A mediados de marzo se supo que el proyecto "Studio 44", que ganó el concurso para el concepto del Museo de Ciencia y Tecnología en Tomsk, fue aprobado por el Gobernador y hay motivos para esperar que se convierta en uno de los raro, si no el único proyecto en Rusia que se está implementando como un concurso de arquitectura ganador. Analizamos el proyecto una vez más, y en los próximos días tenemos previsto hablar de otras propuestas de la segunda etapa del concurso: el proyecto de la mesa de A. Asadov y otros tres finalistas. ***
El proyecto de Nikita Yavein que ganó la competencia es radicalmente diferente de todas las demás propuestas en la ronda final. Resumiendo, se podría decir que en otros proyectos el tema de la alta tecnología futurista, el tecnoparque y las tecnologías avanzadas es más fuerte. Sus palabras clave y contexto son un progreso lineal fantástico.
El proyecto Studio 44 tampoco es ajeno a las imágenes tecnogénicas, pero aquí se lee de manera diferente, su palabra clave es museo, el contexto es historia. En los niveles superiores, alrededor de dos tercios del museo son de madera, lo que es sorprendente en sí mismo; el hormigón y el ladrillo aparecen sólo en el piso inferior del "sótano". En segundo lugar, y esto es más importante, la descripción del autor enumera cuidadosamente muchas connotaciones históricas y contextuales posibles, por lo que no necesita adivinar nada, puede leer y encontrar, o no encontrar, paralelos al texto en el proyecto. La capa más antigua de analogías: arados, barcos con arqueros y cosacos, que Boris Godunov envió en 1604 para proteger a los tártaros de Eushta locales del vecino Yenisei Kirghiz, a cambio de unirse a la estructura, por supuesto, y una fortaleza-fortaleza, construida de inmediato. a su llegada y sirviendo al principio y de hecho para la defensa, y luego para la colocación de exiliados, después de todo, Siberia. Aquí, para los barcos y la prisión, en su significado también hay galerías gulbishcha: balcones de madera que se suponía que estaban en torres e iglesias en el siglo XVII, los arquitectos los mencionan de manera especial y por separado. La siguiente Tomsk es una ciudad de provincias, construida según un plan regular con casas con cámaras de madera sobre sótanos de piedra, una ciudad importante y rica, aunque tan ladrona que el inteligente Mikhail Mikhailovich Speransky pensó en "colgar a todos" aquí. Además cronológicamente, entre los "prototipos arquitectónicos del museo" se enumeran el arco triunfal y el pabellón construido para la llegada del Tsarevich, el futuro Nicolás II, a la ciudad, y el último paso de la prehistoria es la Exposición Industrial y de Artesanía de 1923 en Moscú, en el sitio del Parque Gorki.
Más de trescientos años caen en la gama de paralelismos, y esta estratificación histórica, envidiable por su profundidad y minuciosidad, se convierte inmediatamente en una de las principales características del proyecto. Quiero interpretarlo por sí solo, es una especie de nuevo nivel de actitud hacia el contexto, penetrando profundamente, tirando, recogiendo en su canasta todos los valores posibles, culturales y no tanto. Una especie de arqueología semántica: así es como un restaurador va despejando, quitando capa por capa y arreglando todo. Pero aquí también es importante que las capas no se eliminen por completo, nadie va directamente a la "prisión", el hecho mismo de las capas, la multiplicidad de alusiones, es mucho más importante. La presencia de un texto paralelo activo, que en algún lugar explica, y en algún lugar confunde deliberadamente, pero en cualquier caso sirve como una parte completa y necesaria de la obra, se asemeja al conceptualismo de los años ochenta y su variedad favorita: la "arquitectura del papel", simplemente ya que todo el complejo de asociaciones se asemeja a muchos dibujos lisos y translúcidos superpuestos entre sí. Todo brilla de alguna manera, crece entre sí, tanto especulativa como visualmente, formando dos "nubes de etiquetas": una conceptual, donde los arados, galerías, gulbis, el emperador, el gobernador y la otra visual, se comportan aproximadamente de la misma manera. - es decir, no dan respuestas, solo atraen al pensamiento, provocan búsquedas, plantean acertijos - y qué podría ser más interesante para un científico que resolver acertijos; aquí los arquitectos también agregaron un acertijo. Y dos "nubes" más, conceptuales y visuales, de alguna manera interactúan entre sí.
En cuanto a plasticidad, la última de las analogías nombradas por los autores del proyecto, con la exposición de artesanías de 1923, es la principal, la similitud es obvia, se pueden considerar y comparar los detalles. La similitud con el conjunto de la famosa exposición es obvia, las citas directas se reconocen rápidamente: las torres facetadas con un torneado diagonal externo están relacionadas
el pabellón del Banco de la Ciudad de Moscú, largos perímetros de madera con un marco permeable en zigzag relleno de frontones poco profundos se encuentran en el mismo lugar; Un gran volumen facetado que crece detrás del pórtico se puede ver cerca, en el edificio del pabellón principal diseñado por Zholtovsky; la misma técnica se convierte en la principal en la solución del final del edificio del museo. Además de estas citas básicas, hay citas de balizas que agudizan las similitudes: un molino de viento, una torre de celosía. La exposición consistió en pabellones y ocupó un área mucho más grande, y el museo es un solo edificio, colgado en un estricto conjunto de pasillos, y sin embargo, sus siluetas se superponen claramente. El museo es como una exposición de la misma manera que el muro de Jerusalén del monasterio Nikolo-Ugreshsky cerca de Moscú se parece a una ciudad medieval, sin serlo: puede entenderse como una representación arquitectónica o un escenario teatral sobre un tema. Incluso la ubicación es sorprendentemente la misma: el museo, como en el pasado y el territorio de la exposición, se extiende entre los estanques y el río.
Entonces, la cita es enfatizada de todas las formas posibles por los autores y definitivamente se nota. Crea una estructura de trama adicional en el proyecto, que da lugar a la reflexión. ¿Por qué esta exposición en particular?
La arquitectura de las grandes exposiciones industriales en general es algo especial, debido a cierta temporalidad y libertad de las estructuras expositivas, fue en ella donde se desarrollaron muchos experimentos. El lenguaje de la arquitectura de los pabellones permite mucho, además, la similitud de la función expositiva la hace bastante lógica para el museo. En una palabra, no hay nada de sorprendente en el hecho de que la exposición haya sido elegida como prototipo.
Además, la Exposición Artesanal e Industrial de 1923 se considera merecidamente un catalizador para la formación de la vanguardia rusa. La primera exhibición soviética de logros, un intento de autoidentificación del estado de los trabajadores y campesinos y un instrumento de propaganda masiva, pero aún no pretencioso y congelado, en contraste con las posteriores exhibiciones agrícolas de toda la Unión y VDNKh, pero completo de búsquedas sinceras de formas y temas en un intento por realizarse. Shchusev calificó la exposición como arquitectónica y dijo que generaciones de arquitectos aprenderían de ella. Pero la exposición Nepman resultó estar medio olvidada durante mucho tiempo, y hace un par de años Garage in the Park of Culture, abriendo su pabellón por Shigeru Bana, recordó al parque sus raíces. Por lo tanto, los pabellones de la exposición de 1923 fueron extremadamente diversos: desde el pasivo Azerbaiyán oriental y el Turkestán hasta el progresivo "Makhorka" de Melnikov, desde las estructuras de ingeniería hechas de madera, como el puente peatonal sobre el Anillo de los Jardines, hasta las reflexiones libres de Zholtovsky sobre los temas de los clásicos - construyó el núcleo de la exposición: doble arco de la entrada, "Casa Principal", Pabellón de Ingeniería Mecánica.
Los colegas regañaron a Zholtovsky por su apego a las formas clásicas, su insuficiente disolución en las construcciones, como puede ser ahora Nikita Yavein será condenado por una cita demasiado exacta. Sin embargo, ni antes ni después del clásico Zholtovsky recibió una interpretación tan libre. Ya sea sucumbiendo al encanto del primer tractor soviético, o siguiendo los detalles establecidos desde hace mucho tiempo de las estructuras temporales ligeras, teje audazmente arcos clásicos y frontones en un marco ligero, mejorando el efecto de celosías permeables, sin cambiar particularmente por detalles decorativos. Las estructuras de marco hacen alarde de estructuras intrincadas, dándoles la vuelta como un abrigo de Navidad. Las sombras de formas reconocibles, debido a cierta equidad, interactúan más fácilmente entre sí, formando una nueva aleación flexible y, lo que es especialmente importante, tolerante a las impregnaciones.
Es este lenguaje el que utiliza Nikita Yavein para su museo, y en mi opinión aquí no estamos hablando de la reproducción de fragmentos, sino de la adopción, y quizás incluso del resurgimiento del lenguaje arquitectónico, que en un momento jugó un importante papel. papel, pero fue olvidado relativamente rápido, reemplazado por propaganda de una naturaleza más monumental y de ahí no fue "elaborado" hasta el final. Los autores del proyecto Tomsk proponen revivir este lenguaje, enfatizando y trabajando cuidadosamente sus valiosas propiedades y capacidades.
Su principal ventaja es su alta adaptabilidad, la capacidad de absorber temas muy diferentes sin mucho daño al conjunto. Las estructuras transparentes en capas son similares a las construcciones escénicas de Meyerhold, generalmente son similares a la escenografía teatral, son capaces de tener diferentes significados y los arquitectos usan esta tolerancia, inyectando muchas de las historias enumeradas al principio en la imagen. Las pasarelas que conducen al camino hacia el río recuerdan a los barcos que desembarcaron en las orillas del río Tom hace cuatrocientos años; ahora, el "barco" imaginario del museo ha aparecido en tierra como un arca bíblica después de la inundación.
Y si con el tema del barco, si no me equivoco, no fue muy bueno en la Exposición Agrícola de la Unión, entonces el segundo tema medieval declarado por Nikita Yavein - la fortaleza-fortaleza, lo encontramos allí por completo. Dibujado por Zholtovsky, Kokorin, Collie, la parte central de la exposición de 1923 fue estilizada con medios Art Nouveau como una fortaleza de madera. Se construyó una "ciudad rusa" cerca del Anillo de los Jardines: torres en las esquinas, frente a la entrada y en
puente: sería bastante adecuado para una decoración de alguna película sobre la Serpiente-Gorynych, aunque no parecía literalmente una fortaleza rusa de madera, como la imaginamos ahora gracias al historiador Anatoly Kirpichnikov. De una forma u otra, fue una imagen integral que Zholtovsky tomó directamente de la época anterior, usando su "nacionalidad" y reviviéndola un poco con la libertad de las estructuras abiertas, y la colocó en la exposición. Todo esto es utilizado en su proyecto por Nikita Yavein, solo las torres de la decorativa "prisión" están alineadas, formando una suite de museo.
El arte plástico de la exposición de artesanías también es interesante porque tomó mucho de la arquitectura de madera del Art Nouveau: marcos externos, filas ornamentales de tablones diagonales e incluso la transparencia de las estructuras, bien elaborada en el pseudo-ruso y simplemente cámaras románticas y terrazas de cabañas de verano del período de la destrucción del jardín de cerezos. Despejada de la decoración, pero sin perder su efímero, esta versión de la arquitectura de madera supo combinar el frontón clásico y el periferio con las asociaciones industriales - y las torres, por supuesto, sobre todo, se asemejan a una especie de fábrica, a un monumento- memoria de la industria fluvial. Las rejas, de las cuales el edificio está hecho casi de la misma manera que el Museo Pompidou, de tuberías, parecen ser una especie de alta tecnología de madera retro, y todas juntas nos llevan al popular género cinematográfico del steam-punk, solo aquí en lugar de tuercas, tornillos y remaches hay vigas de madera y relleno.
Sin embargo, el tema neo-ruso en las cámaras de madera fue uno de los principales, y aquí es nativo, los autores enfatizan especialmente que el prototipo de los pasillos acristalados que se extienden a lo largo de los largos muros exteriores y forman un camino alternativo para los visitantes dentro del suite eran "galerías gulbische" de las iglesias rusas de los siglos XVII-XVIII. Mientras tanto, los gulbisches pueden haber sido una parte importante de la vida rusa antigua, y las galerías son una innovación del sur de Italia. Por lo tanto, el recurso medieval en las galerías no se siente mucho, aunque la idea del autor es interesante en sí misma, pero la similitud de las galerías con la cabaña de verano de la Edad de Plata es encantadora y agrega mucha calidez al museo, que Puede equilibrar las notas de fábrica.
El Art Nouveau de madera está presente en el nivel de recepción, pero la imagen de una casa de pueblo del siglo XVIII con el primer piso de piedra parece estar suspendida en el marco de "líneas de fuerza": grandes bloques de ladrillo ciclópeo rústico, donde se encuentran las juntas. lleno de vidrio y resplandeciente por la noche, convirtiéndose en ventanas estrechas, casi aspilleras, que recuerdan tanto a la ciudad como a la fortaleza. Y aquí nuevamente es necesario volver a la Exposición agrícola de toda la Unión de Zholtovsky: fue él quien mostró con qué facilidad el profesional independiente de vanguardia puede combinar los arcos-frontones de la nueva era con torres y gulbisches medievales.
Es interesante que, apoyándose en la plasticidad inventada por Zholtovsky y utilizando un periferico con frontones para el volumen base, Nikita Yavein deliberadamente -como para equilibrar- refuerza el tema constructivista, ubicándolo en una serie de asociaciones semánticas, es decir, equiparando la torre -salones a figuras geométricas simples de Malevich: desde un cuadrado hasta una característica cruz de igual punta. Este cruce también tiene muchas cosas interesantes, quizás esta sea una de las claves para desentrañar el proyecto. Recordamos que los maestros de las vanguardias no se ocuparon constantemente sólo de negar el pasado, sino que se esforzaron, habiéndolo limpiado como iconos de barniz oscurecido, para encontrar ciertas verdades enturbiadas por los intérpretes. La cruz de Malevich es un intento de estirar un hilo más allá del siglo XIX hasta el XV, para encontrar allí algo real o incluso que valga la pena. Existe la sensación de que los autores del museo de Tomsk intentaron utilizar la clave, inventada por la vanguardia, pero no utilizada del todo, para abrir su propia versión del contexto histórico. Eligieron la muy vanguardista que no renegaba de los clásicos y se interesaba por las antiguas raíces rusas.
Además, la madera en sí es un material interesante, pero complejo, en el siglo XX, con una historia dolorosa, porque en realidad fue prohibido por razones de seguridad contra incendios, reconstruyendo las ciudades rusas con cajas de concreto para que dejaran de ser de madera por completo o casi por completo.. Ofrecer construir un museo con madera, aunque sea en una planta baja de hormigón, es atrevido. Pero encontrar la imagen correcta de un árbol es difícil, porque ahora hay alrededor de cinco caminos, y todos están demasiado trillados. Incluso si partimos del Tomsk de madera de hace cien o doscientos años, ni una cabaña de troncos ni una habitación de madera pueden ser un prototipo. En el árbol moderno reinan varias direcciones (si no tomas las chozas como francamente retrógradas): la sencillez de la casa escandinava; serpientes biónicas de escamas de guijarros; Los atrevidos marcos acanalados para gimnasios y aeropuertos, en los que la madera compite con éxito con el metal, son los herederos directos de los arcos de marcos de grandes luces de principios del siglo XX.
Por supuesto, las técnicas de la exposición de 1923 se utilizaron en el neoanangard de Moscú de la década de 2000, pero con poca frecuencia, de forma esporádica; mucho menos común que los balcones de esquina y las ventanas con cinta adhesiva. Nikita Yavein actúa con más audacia en el museo de Tomsk, casi declarativamente: intenta revivir la estilística de la época de la formación de la vanguardia arquitectónica, para utilizar su capacidad feliz, en parte teatral, para absorber significados. Realmente resultó: un diseño asombroso, similar a un mecanismo de madera, una especie de avión-vapor, un recuerdo de una era en la que los sueños de progreso tecnológico, que ahora parecen tan un poco ingenuos, realmente inspiraron a muchas personas. Esta es una posición muy apropiada para un museo de tecnología.
