Stepan Lipgart: "Es Correcto Doblar Tu Propia Línea"

2024 Autor: David Durham | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 02:32

Una familia

Wikipedia escribe que los Lipgarts son una familia de la nobleza Ostsee, conocida en Livonia desde el siglo XVI, y en los siglos XIX y XX este apellido fue llevado por artistas, ingenieros y diseñadores de submarinos. ¿Cuáles de ellos son tus antepasados?

Los padres de mi madre eran primos cuartos el uno del otro, ambos sin soltera Lipgarts, descendientes del antiguo apellido de los alemanes bálticos, inmigrantes de Pernau (ahora Pärnu, Estonia), que alguna vez tuvieron un título de nobleza. Sin embargo, mis antepasados lo perdieron a principios del siglo XIX. El abuelo de mi abuela, Ernest Lipgart, ingeniero de formación, heredó de su padre una gran empresa dedicada a la producción de cemento y maquinaria agrícola. Su hijo Voldemar (Vladimir) estudió arquitecto, pero prefirió el camino de artista. Su destino fue trágico, a finales de la década de 1930 "desapareció": como resultó en los últimos años, le dispararon en el campo de entrenamiento de Butovo. Mi abuela, también artista, fue exiliada de Moscú a Karaganda al comienzo de la guerra como alemana.

El padre de mi abuelo, el ingeniero Andrei Aleksandrovich Lipgart, es un representante de otra rama familiar, el cabeza de una familia numerosa y fuerte, una personalidad destacada. En 1933, se convirtió en el diseñador jefe de la Planta de Automóviles de Gorky, donde durante casi veinte años creó decenas de modelos de equipos automotrices. Los méritos y logros de Andrei Alexandrovich fueron reconocidos principalmente en la época soviética, por lo que, por ejemplo, su autoridad fue suficiente para rescatar a un pariente lejano, mi abuela, del exilio. Así sucedió su relación con mi abuelo.

Los privilegios de mi bisabuelo en la década de 1950: una gran casa de campo y un apartamento en un rascacielos estalinista, se convirtieron en espacios donde también pasé la mayor parte de mi infancia. La atmósfera festiva de las reuniones familiares, solemne, pero también sincera, que tuvo lugar en un apartamento luminoso con techos altos, ricas molduras de estuco, puertas con paneles, de las cuales Papá Noel aparecía invariablemente en el Año Nuevo, aparentemente se convirtió en una impresión que determinó mi capacidad artística. gustos y preferencias estéticas durante años …

¿Qué influyó en su decisión de convertirse en arquitecto, además de la ingeniería y la genética artística?

Me parece que un arquitecto no es casual, una profesión que a menudo se hereda. En mi caso, la influencia de mi madre es sin duda, quien, aunque ha estado comprometida toda su vida no en la arquitectura práctica, sino en la teoría, pero desde la primera infancia explicó que nuestra profesión es la mejor, universal, en ella: la creatividad, el pensamiento, la belleza y la arquitectura de Moscú, un lugar de rara gracia.

Vocación

¿Cuál de los profesores de MARCHI es importante que recuerde? ¿Quién te inspiró, de quién empezaste?

Recuerdo con asombro y gratitud a mis dos maestros, que ya fallecieron. Cuando entré en el instituto, inmediatamente tuve mucha suerte: mi maestro en los primeros dos años fue Konstantin Vladimirovich Kudryashov. Un hombre con un gran corazón y gran encanto, un horario brillante; recuerdo con qué envidia vimos cómo líneas claras y animadas de bocetos magistrales surgían de debajo de su mano. La amplitud de la naturaleza, al parecer, estaba plasmada en los temas de sus dibujos: caza de perros, que amaba mucho, armas antiguas, caballos, barcos, velas … Al parecer, las preferencias arquitectónicas correspondían a esta percepción romántica, un poco nostálgica. del mundo: habló de Venturi con mucho respeto, Aldo Rossi. En general, el posmodernismo, según Kudryashov, fue algo bueno. No hubo nada negativo de su parte también en relación con la arquitectura estalinista, por el contrario, en la primera lección práctica, que tuvo lugar fuera del instituto, aprovechando esta oportunidad, Konstantin Vladimirovich llamó nuestra atención sobre la casa con los miradores del arquitecto. Rybitsky, que en Zemlyanoy Val, responde sobre esta arquitectura como de alta calidad y significativa. Quizás es por eso que el orden de elementos y composiciones, cuyo estudio fue la base del programa de primer año, sin pensarlo dos veces hice mi método en los primeros proyectos escolares en el segundo año de estudio. Kudryashov no interfirió con esto, no se rompió, pero al final del segundo año advirtió: "Tienes un ansia de arquitectura de orden, trata de alejarte de ella el próximo año".

¿Advirtió que podría haber problemas?

No lo dije directamente, pero lo expresé de esa manera. En general, del tercer al quinto año, mi formación en diseño arquitectónico fue bastante extraña. En cualquier caso, su principio fundamental, copiar revistas extranjeras con proyectos similares al tema y luego reproducir las ideas y técnicas encontradas en su proyecto, me pareció en gran medida inútil. Al mismo tiempo, la pasión por la arquitectura clásica, el legado de los años treinta y cincuenta soviéticos, se hizo cada vez más consciente y profunda. Recuerdo cómo en ese momento vine a hablar con Kudryashov y me quejé, dicen, de que lo moderno no inspira, a lo que recibí la respuesta: si sientes que tienes razón, necesitas pelear "con hachas".

Por supuesto, al principio este "sobre ejes" estuvo plagado de bajas calificaciones y un absoluto malentendido de los profesores, pero luego, sin embargo, se reconciliaron con las maravillosas adicciones de un estudiante negligente, dejándome la oportunidad de cocerme en mi propio jugo.

En el sexto año llegó el momento de elegir un supervisor de diploma, y luego hubo una segunda oportunidad de suerte: entré en el grupo de Vladimir Vladimirovich Khodnev. El año de graduación fue absolutamente feliz; el enfoque formal de los antiguos maestros fue reemplazado por una especie de libertad embriagadora de creatividad y autoexpresión. Resultó que está bien doblar su línea, pero lo que el alma miente es valioso e importante. La sensibilidad y atención de la maestra, que recuerdo con gran gratitud, me permitió comprender y aprender mucho. A la salida, el diploma resultó ser brillante, diría impactante, quizás ingenuo, en algún lugar ridículo, pero realmente mío. Debo decir que en el mismo año aparecieron los Hijos de Iofan, en el que, por cierto, Khodnev me apoyó mucho. Fue un buen momento, creímos en nosotros mismos.

El grupo "Hijos de Iofan" causó sensación. Fue apreciado por representantes de todas las direcciones. ¿Cómo ocurrió?

Veintidós años es probablemente un momento feliz para casi todos: la energía frenética de la juventud, el entusiasmo sin importar el dinero, la reputación, las conexiones. En la primavera de 2006, conocimos a Boris Kondakov y nos hicimos amigos. Recuerdo nuestra primera conversación: - "¿Cómo te sientes con el Palacio de los Soviets?" "Es una lástima … una lástima que no se construyó". Fue la contraseña la que determinó, por el momento, una rara afinidad. Empezamos a trabajar juntos, por supuesto, no se hablaba de ningún tipo de comercio. El talento artístico de Boris y mi visión arquitectónica se plasmaron en proyectos competitivos, en objetos de arte, y luego trabajamos juntos en el diploma antes mencionado, poblando el imaginario Moscú de 2006 con personas de las pinturas de Deineka y Samokhvalov. Los festivales de la ciudad, organizados por Ivan Ovchinnikov y Andrey Asadov, desempeñaron un papel importante en nuestra biografía. Las instalaciones al aire libre de bricolaje fueron la primera oportunidad para probar ideas espaciales en la naturaleza. Por primera vez, participamos en un evento llamado "La ciudad de la infancia", en esta ciudad construimos un objeto que se asemejaba a las estructuras de propaganda de la década de 1930 - el "Red Stand", mientras que el equipo se declaró en consonancia con el tema. del festival - "Hijos de Iofan".

Los ardientes y contradictorios años treinta, a los que el proyecto de Iofan marcó el giro, entraron en resonancia con sus propias vivencias de juventud, sedientas de acción y cambio. En contraste con el caos y el caos del Moscú de Luzhkov, intentamos presentar otro Moscú tal como fue concebido en el Plan General de 1935. Durante horas caminamos en busca de fragmentos de esa ciudad: líneas rojas, direcciones, complejos inacabados, resolviéndolo como un acertijo, imaginando un conjunto entero y esbelto conformado por una arquitectura de alta calidad, creada por maestros difuntos, algunos de cuyos nombres despertaron asombro: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

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  1/5 Instalación: Tanque "Flores a los Caídos". Grupo arquitectónico "Hijos de Iofan" © Stepan Lipgart

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  2/5 Instalación: Tanque "Flores a los Caídos". Grupo arquitectónico "Hijos de Iofan" © Stepan Lipgart

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  3/5 Instalación: Tanque "Flores a los Caídos". Grupo arquitectónico "Hijos de Iofan" © Stepan Lipgart

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  4/5 Instalación: Tanque "Flores a los Caídos". Grupo arquitectónico "Hijos de Iofan" © Stepan Lipgart

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  5/5 Instalación: "Sistema aeronáutico: una herramienta para aumentar el confort recreativo de Moscú". Grupo arquitectónico "Hijos de Iofan" © Stepan Lipgart

¿Qué tipo de escándalo te pasó con Tom Maine?

Sí, de hecho, no hubo escándalo, pero incluso sin él, ese incidente me influyó mucho. La conferencia del fundador del grupo Morphosis entonces, en mi tercer año, causó un gran revuelo: casi todo el Instituto de Arquitectura de Moscú apareció en la sala Vlasov blanca como la nieve de la Casa Central de Artistas. La creatividad de Maine es brillante, emocionante, todos estos volúmenes desgarrados, levitando y desintegrados no pueden dejar indiferentes. Entonces todo lo que él demostró me pareció terrible, no orgánico, carente de lógica y, lo más importante, antihumano. Habiendo reunido mi coraje, hice una pregunta después de la conferencia, dicen, pero ¿qué pasa con la gente? Me impresionó que Maine ni siquiera entendiera lo que quiero decir al principio. Su respuesta relacionada con la tecnología del diseño, habló mucho sobre esto durante la conferencia, dicen, la computadora es solo una herramienta, y las personas, es decir, los arquitectos, son creadores, autores. Nunca recibí una respuesta sobre los usuarios de sus edificios. Sea como fuere, cualquier forma arquitectónica moderna después de esa conferencia me pareció antinatural durante mucho tiempo.

Me recordó cómo en un momento el compositor Arvo Pärt rompió con las vanguardias, porque no podía decir en este idioma lo que quería decir. Muchas veces te han preguntado por qué elegiste la década de 1930 como fuente de inspiración, pero todavía te pido que me expliques tu actitud hacia esta arquitectura

Según mis sentimientos, a principios del siglo XX, la arquitectura del Imperio ruso, principalmente en la capital, alcanzó el nivel mundial, y si no lo comparamos con los centros culturales de esa época: Francia, Austria-Hungría, pero, por ejemplo, con Italia, luego superó. Tomemos los edificios de la Roma de principios de siglo, esta es una arquitectura sólida, bien dibujada, pero aún muy secundaria: una reproducción del Renacimiento, composiciones absurdas sobre el tema de la antigüedad o siguiendo la misma moda francesa.

Aún así, San Petersburgo de la Edad de Plata, la época de Benoit y Lidval, es el foco de altos profesionales, maestros de la arquitectura. Recordemos la construcción de Marian Peretyatkovich, la Casa Wawelberg en Nevsky Prospekt, una obra brillante, una síntesis virtuosa de un palazzo florentino y el Art Nouveau del norte, o las opus emocionales del joven Belogrud, llenas de una vaga energía de anticipación, expectativas. de shock y cambio.

Cuando ocurrieron estos choques en 1917, la mayoría de los arquitectos de la generación anterior se unieron a la construcción del nuevo país, y sus alumnos, una galaxia de arquitectos destacados que estudiaron en vísperas de la Revolución y en los primeros años después de ella, se unieron. con un celo aún mayor: Lev Rudnev, Noah Trotsky, Evgeny Levinson y muchos otros. No se trata solo de la Academia de San Petersburgo, porque los fundadores del constructivismo de Moscú, Alexander y Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, son profesionales de la vieja escuela.

Por paradójico que pueda parecer, el cambio de principios de la década de 1930 enriqueció durante algún tiempo la arquitectura soviética: durante varios años coexistieron conceptos de vanguardia y clasicismo. Los maestros de la vieja escuela tuvieron la oportunidad de “terminar de escribir” el neoclasicismo iniciado en la década de 1910, para transferir completamente sus conocimientos y experiencia a una nueva generación de arquitectos notables: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. En una palabra, a mi entender, la arquitectura soviética de preguerra es un fenómeno de escala muy significativa, rico en ideas y ambiciones, heredado de alta calidad de épocas anteriores.

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  1/3 Arch. M. Peretyatkovich. Casa de Wawelberg en B. Morskaya. San Petersburgo. 1912 © Stepan Lipgart

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  2/3 Arq. M. Peretyatkovich. Casa de Wawelberg en B. Morskaya. San Petersburgo. 1912 © Stepan Lipgart

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  3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Casas en la calle Ivanovskaya en San Petersburgo. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Entonces, su motivo para la década de 1930 es apelar a la alta calidad

Estoy fascinado por el potencial artístico de esta época, probablemente como una de las formas de alta calidad.

¿Cuál es tu obra arquitectónica favorita?

Existe una gran tentación ahora de recordar algo de la Edad de Plata de San Petersburgo antes mencionada, pero en aras de la claridad, nombraré el edificio construido en la década de 1930, realmente me causó una impresión abrumadora. Para la exposición internacional de 1937, entre otras cosas, Francia erigió dos complejos expositivos a gran escala, me gustaría mencionar uno de ellos: el Palais de Tokyo. La arquitectura del palacio está cerca tanto del estilo Mussolini como de los modelos soviéticos, principalmente la Biblioteca Lenin. Sin embargo, la apariencia austera y monumental del edificio se suaviza significativamente, tanto por el pintoresquismo de una clara composición volumétrica, como por la sensual plasticidad de la escultura que llena los espacios cercanos a las fachadas del palacio. Creo que la emoción del Palais de Tokyo, completamente desprovisto de la burocracia de la arquitectura "totalitaria", pero incluso, como me parece, implica cierto grado de intimidad, se debe a que el palacio, sin embargo, fue construido en un país de democracia burguesa.

Para mí, existe un cierto criterio de altísima calidad arquitectónica: cuando un edificio de gran envergadura es tan perfecto, integral, armónico que el espacio urbano, que está influenciado por su arquitectura, se percibe como un mundo de belleza sobrenatural, que es notablemente diferente incluso de los hermosos conjuntos de la ciudad circundante. En San Petersburgo, ese sentimiento se despierta en las columnatas de la catedral de Kazán, en París, en el Palais de Tokio. En el mundo de los segundos, las proporciones y la línea, el espíritu y la voluntad, el amor ardiente, grabado en piedra, triunfan.

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  1/3 Palais de Tokyo en la Exposición Universal de París. 1937

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  2/3 Palais de Tokyo en la Exposición Universal de París. 1937

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  3/3 Palais de Tokyo en París. Fragmento. © Stepan Lipgart

¿En qué concursos y exposiciones has participado, con qué obras? ¿Cuáles son los premios?

En 2017, en Moscú, y luego en San Petersburgo, hubo dos de mis exposiciones personales ("La decimoséptima utopía" y "La búsqueda de un héroe"), por las que estoy muy agradecido a sus comisarios, respectivamente, Alexandra Selivanova y Lyusa Malkis. Pero con especial calidez recuerdo nuestra exposición con el llamativo título "¡Adelante, a los 30!" en el Museo de Arquitectura, inaugurado en otoño de 2008. Su preparación recuerda un poco a otro festival de la ciudad. Había muy poco dinero, pero muchos amigos dispuestos a ayudar, ideas y mi propia fuerza en cantidades ilimitadas. La comisaria era mi amiga, la crítica de arte Masha Sedova.

Y ahora, durante dos meses y medio, nos instalamos en una pequeña comunidad, nos dedicamos a la construcción de modelos, instalaciones de exposiciones, producción de carteles y otro material de exposición. El resultado, al parecer, fue realmente brillante, en cualquier caso, el invitado especial de la exposición, Grigory Revzin, luego llamó la atención sobre los Hijos de Iofan.

En cuanto a los concursos, al parecer, debido a la especificidad del tema de nuestro trabajo, aquí no tuvimos mucho éxito, sin embargo, no nos esforzamos por tener éxito, hay un par de premios ARCHIWOOD, pero creo que esto se puede atribuir. a una excepción a la regla.

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  1/6 Instalación "Pilares de OSVOD", premio ARCHIWOOD-2012 del grupo Arquitectónico "Hijos de Iofan"

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  2/6 Instalación "Pilares de OSVOD", galardonado con el premio ARCHIWOOD-2012 grupo de Arquitectura "Hijos de Iofan"

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  3/6 Instalación "Pilares de OSVOD", premio ARCHIWOOD-2012 del grupo Arquitectónico "Hijos de Iofan"

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  4/6 Instalación "Pilares de OSVOD", galardonado con el premio ARCHIWOOD-2012 grupo de Arquitectura "Hijos de Iofan"

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  5/6 Instalación "Pillars of OSVOD", premio ARCHIWOOD-2012 del grupo Arquitectónico "Children of Iofan"

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  6/6 Instalación "Pilares de OSVOD", premio ARCHIWOOD-2012 del grupo Arquitectónico "Hijos de Iofan"

¿Cuáles son sus impresiones de trabajar en el estudio de Mikhail Filippov?

Según tengo entendido, Mikhail Anatolyevich es un artista brillante, y su visión de la arquitectura presupone una calidad de la realidad que hoy es inalcanzable: social, cultural, tecnológica. Para que la arquitectura de Filippov en pleno sonido se convierta en parte del mundo material, hay mucho que cambiar en el mundo, mucho que recordar. Esta idea me asusta y me decepciona, pero parece que una sola persona, incluso con un talento infinito, no puede hacerlo. Trabajé en el Taller Mikhail Filippov durante un año en total, me alegro de conocer al maestro, le estoy agradecido por su trabajo.

Práctica

A la edad de 30 años, comenzó a diseñar grandes complejos residenciales en San Petersburgo. Casa "Renacimiento" en la calle. Dybenko ya se ha construido parcialmente, se está construyendo "Petite France" en la línea 20 de la isla Vasilievsky. Pocas personas logran recibir tales órdenes a esta edad. Cual es el secreto

Hace un par de meses hablamos con Aleksey Komov, y él, en particular, definió esta situación de la siguiente manera: “Ahí está su posición de maestro, una revivalista. Ahí está tu mundo, en el que habitas sin diferenciar el papel y los proyectos reales, y los clientes de primer nivel, la presencia de este mundo, la firmeza de las convicciones artísticas, sentir y querer unirte. Y dado que este es un mundo a gran escala, los proyectos resultan ser grandes: edificios residenciales y fábricas, y no casas privadas ni interiores.

Suena muy fuerte, laudatorio, por otro lado, es extraño descartar algunos eventos de la vida a ciegas. Recuerdo que a la edad de treinta años, al seleccionar material para Arch-Moscú, revisé mis numerosas imágenes: papel, proyectos de concurso, fotografías de instalaciones, y tuve la sensación de que se habían acumulado suficientes imágenes e ideas para que de alguna manera se abrieran paso., salió al mundo real. Entonces sucedió pronto. Por supuesto, los conocidos anteriores jugaron un papel: Grigory Revzin me reunió con Kusnirovich, Maxim Atayants, quien es un ejemplo para mí profesional y moralmente, facilitó una reunión con un desarrollador de San Petersburgo.

Cuéntenos sobre el dispositivo y los métodos del taller de Liphart Architects

Veo mi principal tarea en trabajar con una imagen arquitectónica, respectivamente, todo está construido de tal manera que se resuelva con la máxima eficiencia, pero con un equipo mínimo. El taller es muy pequeño, hasta cinco personas, se dedica casi exclusivamente al diseño de bocetos. Prefiero dibujar el exterior del edificio con mi propia mano, desde la primera línea de lápiz hasta el último centímetro del modelo informático final de la fachada. Delego el resto del trabajo a mis compañeros. El proyecto y la documentación de trabajo son desarrollados por diseñadores externos, participamos en el proceso como parte de la supervisión del diseñador.

La primera casa en San Petersburgo,

Complejo residencial "Renacimiento", pinté de acuerdo con los diseños dados. Por supuesto, los diseñadores los cambiaron y ajustaron en el proceso, mis decisiones también se transformaron, pero al final, cabe destacar que la implementación está muy cerca de la idea original. La instalación del cliente también afectó: cambiar la arquitectura en el último lugar, construir como se dibuja.

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  1/6 Vista desde el sureste a la rotonda. Complejo residencial "Renacimiento" © Liphart Architects

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  2/6 Visualización del complejo residencial renacentista © Liphart Architects

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  3/6 Conjunto residencial "Renacimiento" Foto © AAG

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  4/6 Proyecto del complejo residencial "Renaissance" en la calle Dybenko, San Petersburgo, desde 2015Infografía En construcción Cliente: holding de inversiones y construcción AAG © Stepan Lipgart

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  5/6 Vista desde el sureste, iluminación nocturna. Foto del complejo residencial "Renaissance" © Dmitry Tsyrenshchikov / Cortesía de Liphart Architects

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  6/6 Vista de la fachada norte, iluminación nocturna. Foto del complejo residencial "Renaissance" © Dmitry Tsyrenshchikov / Cortesía de Liphart Architects

En el caso de la llamada "Pequeña Francia" - nuestra primera casa en el centro histórico de la ciudad - tuve más libertad de maniobra: se establecieron el volumen y el número de plantas, una serie de ideas generales con formatos de apartamentos, todo lo demás se decidió sobre la base de la apariencia externa que había inventado. El diseño de este objeto coincidió con mi traslado a San Petersburgo, por lo que fue dibujado con gran sentimiento, con una especie de fervor neófito, las obras de Lidval y Klenze, a quienes realmente descubrí por mí mismo entonces, tuvieron una gran influencia en su arquitectura.

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  1/7 RC "Pequeña Francia". Línea 20 de la isla Vasilievsky. San Petersburgo © Liphart Architects

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  2/7 RC "Pequeña Francia". Línea 20 de la isla Vasilievsky. San Petersburgo © Liphart Architects

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  3/7 RC "Pequeña Francia". Línea 20 de la isla Vasilievsky. San Petersburgo © Liphart Architects

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  4/7 RC "Pequeña Francia". Línea 20 de la isla Vasilievsky. San Petersburgo © Liphart Architects

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  5/7 RC "Pequeña Francia". Línea 20 de la isla Vasilievsky. San Petersburgo © Liphart Architects

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  6/7 RC "Pequeña Francia". Línea 20 de la isla Vasilievsky. San Petersburgo © Liphart Architects

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  7/7 RC "Pequeña Francia". Línea 20 de la isla Vasilievsky. San Petersburgo © Liphart Architects

Varios proyectos de San Petersburgo en los que estamos trabajando actualmente en una etapa u otra: edificios residenciales en la calle Magnitogorskaya, Malokhtinsky Prospect, en el terraplén del río Negro, se están diseñando de manera similar. La casa en la línea 12 de la isla Vasilievsky tiene una configuración muy compleja, densa, se dibujó durante seis meses. Quizás, la mayor parte de los esfuerzos se invirtieron en este objeto, realmente espero su implementación.

La mentalidad de "hacer según lo dibujado" de los diseñadores surgió porque los clientes eran sus aliados. ¿Los clientes sienten la belleza?

Me parece que la capacidad de ver lo bello es un regalo que se le da a todos desde que nace; es otra cuestión que las circunstancias de la vida, el entorno, los prejuicios pueden quitarle este regalo a una persona, o, en todo caso, causarle un daño severo.. A veces parece que en la Rusia actual, que ha sufrido durante el siglo pasado, la mayoría ha olvidado cómo no solo aumentar la belleza, sino incluso distinguirla de lo feo. Más maravilloso es el encuentro con la ambición de crear la estética. En mi opinión, tanto Alexander Zavyalov, el propietario de la empresa desarrolladora de San Petersburgo, como Mikhail Kusnirovich tienen tal ambición.

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  1/7 Vista de las instalaciones administrativas y de producción desde el suroeste. Fábrica de ropa "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / proporcionada por Stepan Lipgart

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  2/7 Vista del edificio administrativo desde el sureste. Fábrica de ropa "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / proporcionada por Stepan Lipgart

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  3/7 Escalera frontal, fragmento. Fábrica de ropa "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / proporcionada por Stepan Lipgart

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  4/7 Fragmento de la fachada occidental del Edificio Administrativo. Fábrica de ropa "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / proporcionada por Stepan Lipgart

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  5/7 Hall del primer piso con el fragmento Winter Garden_fragment. Fábrica de ropa "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / proporcionada por Stepan Lipgart

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  6/7 Vista general del punto de parada desde el sur. Fábrica de ropa "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / proporcionada por Stepan Lipgart

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  7/7 La fachada sur del edificio administrativo y de servicios, fragmento. Fábrica de ropa "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / proporcionada por Stepan Lipgart

Además, por supuesto, las preferencias de gusto del cliente comienzan a jugar un papel, cambiando, debo decir, con el tiempo desde una completa coincidencia con la mía hasta un completo malentendido. En los primeros proyectos con Zavyalov, por ejemplo, el orden, la arquitectura clásica se aceptó con fuerza y hablamos el mismo idioma, pero ahora la tarea se plantea cada vez más de acuerdo con el principio familiar de los años del instituto: "Hazme como en esta foto." Aquí surge involuntariamente la pregunta de hasta qué punto estoy listo para un compromiso. En general, existe cierta decepción en la profesión después de los primeros años de prácticas. Hasta ahora, lo realmente importante y valioso se ha ganado en proyectos en papel, no en implementación.

Proyectos de papel

Hace más de dos años, en un comentario a archi.ru, mencioné que el tema principal que me interesa son las contradicciones no resueltas inherentes a la cultura y la historia de Rusia, que se manifestaron con especial fuerza en la década de 1930. La colisión de la máquina con la tradicional y la artificial. La línea de la arquitectura heroica de Petersburgo, encarnada tanto en el art deco de Levinson y Trotsky, como en el arcaico sombrío de Belogrud y Bubyr, e incluso antes en el arco del Estado Mayor y el monumento a Peter. Una línea de impulso agobiado, de superación, asociado a la naturaleza de la ciudad, que ha sido objeto de violenta europeización en varias ocasiones.

En tus obras orden arquitectura y tecnología no se niegan, sino que, por el contrario, se enriquecen: art deco y reactor, art deco y cohete … ¿Qué proyecto en papel te es más querido y por qué?

La serie "At the Reactor" es una dedicación personal, encarna la imagen de un reactor atómico como una fuerza que calienta este mundo, pero también amenaza con destruirlo. Esta energía tiene una similitud con la pasión humana. La estación es como un templo, y el tema de la deificación del automóvil también está presente aquí.

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  1/5 Serie "At the Reactor" 2014 Infografía Proyecto en papel © Stepan Lipgart

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  2/5 Serie "At the Reactor" 2014 Infografía Proyecto en papel © Stepan Lipgart

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  3/5 Estación de tren de Finlyandsky 2014 Proyecto de papel de gráficos por computadora © Stepan Lipgart

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  4/5 Proyecto de mejora y reconstrucción del territorio del parque Neskuchny Sad. Etapa 2011-2012 Gráficos por computadora No implementado Cliente: Grupo de empresas Bosco © Stepan Lipgart

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  5/5 Proyecto de mejora y reconstrucción del territorio del parque Neskuchny Garden. Invernadero 2011-2012 Gráficos por computadora No implementado Cliente: Grupo de empresas Bosco © Stepan Lipgart

Recuerdo bien cómo surgió la trama de la obra que llamo "Arco de Triunfo". El día anterior tuve una conversación inspiradora, donde el interlocutor pidió una imagen-manifiesto, mi idea del futuro. Al parecer encontró las palabras adecuadas, el cuadro nació en un minuto: un cohete atrevido, listo para romperse en el empirismo, enmarcado por una gigantesca forma arquitectónica. La conquista del espacio exterior, posible gracias a un avance tecnológico, y líneas dinámicas que suenan al unísono con este movimiento, que lleva el sello de un Art Deco significativo.

En la exposición en Moscú hubo proyectos de villas Art Deco bastante estéticas. Una villa es la imagen de una persona privada. ¿Qué tipo de persona es esta, con qué propiedades?

Es interesante que cada proyecto sea una oferta para un cliente específico, pero ninguno de ellos decidió construir su casa de esas formas. Me parece que Maxim Atayants dio una descripción bastante precisa, señalando que estas no son casas privadas, sino pabellones de exhibición para exhibir al cliente y su vida cotidiana. Sí, quizás, la representatividad enfatizada, la monumentalidad, la solemnidad de la arquitectura no implican privacidad, comodidad, sereno fluir de los días. La imagen de esta casa desafía a su habitante, y debe corresponderle, ante todo en términos estéticos, pero no solo. Aquí nos acercamos al tema de la personalidad excepcional, el Héroe.

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  1/4 Proyecto "Villa Alada" 2016 Infografía No implementado Cliente privado © Stepan Lipgart

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  2/4 Proyecto de la villa "Acropolis Litorinum" 2015 Infografía Región de Leningrado, distrito de Vyborgsky No implementado Cliente privado © Stepan Lipgart

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  3/4 Proyecto "Villa ITR", 2011 Gráficos por computadora Región de Moscú, distrito de Chekhovsky No implementado Cliente privado © Stepan Lipgart

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  Proyecto de villa 4/4 "Pavillon Lecayet", 2015Gráficos por computadora de la región de Moscú. No implementado Cliente privado © Stepan Lipgart

Metafísica

¿Cuál es la diferencia entre tu concepto de héroe y un héroe romántico del siglo XIX, que entra en una batalla con el destino y se opone a la multitud? del superhombre y demiurgo de la vanguardia; de un libertario del siglo XX?

Recuerdo haber leído en Khan-Magomedov que Ivan Leonidov, al crear su "Ciudad del Sol", apenas estaba familiarizado con el texto de Tommaso Campanella. Su constructivismo utópico dio una imagen de un futuro brillante, y la trama de la Ciudad del Sol estaba en sintonía con sus sentimientos. Vale la pena determinar de inmediato que mi “concepto del Héroe” tampoco tiene suficiente profundidad filosófica, detrás de él no hay textos largos, investigaciones, intentos de probar empíricamente mis propias conjeturas. Lo principal aquí es tu propia intuición, la experiencia de ciertos sentimientos, la exaltación. Y la forma más exitosa de la notoria búsqueda del Héroe es observar la exhibición artística de la belleza humana. El ejemplo más obvio es un retrato del Renacimiento que exalta y deifica la naturaleza humana. Pero aún más cerca del ideal están esos lienzos donde la luz celestial entra en conflicto con el lado oscuro de la naturaleza humana. Fue una impresión fresca, fuerte para mí ver en vivo las obras de Parmigianino y Bronzino, no hay en ellas una ligera paz de armonía renacentista, al contrario, el frío penetrante de los rasgos impecables, el frágil equilibrio de lo apolíneo y lo dionisíaco, implicando respuesta, osadía, obra del alma.

En la Sinfonía Divina de Scriabin, el héroe-demiurgo crea un mundo de la nada. El concepto de la lucha contra Dios da lugar a una música muy hermosa, pero éticamente está al límite. Tu héroe, ¿quién es él?

El héroe es el paso intermedio entre una persona con sus debilidades y vicios y el Principio Supremo. El héroe no es alguien que está dotado milagrosamente de habilidades divinas, sino que lucha con la fuerza de su espíritu, su propia alma, hacia lo más alto, ideal, tanto moralmente como en el sentido de la belleza física.

Pero un artista es un héroe en el momento en que crea algo. La manifestación de la belleza en una obra es siempre un milagro y una osadía. Volviendo a la década de 1930, tanto los creadores como sus imágenes son heroicos allí. Los arquitectos construyeron y los compositores escribieron arriesgando sus vidas. En 1938, Shostakovich se sentaba todas las noches en la escalera de su casa con una maleta, esperando ser arrestado porque su amigo, el mariscal Tukhachevsky, había recibido un disparo. Shostakovich ha sido perseguido en forma impresa desde principios de la década de 1930. Sin embargo, en 1937 escribió la 5ª sinfonía, en la que, según Pasternak, "lo decía todo y no le pasaba nada". El héroe de esta música muere en la lucha contra una máquina totalitaria infernal

En los años treinta, se hizo un último intento por soportar al máximo lo heroico y demiúrgico: el Tercer Reich. Un intento de cambiar, de distorsionar la moral humana universal, de crear una nueva persona, una nueva sociedad, una nueva ciudad. El culto a un héroe que ha capturado a decenas de millones. El resultado es monstruoso y, desde un punto de vista ético y humanista, no está sujeto a ninguna justificación. Debe recordarse que aquí la línea es muy delgada.

Si. Porque los medios son monstruosos y los medios son lo más importante. Sí, hubo un gol monstruoso

¿Son posibles otros medios? Tomemos el título de caballero: está asociado con la violencia y el asesinato, y al mismo tiempo, bien parecido, todos recuerdan las majestuosas murallas de los castillos medievales y el culto a una hermosa dama.

No estoy de acuerdo con que el concepto heroico se asocie a la violencia, quizás a enfrentar la violencia y superarse a uno mismo. Si reconciliamos la vida con una dimensión vertical, entonces estamos hablando de un héroe que se sacrifica por otras personas

Por cierto, el sacrificio también se promovió en la sociedad nazi. Como resultado, ya existe una opinión en la Alemania moderna de que la búsqueda de la belleza valiosa puede equipararse con el nazismo.

Esto es un error. El artista crea una forma, es un gesto dominante, en cierto sentido totalitario, pero el arte es un ámbito donde la jerarquía es beneficiosa. El posmodernismo intentó deconstruir este gesto, y el resultado artístico no es muy convincente. La Edad de Plata se balanceaba al borde del arte y la construcción de vida. Creó la belleza, pero permaneció en el campo artístico y no fue más allá (más precisamente, poetas y artistas experimentaron con todo tipo de cultos obscenos, como sabemos por las memorias de Alexander Benois, pero este era asunto privado de ellos). Lenin no es la Edad de Plata

Pero los artistas estaban reuniendo esas nubes en vísperas del drama de 1917, llamándolas y hambrientas de ellas. ¿Qué son los truenos y los relámpagos? Esto es algo incontrolable. Scriabin, naturalmente, tenía una idea diferente de la aparición de un hombre nuevo, está claro que no era un comisario con un Mauser y no un avión de ataque brutal. El bloqueo de Leningrado como realización de los sueños más terribles de la Edad de Plata radica en el sentimiento de sobrehumanidad y sacrificio, en estas frías sensaciones crepusculares encarnadas en las casas Belogrudov. Ya tenían el presentimiento de una tragedia inminente, un presentimiento de lo arcaico, que apareció en la imagen de Stalin desde las profundidades más oscuras. Afinando el tema, veo la imagen del héroe en las obras de los escultores Josef Torak y Arno Brecker. La audacia allí definitivamente se inclina hacia la naturaleza oscura, pero es impresionante.

Al igual que la osadía de muchos artistas libertarios del siglo XX. Wright, Sullivan, Scriabin eran nietzscheanos. Pero entendieron a Nietzsche de una manera vulgar. Nietzsche, cuando dijo su frase sobre la muerte de Dios, quiso decir que una persona ha dejado de volverse al Cielo, ha dejado de ser capaz de dar gracias, de conformar sus acciones con Dios. La gente dirigió la energía libre resultante para lograr sus objetivos y logró mucho. Pero la naturaleza humana caída se manifestó en todo su esplendor

La naturaleza humana caída se manifiesta en pleno crecimiento hoy. Es una pena que estas exhibiciones no tengan valor artístico.

Si. Pero la gente entendió algunas cosas. El mundo ha derrotado al fascismo y el equilibrio aún se mantiene, aunque con dificultad. Albert Schweitzer dijo que habiendo inventado la bomba atómica, es decir, volviéndose superpoderoso, el hombre no se volvió superinteligente. Quizás el héroe sea una persona superinteligente. No en el sentido de precaución, por supuesto, sino, por el contrario, en el sentido de imprudencia, capacidad de misericordia, sacrificio. El santo es todo un héroe y un superhombre. Tenemos valores que no queremos perder. Si hablamos de arquitectura, una ciudad histórica europea es un valor, y la arquitectura de la década de 1930 es una parte orgánica de ella

Sí, pero también había una nueva cualidad en ella. Volviendo a mi impresión parisina, esa visita fue muy corta, concentrada: en ocho horas caminé desde el Panteón hasta el Trocadero, habiendo logrado visitar el Louvre. La gran ciudad asombra con su escala, la riqueza de las fachadas de piedra natural, la amplitud de las avenidas, la magnificencia de los enormes palacios, y sin embargo, al asomarme a los edificios de la exposición de París, no pude evitar sentir otra dimensión, otro grado de significación, una imagen del futuro, que nunca llegó, porque la naturaleza destructiva del hombre prevaleció entonces sobre la creadora.