El programa paralelo de la XIV Bienal de Arquitectura de Venecia incluyó una exposición que parece no tener nada que ver con el arte de la arquitectura. Se trata de la exposición "Al otro lado de la puerta roja" de la figura destacada del arte no oficial de la URSS Mikhail Roginsky. Sus obras de 1978-2001, el período de la emigración parisina, fueron traídas por la Fundación Mikhail Roginsky y en artibus, dirigido por la mecenas Inna Bazhenova. La exposición se preparó en colaboración con la viuda del maestro, Liana Shelia-Roginskaya.
¿Por qué es un pintor en la Bienal de Arquitectura? No es tan simple. La comisaria de la exposición Elena Rudenko explicó que la estrategia de Roginsky de dividir el mundo en pre-elementos (puerta, mesa, estantería, silla, bañera, botella) es bastante consistente con la idea de Fundamentals, que fue formulada por el comisario de la Biennale Rem Koolhaas y determinó la dirección de la exposición principal del festival.
Como recordamos, la exposición principal en el pabellón central de Giardini se llama Elementos de Arquitectura. Presenta un cierto catálogo de módulos a partir de los cuales se ensambla el edificio: techo, ventana, piso, balcón, baño, puerta, etc. La exposición es notable como ejemplo de propedéutica arquitectónica, un libro de texto tridimensional para enseñar el alfabeto de las formas arquitectónicas. Los artículos enciclopédicos, que acompañan a la demostración de muestras de techos y baños, podrían convertirse en la base de los resúmenes de algunos curiosos hombres y mujeres jóvenes de colegios y universidades de arquitectura. El problema es que al comunicarse con esta enciclopedia de elementos, no hay emoción personal y el discurso del autor del artista-creador. La exposición de Roginsky resuelve este problema. También se trata de protoformas de nuestro ser y nuestra vida. Sin embargo, cada uno de ellos está capturado en un retrato y está cargado con la energía vital ganada por el propio artista.
Quienes ingresan a la Universidad Ka'Foscari, donde se encuentra la exposición de Roginsky, son recibidos por su legendaria "Puerta" roja. Este es un objeto de 1965. No encontrado, como se podría pensar en un principio, sino creado a propósito y teniendo absolutamente "retrato", como el "Cuadrado negro" de Malevich, plasticidad e incluso expresiones faciales. Es magnífico el trabajo con la superficie, que es preparada por el artista de forma tan joya (con esmerada atención a todas las rebabas, gotas de pintura y craquelures) que el producto en bruto adquiere la calidad de una joya única, algo así como un autorretrato encriptado de la autor.
Entonces, ya en la puerta, el visitante de la exposición adquiere una dimensión de humanidad en comunicación con el modernismo internacional de las casas de bloques y los apartamentos estándar, indiferente a este problema. Un movimiento adicional apoya y desarrolla este tema de "medir la humanidad". Es genial que la arquitectura de la exposición haya sido realizada por el gurú del modernismo ruso, Evgeny Ass. Colocó la obra en dos plantas. El diseño mismo de la suite principal de la Universidad Ca'Foscari es simple: un gran corredor con vista al Gran Canal. Paralelamente hay una cadena de pequeñas salas medievales con techos de madera y, a veces, chimeneas. Ass hizo deliberadamente difícil la experiencia del espacio. Cortó todas las suites con paredes falsas de madera. Cada habitación construida en la antigüedad fue pintada con el color de la pintura de Roginsky (tonos suaves de rosa, verde, azul oscuro, blanco lechoso, ocre). Resultó ser algo así como un laberinto. El espectador deambula por los rincones y grietas de la conciencia de un residente de Khrushchev soviético y apartamentos comunales. La conversación se lleva a cabo por cosas que habitan las habitaciones de tales apartamentos.
Una pregunta para Evgeny Assu
Archi.ru:
- Evgeny Viktorovich, ¿qué efecto querías lograr en el proyecto de exposición?
Evgeny culo:
- Efecto no es la palabra adecuada - Traté de lograr una cierta simpatía del espacio expositivo de la pintura de Roginsky. Y no hablaría del laberinto, sino de la difícil trayectoria del movimiento dentro del espacio pintoresco. Las formas rotas de los pasillos, las dramáticas transiciones espaciales (todas las aberturas son diferentes), la suspensión irregular de las obras, para mí todo esto es la "arquitectura de la pintura" de Roginsky.
Hay muchas cosas en las habitaciones y están reunidas en secciones. El primero es "ABC de la bidimensionalidad". Obras 1978-1980. Estantes con botellas y platos. Pintado brutalmente deliberadamente con acrílico barato sobre papel o cartón baratos. Dotado de una especie de fuerza animal, primitiva. La pintura salvaje es parecida al fauvismo: la aparente negligencia del origen de los más aristocráticos. La precisión y profundidad del color y la belleza de las relaciones tonales actúan como una vidriera iluminada por el sol.
En el apartado “Interior. Paisaje. Figura en el espacio”muestra obras de 1981-1982. Esta es una reconstrucción visual de Roginsky de esos apartamentos que se conocían de los años soviéticos. El artista ya vivía en París y pintaba habitaciones con tulipa, baños y escaleras de memoria. No quería complacer a nadie. Su credo era liberar al arte de la belleza y la artificialidad, borrar al máximo la distancia entre la pintura y la vida. Después de todo, tienen una afinidad viviente. Por tanto, sus interiores son deliberadamente pobres y frágiles. Con baños de humo, radiadores polvorientos, mesas toscas y escaleras de mano torcidas. Los cuadros de dos metros están hechos sobre papel con acrílicos en una técnica casi monocromática: gris teñido de rosa. Sin embargo, al adentrarnos en estos interiores con la mirada, no sentimos inferioridad ni malestar. El trabajo sutil con el espacio y los delicados matices de la superficie dentro de un mismo tono hacen que la pintura sea exquisita y muy noble. No es de otra manera en estos interiores comunales del modernismo soviético retazos de disputas intelectuales sobre Bakhtin y Shklovsky (se llevaron a cabo precisamente en el espacio de cocinas comunes).
Una obra de la exposición se refiere con precisión a un posible simpatizante de Roginsky en el sentido de crear una encarnación deliberadamente fea y grosera, pero al mismo tiempo refinada y hermosa en la sutileza del arte. Este trabajo es "Peluquero". En la bruma del amanecer de la mañana, un peluquero soviético corta hábilmente el cabello de un cliente sentado frente a un espejo. Bueno, por supuesto, la contraparte de Roginsky en este caso es Mikhail Fedorovich Larionov con sus barberos, la torpe pantomima de la vida de las ciudades de provincia, pintura deliberadamente sin arte y, con todo eso, una impresionante cultura del color y el espacio. Roginsky y Larionov están unidos por la comprensión del entorno urbano ordinario y banal como una fuente única de ideas e imágenes artísticas.
Hoy, tanto en Rusia como en el mundo, se ha producido un proceso de rehabilitación de esa arquitectura impersonal en bloques de los años sesenta y ochenta, que por el momento en la intelectualidad era indecente amar y odiar era Bonton. Hoy, la generación más joven se encuentra precisamente en la segunda ola del modernismo de posguerra buscando ejemplos de un estilo antiburgués que responda a los problemas sociales. Muchos pabellones de la actual Bienal están dedicados a los edificios modernistas de los países de los años sesenta y ochenta.
¿Cómo inspiras al espectador a entrar en contacto con esta arquitectura indiferente? ¿Cómo animarla? Roginsky ayuda a encontrar la respuesta. La última sección de la exposición se llama "La pintura regresada" (1991-2001). Muestra pinturas (lienzo, óleo) con vistas de los rincones de Moscú, que el artista residente en París escribió de memoria. Las casas rosadas con hileras de ventanas idénticas, barracones azules, calles grises y entradas se verían deprimentes y sin alegría si no fuera por la energía del amor y la compasión que emana de cada lienzo. Al mundo que el artista dejó hace mucho tiempo, pero que se quedó con él de por vida.
La exposición está abierta hasta el 28 de septiembre.
