- ¿Cuál es el significado de su instalación? ¿Qué es lo más interesante en tu opinión?
“Nuestra instalación se denominó“El Museo del Trabajo Rural”, y creo que lo más interesante de ella será la relación entre la imagen exterior y el espacio interior. Se trata de una torre con un diámetro de 3,2 metros y una altura de 8 metros, que desde el exterior funciona como una escultura geométrica, una especie de columna de orden que apareció de la nada en un campo de patatas cerca del pueblo de Zvizzhi y al mismo tiempo. el tiempo parece como si siempre hubiera estado ahí. Cuando lo miras, pueden surgir las asociaciones más diferentes: desde una torre de agua banal hasta la última columna de la acrópolis desaparecida, y lo más importante, será bastante difícil desde el exterior evaluar su verdadera escala, porque una estructura revestida con adobe se fusionará visualmente con su base de tierra y su entorno general.
Quienes viajan a pequeños pueblos y aldeas están acostumbrados a verticales tan pequeñas, torres de agua, que hace tiempo que han perdido su funcionalidad, pero que sirven como marcas de identificación de los asentamientos. Nuestra torre desde el lateral parecerá un dominante medio abandonada, aunque en realidad está concebida para ser habitada. Simplemente hicimos que la entrada fuera bastante discreta, colocándola en el lado opuesto a la carretera. El espacio interior está orientado hacia arriba y está iluminado con luz cálida, y en las paredes de la torre colocamos objetos de la vida rural. La torre se llama el "Museo del Trabajo Rural" porque contiene artefactos genuinos que solo se convertirán temporalmente en objetos de exhibición.
¿Quiénes son sus coautores en este proyecto?
- Inventamos y realizamos el Museo del Trabajo Rural junto con la talentosa arquitecta Agnia Sterligova. Nuestra cooperación comenzó en 2012, cuando Agnia, como parte de la oficina SPEECH, participó en un proyecto para la exposición del pabellón ruso en la Bienal de Arquitectura de Venecia. Junto con Agnia, ahora arquitecta en ejercicio independiente, también hicimos instalaciones en Milán - U-Cloud en 2014 y Living Line en 2015 (junto con Sergey Kuznetsov), y en enero de este año desarrollamos el diseño de la exposición Jan Vanrita” Losing face”para el Museo Judío y el Centro de Tolerancia de Moscú.
Hiciste proyectos en Milán, pero no habías participado antes en Archstoyania. ¿Porqué ahora?
- Es un gran honor para mí participar en el festival Archstoyanie. Este año el festival se celebra por décima vez y, seamos francos, no recibí de inmediato una invitación para convertirme en uno de sus autores. La primera vez que Nikolai Polissky me ofreció esto fue hace unos tres años. Y luego consideramos un sitio muy interesante en la entrada de Nikola-Lenivets, pero sucedió que el festival se vio obligado a ajustar la geografía de las instalaciones, apareció otro sitio para nosotros, y para ella Agnia Sterligova y yo también hicimos dos propuestas., pero por diferentes motivos y no se han implementado. Y entonces apareció Zvizzhi, este campo de patatas, la idea de una señal de entrada, y finalmente, como dicen, todo se juntó. Y estoy muy feliz por eso.
¿Cómo te influyó el contexto Archstoyanie? ¿En qué se diferencia esta instalación suya de sus otras obras del mismo género?
- El tema clave de Archstoyanie es precisamente el espacio, el paisaje en el que se desarrolla el festival, y todas las instalaciones aquí son grandes objetos arquitectónicos y escultóricos que se crean en el entorno natural y luego se asientan, interactuando constantemente con este entorno. El género de la exposición, la arquitectura temporal es, en principio, muy interesante para mí, y la oportunidad de crear un objeto enfocado no en lo urbanizado, sino solo en el entorno natural debe ser reconocido como único en general, por eso nos sumergimos en el contexto. con gran placer y traté de encontrar una interesante encarnación hecha a mano para ello. Por supuesto, esto también influyó en la elección del material. Entendimos que aquí solo es apropiado material absolutamente natural, pero al mismo tiempo no la madera, ya que el tema de la arquitectura de madera, en nuestra opinión, en Archstoyanie ya ha sido más que divulgado. Así que buscábamos un material "vivo" igualmente natural que apareciera de forma natural y que en algún momento pudiera desaparecer con la misma naturalidad. Y al final, nos decantamos por los revestimientos de adobe, idealmente enfatizando el hecho de que nuestra estructura nace del suelo, simbolizando el trabajo en el suelo, que siempre ha sido y sigue siendo el principal soporte, la columna sobre la que descansa el bienestar humano.
Aunque el material, las proporciones y la función son diferentes, compositiva y figurativamente: como algo que se encuentra en un campo abierto, hay una similitud con la Rotonda de Brodsky que se encuentra en los campos cercanos, en Nikola-Lenivets. ¿Cuán consciente es esta similitud? ¿Es un homenaje a un lugar, un diálogo posmoderno o un accidente? ¿O el paisaje es provocador?
- Para ser honesto, no veo ninguna similitud entre nuestro objeto y la Rotonda de Alexander Brodsky. ¿Es que la forma redonda de ambos objetos puede llevar a tal suposición?.. Tal forma es realmente siempre muy interesante y se percibe ventajosamente en los espacios naturales, un hecho conocido al menos desde el Renacimiento. Y en términos de proporciones, materiales, percepción, nuestro "Museo" y "Rotonda" son completamente diferentes. Más bien, podrían trazarse algunos paralelos con "Beaubourg" de Nikolai Polissky, una forma alargada, coronada con una especie de terminación. Pero, repito, si nuestro objeto se refiere a algunos prototipos, entonces se trata de torres de agua de la vida real de numerosos pueblos y aldeas.
