Hani Rashid vino a Moscú para impartir una conferencia "La experiencia de Moscú" como parte del programa de verano del Instituto Strelka de Medios, Arquitectura y Diseño.
Archi.ru:
En Moscú, todo el mundo está muy interesado en su futuro museo en ZIL, una sucursal del Hermitage. Todavía no tenemos un solo edificio de museo de varios pisos, y esos edificios son raros en el mundo. ¿Cómo planea distribuir las salas de exhibición en pisos, una encima de la otra o de otra manera?
- Una de las ideas clave para resolver nuestro proyecto fue que propusimos una nueva actitud sobre cómo mirar el arte, cómo percibirlo. Para el arte contemporáneo "tradicional", el edificio tendrá galerías "regulares", con paredes blancas, espacios claros y continuos, etc. Sin embargo, al mismo tiempo, habrá espacios menos familiares por los que se moverá el visitante y donde se invitará a artistas a crear obras únicas y, posiblemente, realizar experimentos. Asimismo, el museo ha previsto espacios adecuados para la exhibición de obras de gran tamaño, posiblemente de hasta 30 m de altura, por ejemplo.
Si piensa en la historia de la arquitectura de los museos y en cómo la gente veía el arte en el espacio público en términos de historia y tradición, es importante analizar los museos más antiguos en este contexto. En los siglos XVIII y XIX, la relación entre el espectador y la obra de arte se veía como algo sagrado y en muchos aspectos el espacio de “galería” tal como existe hoy se adhiere a tales dinámicas y actitudes. Al mismo tiempo, este tipo de experiencia visual a menudo ha sido cuestionada, el ejemplo más significativo de mediados del siglo XX: el famoso Museo Frank Lloyd Wright Guggenheim de Nueva York. En primer lugar, la rotonda de este museo creó una nueva relación entre el espectador y el arte, donde el arte no solo se podía ver desde diferentes ángulos y perspectivas diferentes y únicas, sino que también se exhibía a los visitantes del museo y de ese modo se complementaba la percepción colectiva. de arte. Además, en el Taller de turbinas de la Tate Modern de Londres, obras a gran escala encargadas especialmente para él crearon "eventos" que atrajeron a los visitantes [a su órbita], transformando así la experiencia de ver arte de una forma pasiva a una activa e incluso interactiva. experiencia y presentación.
Hablando específicamente sobre este aspecto de nuestro proyecto de museo, nuestro objetivo era combinar la experiencia de "mirar" el arte en salas bien diseñadas (con una iluminación bien pensada, etc.) con las acciones "aleatorias" de los visitantes que también son invitado a moverse dentro de varios volúmenes arquitectónicos intermedios y, a través de ellos, a mirar el arte de una manera única, desde diferentes perspectivas que fomentan lecturas completamente nuevas y, espero, nuevas comprensiones. A través de la planificación y el programa funcional del museo, diseñado de esta manera -como "desconectando" o quizás incluso "rompiendo" - surgen una serie de salas y vacíos que, tomados uno a uno, reducen o disminuyen ciertas "expectativas" sobre cómo un museo de arte contemporáneo debe percibirse. Por ejemplo, la idea de un atrio central como autoritario y claramente definido, que fue instaurada por el Guggenheim de Nueva York a mediados del siglo pasado, y enfatizada aún más por el Guggenheim de Bilbao de Frank Gehry, para cuyo proyecto es clave. Hoy en día, muchos museos nuevos utilizan el atrio como un camino a través del cual se ubican las galerías de caja blanca. Esto es problemático para nosotros, de hecho, como una forma de experimentar el arte, es un cliché que debe ser cuestionado nuevamente.
En relación con todo el territorio de ZIL, existe un problema: será un área casi completamente nueva, y tales edificios a menudo son artificiales y sin vida. Tienes muchos proyectos de nuevos territorios para diferentes ciudades del mundo. ¿Cómo se puede prevenir esta artificialidad en el caso de un nuevo desarrollo?
- Estoy de acuerdo en que puede ser difícil prevenir este síndrome si la economía y la política son los motores de este tipo de proyectos. Mientras tanto, en el caso de ZIL, tanto el autor del plan general Yuri Grigoryan con su oficina Megan como nuestro cliente Andrey Molchanov y su Grupo LSR están muy interesados en evitar tal problema. Desde el principio, nos pidieron que seamos empáticos y reflexivos sobre el territorio de ZIL, incluidos sus edificios, su historia y patrimonio, mientras que simultáneamente se nos encargó la tarea de diseñar algo nuevo, "refrescante" y poderoso en este contexto, como un catalizador integral. desarrollo de este territorio. Este es nuestro objetivo.
Nuestro edificio para el Hermitage Modern Contemporary Museum estará ubicado en el Boulevard of Arts, que es fundamental para el plan maestro de Yuri Grigoryan. La vida en ZIL se organizará en torno a la cultura, incluido el arte contemporáneo y contemporáneo. La [existencia de] el museo indica que el desarrollo de esta área se considera de hecho un proyecto cultural significativo. Creo que esta es en realidad la idea principal de Andrei Molchanov: lograrlo en todo el territorio de ZIL. El nuevo museo, junto con otros objetos culturales previstos para esta área, está diseñado para evitar la posible falta de vida y esterilidad que caracterizan algunas de las nuevas áreas.
¿Tendrá otro edificio en ZIL, un rascacielos residencial de 150 metros?
- La Torre ZIL es una pieza de arquitectura moderna muy elegante, a diferencia de cualquier otro edificio del mundo. Creo que será una adición única al paisaje de Moscú.
En nuestros dos proyectos para el territorio ZIL, estudiamos su historia en relación con la modernidad rusa y la historia del arte de este período. Yo mismo admiro a los constructivistas, especialmente al artista constructivista Gustav Klutsis. Klutsis creó "locutores de radio" muy interesantes y otras obras a principios del siglo XX. Nuestro diseño para la torre en ZIL estuvo influenciado por estas estructuras dinámicas y poderosas, así como por pinturas y otras obras de Vladimir Tatlin, El Lissitzky y varios otros maestros de este importante período en la historia del arte y la arquitectura en Rusia.
Tanto la torre como el museo también fueron creados bajo la influencia de la propia ZIL, sus antiguos talleres, su notable historia y patrimonio. He visto la increíble película de Dziga Vertov "El hombre de la cámara de cine" muchas veces para comprender mejor los sentimientos y las emociones, así como la dinámica y la estética que se pueden extraer de la vieja energía del proceso de ensamblaje del automóvil y la magnificencia de estos. fábricas, especialmente ZIL.
Nuestro proyecto de museo también se inspiró en el constructivismo ruso, especialmente en los prouns de El Lissitzky. Sin embargo, en ambos casos, la torre y el museo, las citas directas y las similitudes estéticas pronunciadas no son obvias ni intencionales. Estos no son proyectos posmodernos, y no pretendemos hacer que estas obras parezcan edificios de la era constructivista, edificios del pasado en general. Más bien, buscamos despertar el espíritu, la base de tantas ideas radicales que los constructivistas han expresado en su poderoso y revolucionario enfoque formal de la espacialidad verdaderamente dinámica.
El diseño del museo también está inspirado en fuentes algo más inesperadas, incluida la pintura de paisajes rusa del siglo XIX. Los hermosos y al mismo tiempo "persistentes" paisajes de esta época tienen un fuerte resplandor interior y el efecto de la atmósfera. Me gustaría que este edificio también evocara estas sensaciones, en combinación con volúmenes y espacios interiores inspirados.
Otro aspecto importante a considerar cuando se habla del museo y la torre es el concepto muy urbano del Boulevard of Arts, donde el enfoque principal estará en las instituciones culturales, incluido un centro de artes escénicas, un teatro de marionetas, un gran "parque de arte" y otros proyectos. Todo el plan de ZIL es el resultado de la visión de Andrey Molchanov, quien realmente entiende que la construcción de viviendas requiere una reflexión más profunda sobre otros aspectos de la dimensión humana.
Molchanov viajó especialmente a Nueva York y Los Ángeles, así como a varias ciudades europeas, para invitar a arquitectos "internacionales" a realizar proyectos para ZIL. Nos pidió, en particular, que creáramos algo muy especial y muy sensible a la historia de Moscú y ZIL.
Creo que Molchanov es muy consciente de las peculiaridades de la situación cuando se invita a trabajar "localmente" a destacados arquitectos del extranjero; en este caso, estaremos especialmente atentos a las propiedades especiales de un lugar y una ciudad. Se nos pidió que diseñáramos dos edificios muy fuertes y atractivos, adyacentes a otros edificios bien pensados, interesantes proyectos de vivienda y espacios públicos. Debo agregar que es muy bueno que Yuri Grigoryan, junto con Andrei Molchanov, decidieran mantener algunos de los edificios antiguos en el plan maestro, lo que permitirá que algunas de las características del territorio original se conviertan intactas en parte integral de la nueva historia. de ZIL.
Diseña para diferentes países del mundo, mientras que en todas partes: sus tradiciones, su nivel de tecnologías de construcción. ¿Cómo afrontas esta diferencia?
- Hay dos respuestas a esta pregunta. Por un lado, dado que mi padre era un pintor abstracto nacido en Egipto y afincado en París, y mi madre era británica, soy esencialmente un híbrido cultural. Además, mis padres dejaron sus países de origen y se mudaron a Canadá, donde crecí. Es decir, me veo como una especie de “nómada cultural”, así que no importa dónde trabaje en términos de lugar y cultura, tengo una sensibilidad hacia lo que podría llamar el “ADN” de un lugar. De niño, viví en tantos países, y como heredero de dos culturas muy diferentes, era necesario para mí desarrollar esta sensibilidad, este instinto es simplemente una cuestión de supervivencia y como un medio de entender dónde estoy en un momento. momento particular en el tiempo.
Por otro lado, dado que hemos diseñado y construido para diferentes ciudades y contextos, cada proyecto tiene sus propias limitaciones únicas debido a una ubicación, agenda, programa, economía, etc. específicos. Muchas de las oportunidades que brinda cada ubicación son únicas y debemos "extraerlas". No somos de esos arquitectos que diseñan los mismos proyectos para diferentes lugares del mundo, sin importar el contexto. Más bien, diseñamos edificios a la medida del programa y el presupuesto, como en este caso, no demasiado extravagantes ni exagerados. Nuestra intención siempre ha sido hacer nuestro trabajo discreto e inteligente al mismo tiempo, prestando especial atención a la elección de tecnologías de construcción y materiales locales. Al mismo tiempo, sostenemos que la construcción debe estar muy avanzada, por eso buscamos un enfoque que nos permita alcanzar altos resultados. Otro aspecto clave es la selección del equipo del proyecto, que se parece mucho a crear una orquesta: elegir las personas, los componentes adecuados, encontrar las técnicas, las herramientas y los métodos adecuados. Un excelente equipo con el que coopera en todos los aspectos del diseño determina el éxito final del negocio, dondequiera que se encuentre el proyecto [SPEECH bureau está a cargo de ambos proyectos de Asymptote para ZIL - nota de Archi.ru].
Estos dos de nuestros proyectos de Moscú serán importantes no solo porque son parte integral de la actual situación rusa, sino también porque serán innovadores y relevantes en términos de cultura, tecnología y economía. Esperamos que también sean importantes para los residentes locales, que sean percibidos como obras relevantes y espirituales. Estos proyectos de Asymptote hacen justicia a la arquitectura, la convierten en su tema principal y para lograrlo no tienen que ser costosos ni pretenciosos. Para nosotros asumir este reto es un objetivo muy realista, porque, como ves, no somos el tipo de arquitectos que se contrata para dorar un baño o un salón de baile (risas).
¿Cómo recibió este pedido? ¿Se le ofreció o hubo una competencia?
- Conocí a Andrey Molchanov en Moscú el invierno pasado, y luego me pidió que diseñara una torre para ZIL (ZIL Gateway Tower). Cuando le mostramos nuestra cartera de trabajos, se mostró interesado en nuestro proyecto para el concurso del Museo Guggenheim de Helsinki, y creo que, tras negociaciones con el director del Museo Estatal del Hermitage, Mikhail Piotrovsky, nos ofrecieron desarrollar un proyecto para la sucursal del Museo Estatal del Hermitage en Moscú, destinado a la exposición de arte moderno y moderno. Creo que tanto Molchanov como Piotrovsky saben que, a pesar de que se nos llama arquitectos "estrellas", no insistimos en un estilo o enfoque dogmático determinado, sino todo lo contrario: siempre estamos buscando un ángulo nuevo y fresco. de vista en cada situación. Gracias a una feliz coincidencia, durante muchos años Mikhail Piotrovsky y yo mantuvimos conversaciones interesantes sobre cómo podemos diseñar nuevos museos, de manera única y convincente. Entonces, las cosas se han estado reconstruyendo durante mucho tiempo, pero ahora estamos muy ocupados trabajando en dos proyectos maravillosos en Moscú, y nos sentimos halagados por ello.
¿Qué opinas de los concursos, especialmente los grandes internacionales, como el reciente del proyecto del Museo Guggenheim de Helsinki? ¿Los concursos están enriqueciendo la cultura arquitectónica o los arquitectos simplemente están perdiendo el tiempo en ellos?
- Los concursos de arquitectura como idea son muy importantes y útiles para nuestra profesión. Yo misma, junto con Liz-Anne Couture, ganamos nuestro primer concurso cuando solo tenía 27 años. El proyecto se llamó Los Angeles Gateway y fue un concurso internacional. La misión era crear un monumento para un nuevo monumento que conmemora la inmigración estadounidense desde el Pacífico. Esto fue muy importante para nuestra carrera y para la fundación de nuestra oficina, Asymptote. Por eso, creo que los concursos son realmente muy importantes, especialmente para los arquitectos jóvenes. Por otro lado, las licitaciones parecen estar cada vez más operativas. Me parece que los "clientes" (como usted llama a los clientes aquí) están organizando cada vez más concursos solo para obtener ideas baratas, si no gratis. Sí, podemos decir que los arquitectos somos un poco masoquistas, ya que participamos en este tipo de concursos, aunque sepamos que el posible resultado es solo una pérdida de tiempo y dinero. Nosotros mismos hemos invertido una gran cantidad de tiempo, energía y recursos en las competiciones, pero, sin embargo, seguimos participando en ellas hoy: este es un aspecto extraño de nuestra profesión. En los últimos años, se puede ver aún más abuso en este sistema de utilizar a los arquitectos para "estudiar" un problema o un proyecto "posible": siento un aumento en tal explotación de una idea competitiva, con los arquitectos participantes quedándose sin nada. Esto puede deberse, en parte, a la difusión muy rápida y superficial de fotografías e imágenes a través de Internet a expensas de que se pierda un nivel más profundo de discusión.
Recientemente participamos en una competencia importante e importante en Nueva York y, por más loco que parezca, el cliente finalmente decidió no invitar a ninguno de los 14 arquitectos prominentes y consorcios de construcción que participaron en este proceso de muchos meses. explicación, eligió un arquitecto que no participó en absoluto en el concurso. Creo que este es un ejemplo de abuso que tiene un efecto muy negativo en nuestra profesión.
Específicamente, la competencia para el Museo Guggenheim en Helsinki que mencionaste fue otro ejemplo sorprendente del completo absurdo del estado actual del sistema de competencia. Al final, lo buenos o malos que sean los ganadores (y creo que esos ganadores son bastante buenos, por cierto) realmente no importa. Con casi 2.000 proyectos presentados para la competencia, solo piense en el esfuerzo global que se llevó a cabo para crearlos: es increíble cuando lo piensa y, al final, elegir el mejor proyecto entre ellos es como buscar una aguja en un pajar. Estoy seguro de que hubo cientos de obras interesantes y provocativas que ni siquiera llegaron a la segunda ronda, sin mencionar los lugares de los premios.
Parte del problema es que la propia comunidad de arquitectos no es capaz de organizarse lo suficiente como para exigir que todos los concursos estén debidamente pagados, debidamente estructurados y organizados profesionalmente. Pero, de nuevo, siempre hay un arquitecto en algún lugar que está dispuesto a trabajar gratis o, habiendo rebajado el precio, eludir a un colega, por lo tanto, al final, todos lo sentimos.
Llevas mucho tiempo enseñando en diferentes universidades. ¿Ha cambiado su método de enseñanza con el tiempo?
- Empecé a enseñar cuando era muy joven y, a los 28 años, era profesor en la Universidad de Columbia en Nueva York. Fue antes de Internet y las computadoras, y en su mayor parte, mis estudiantes construyeron grandes instalaciones experimentales siguiendo mis instrucciones. Más tarde, en 1996, cofundé Paperless Design Studios en la Universidad de Columbia: era un programa ambicioso, comencé a enseñar usando solo medios digitales y renunciando al papel, los lápices y esencialmente todas las herramientas a las que estamos tan acostumbrados en el momento en que nuestro surgió la profesión. Fue un movimiento muy radical en un momento muy interesante. Con el tiempo, mi método de enseñanza cambió: me interesé más por la ciudad como problema. Actualmente, en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena, dirijo el laboratorio / rama de aprendizaje de Deep Futures. Allí, con mis alumnos, estudiamos el impacto de la tecnología, las tendencias socioeconómicas, el medio ambiente, la informática, la conformación digital, etc. para el futuro de nuestra disciplina y ciudades. Entonces, mi enfoque ha cambiado con el tiempo debido a la situación cambiante de las ciudades y la vida en general.
Cuando comencé a enseñar a fines de la década de 1980, había una cultura arquitectónica muy fuerte, muchas buenas críticas, polémicas y mucha teoría para discutir y criticar. Al mismo tiempo, también hubo visiones secas y conservadoras, arquitectos y teóricos centrados en el pasado, y esta combinación dio lugar a una clara sensación de que el pensamiento radical es realmente necesario en la arquitectura. En ese momento lo sentí de la misma manera que los dadaístas, constructivistas, futuristas y surrealistas de su tiempo, cuando su arte contemporáneo les parecía retrógrado. En la década de los noventa, hubo momentos y tendencias aún más "críticos" a los que hubo que oponerse, principalmente por el inicio de la cultura corporativa en nuestra profesión. La razón del cambio constante en la enseñanza es que no tienes tiempo para mirar atrás, y esto sucede muy rápido en estos días, quizás incluso demasiado rápido, al igual que cualquier posición radical es absorbida por el status quo. Por lo tanto, es necesario tener mucho cuidado constantemente si se dedica a la investigación y el estudio de los límites de nuestra profesión, como lo hago yo en mi docencia.
En este momento, quizás lo que más me interesa es cómo definir al arquitecto como una figura verdaderamente valiosa en nuestra sociedad, para “devolver” al arquitecto a ser un contribuyente valioso para pensar, imaginar y, lo que es más importante, crear nuestras ciudades, espacios urbanos y Edificios. Podemos pensar que el arquitecto sigue siendo importante en esta fórmula, pero en realidad hemos perdido mucho terreno. Hoy en día, cuando se trata de crear, dar forma a nuestro entorno construido, la mayoría de las veces, economistas, políticos, tecnólogos, inversores, "expertos" -consultores, etc. Formar políticas y tomar decisiones clave. Desafortunadamente, el arquitecto se ha deslizado por esta escalera jerárquica hasta una posición de creciente impotencia. Ante esta realidad, cuando enseño, me hago la pregunta: ¿cómo mantenemos y actualizamos la base de conocimientos y habilidades necesarias para restaurar al arquitecto como actor clave en el proceso social de configuración del entorno construido? La pregunta es: ¿cómo vamos a convertirnos los arquitectos en actores importantes y no ser simplemente un “co-ejecutor” o simplemente un consultor más entre muchos otros?
Con mis estudiantes y en mi oficina, a menudo utilizo el término "ingeniería espacial" como una forma de lidiar con este dilema, y lo uso para tratar de definir cuál es realmente nuestra experiencia. Al final del día, realmente creo que la "espacialidad de la ingeniería" es el corazón del conocimiento y las habilidades de un arquitecto. Si lo piensas bien, hay artistas que trabajan sin concesiones en el espacio puro, ese es su principal interés y preocupación, en el lado opuesto del espectro están los ingenieros - constructores, diseñadores, mecánicos, especialistas en acústica y otros campos, todos ellos. están ocupados con la realidad de dar vida al proyecto. En mi idea, los arquitectos están entre estos dos extremos, en el mismo centro. Con todo esto en mente, en Viena exploramos nuestra disciplina desde esta perspectiva quizás extraña pero importante, donde la idea de un “arquitecto” debe ser seriamente modernizada para asumir la posición de esta experiencia mediadora y superpuesta.
