. El artista debe abandonar su sentimiento de vez en cuando.
La ciudad es un héroe frecuente de tus obras. ¿Qué es una ciudad para ti? ¿En qué ciudades te sientes bien?
– Siempre he amado Moscú. Más bien, amaba el viejo Moscú, crecí en el centro de Moscú, en Plyushchikha. Siempre había hermosos edificios frente a mí. Crecí en una casa de principios del siglo XX, donde había lujosas vidrieras, donde había cabezas de león con cadenas, techos artesonados, dos escaleras negras y una puerta de entrada, en uno de los apartamentos había un fuente. Es decir, vivía en una casa donde era difícil no convertirme en artista, porque todo me preparó para admirar y soñar. Lo curioso es que cuando los "nuevos rusos" compraron todos los apartamentos allí, derribaron estas lujosas vidrieras, vidrieras de burbujas con lazos de metal, e hicieron paredes blancas esmeriladas.
Toda mi vida amé el centro, amé el Arbat, junto al cual fui a una escuela de arte. Estudié frente a la Galería Tretyakov. Zamoskvorechye. ¡Qué iglesias hay! ¡Qué catedrales! Y luego comenzó a deteriorarse, a desmoronarse. Un patio de juegos para perros al lado de la escuela Gnessin; de hecho, Novy Arbat pasó por él. Recuerdo lo horrible que fue para mí.
Ahora, cada vez que vengo a Moscú, miro con dolor lo que pasa en la ciudad: ante nuestros ojos todo cambia, todo se deteriora, todo se destruye. Y lo que queda adquiere formas tan monstruosas que es difícil y doloroso mirarlo.
El equipo editorial de Archi.ru desea agradecer a la fundadora de Artdecision Irina Vernichenko por su ayuda en la organización de la entrevista.
