Sergey Estrin:
- Es difícil elaborar un criterio claro para evaluar el nivel de trabajo gráfico. Si parte de lo contrario, de lo que no le gusta, definitivamente no le gusta que los dibujantes talentosos reproduzcan fotografías. Dichos gráficos son sorprendentes solo porque transmiten imágenes con la mayor precisión, sus imágenes parecen vivas. Para mí, este definitivamente no es un criterio de selección. Para mí es importante que cuando miro una obra, inmediatamente tenga el deseo de pensar en ella. De modo que aparecen todo un abanico de imágenes asociativas, alusiones, incluso sensaciones y emociones. Me gusta cuando empiezas a seguir la línea, cómo la lideraba el autor, y me gusta reflexionar por qué lo hizo de esta manera y no de otra manera. Ocurre lo mismo con la arquitectura: me fascinan los edificios ambiguos, cuando puedes disfrutar de diferentes ángulos, diferentes imágenes emergentes y descubrimientos …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Amo mucho sus gráficos. Es muy diferente. Bunin tuvo, por ejemplo, un período en el que pintaba en manchas. Cuando era niño, tenía libros con sus ilustraciones. Recuerdo sus increíbles ilustraciones para Pushkin. Me gusta mucho la forma en que trabajó con la letra de Omar Khayyam. O este dibujo: por la vivacidad de la línea, por la subestimación, este es un trabajo interesante. Bunin no necesita dibujar la figura completa, todo el volumen, esto es superfluo: la línea en sí, la forma en que va y transmite el significado de la imagen. En algún lugar parece que la mano tembló, la línea se rompe, pero esto no es porque el artista sea débil, sino porque es necesario transmitir el significado. Y ahora miras esta línea, intermitente, nerviosa, de diferente grosor, y te dice todo lo que se necesita. Para mí, este es el nivel más alto, gráficos absolutamente increíbles. Además, estoy seguro de que Bunin pintó esto sin ninguna preparación, el modelo apenas posó para él. Intento deliberadamente repetir esta forma de trazar la línea, dibujo montañas así … De esta manera, en medias líneas, muchos artistas intentan dibujar, pero no todos lo logran. ***
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
Me familiaricé con su trabajo en el instituto. Noakovsky - arquitecto y artista gráfico ruso-polaco, vivió a finales de los siglos XIX y XX, antes de la revolución que enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, fue miembro de la Academia Imperial de las Artes. Fue un gran acuarelista, pintó monumentos arquitectónicos. Los estudiantes lo adoraban. Ha sobrevivido una fotografía en la que dibuja con tiza en una pizarra durante una conferencia, explicando estilos arquitectónicos. Me imagino vívidamente cómo muestra por primera vez lo que distingue, digamos, el estilo rococó: proporciones, elementos, combinaciones, la proporción de las escalas de las paredes y la decoración. Y lo hace todo rápido, con unas pinceladas, pero de tal forma que se captura la esencia. Es decir, a un nivel muy artístico y profesional. Me imagino lo disgustados que se sintieron los alumnos cuando lavó una cosa y empezó a dibujar otra, quizás no menos brillante …
Lo mismo ocurre en estas acuarelas: aquí se transmite lo principal. Noakovsky no necesitaba dibujar cada detalle, cada relieve, como si estuviera copiando una fotografía. En cambio, se concentra en la esencia: transmite espacio, poder, ritmo, proporciones, impresiones de ellos. Esto es muy parecido a cómo funciona nuestra memoria en general: las pequeñas cosas se borran, dejando una imagen común que nos impresionó. También lo es Noakovsky: capta la imagen completa. Un enfoque del dibujo muy arquitectónico, muy correcto, según me parece. ***
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
Para ser honesto, no todo en el trabajo de Piranesi me conmueve. Los monumentos antiguos, las vistas de Roma, sus paisajes arquitectónicos no me hacen sentir fuerte. Está muy bien hecho, pensado, verificado, pero no te preocupa. Y otra cosa muy distinta son sus fantasías sobre el tema de las prisiones, sus "Mazmorras", una serie de 16 hojas. Locuras arquitectónicas, completamente imposibles en la realidad, en las que ya no se limitaba a nada. En estas hojas, construyó un mundo trascendental, complejo, fascinante, místico, apasionante. Una vez compré un libro completo para algunas reproducciones de Piranesi's Dungeons. Estas obras son muy personales, emocionales y, lo más importante, muy modernas, aunque se publicaron por primera vez a mediados del siglo XVIII. ***
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Padre de Alexander Brodsky. Graduado del Instituto de Arquitectura de Moscú. Y en su libro grafismo, efectivamente, se siente un arquitecto. Hay un contraste, proporciones, algún tipo de severidad, por supuesto, un sentido de línea y forma; todo esto en conjunto causa una fuerte impresión. Él sabe cómo preparar hábilmente el tema: mira estas cabezas que gritan, hay tantas que parece que ya puedes escuchar, sentir físicamente su risa. Las figuras de Don Quijote y Sancho en el centro de este mar de cabezas están dibujadas como si fueran realizadas por un escultor. Muy buenos gráficos. Por sus ilustraciones a Don Quijote, Savva Brodsky recibió una medalla de oro en la Feria del Libro de Moscú y fue elegido Académico Correspondiente por la Real Academia Española de Bellas Artes.
Y sus láminas para Romeo y Julieta también son asombrosas y muy arquitectónicas. Prueba de ello es el hecho mismo de que se trata de una serie, es decir, el autor marca el ritmo y, por tanto, trabaja como arquitecto. Hay ejes, una perspectiva que se extiende hasta el infinito y figuras escultóricas que marcan la escala de esta columnata y la nave. Muy agradable. Brodsky sabe transmitir el punto de vista de una persona que mira a los gigantes. Como arquitecto, lo entiendo absolutamente todo aquí, quizás por eso me gusta. ***
5.
Egon Schiele (1890-1918)
El artista austriaco, alumno de Klimt, después de su muerte fue en realidad el artista número uno en Austria, pero murió a los 28 años de una mujer española. Tiene muchas pinturas y varios miles de dibujos. Su trabajo es muy interesante. Talento asombroso. Ambos reconocibles y diversos. Quizás, si hubiera vivido una vida larga, se hubiera convertido en escultor, porque sus cosas son muy escultóricas, y quizás hasta arquitecto … Ve muy bien, quita cosas innecesarias y agrega una emoción inusualmente aguda. Tiene una línea increíblemente maravillosa, como un nervio desnudo. Su pintura es inseparable de la gráfica. Incluso las cosas que están pintadas son absolutamente gráficas.
Sus retratos no son en modo alguno una caricatura, ni una caricatura, donde también intentan plasmar lo principal. También cambia un poco las proporciones, las estira. Schiele tiene una escuela maravillosa, ciertamente conoce tanto las proporciones como la anatomía, pero sabe cómo afilarlas y transmitirlas de tal manera que cada línea comienza a sonar con un nervio estirado, casi se puede escuchar.
Y sus dibujos arquitectónicos, que se publican con mucha menos frecuencia que los retratos, son simplemente magníficos en parte de su simplicidad. Y aquí también ve lo principal. Parecería que las casas más comunes, a nadie se le ocurriría capturarlas. Pero algunos acentos, y de ellos reconocerá a principios del siglo XX, el estado de ánimo de la modernidad, aunque no hay una sola línea desde la modernidad, desde el art nouveau aquí. ***
