El nuevo sitio del Museo Garage de Arte Contemporáneo abrió al público el 12 de junio: recordemos que este es el restaurante soviético reconstruido Vremena Goda. En declaraciones a los periodistas dos días antes, el fundador de OMA, Rem Koolhaas, señaló que este proyecto tenía un significado especial para él desde el principio. ¿Por qué dijo eso? ¿Será porque fue con un viaje a Moscú a mediados de los sesenta que empezó su interés por la arquitectura? ¿O porque finalmente logró construir algo en Rusia? ¿O es solo cortesía? En busca de una respuesta a esta pregunta, pasemos a la cartera de OMA.
Koolhaas tiene relativamente pocos proyectos de museos terminados: ocho o nueve (es difícil determinar con mayor precisión, ya que Garage y la Fundación Prada todavía figuran en el sitio web de OMA entre los que están en construcción, y entre los museos construidos se incluyen, por ejemplo, el Museumpark en Rotterdam, que no es un museo en sí mismo).
El primer edificio del museo diseñado por OMA fue el Kunsthal, que se inauguró en 1992 en la ciudad natal de Koolhaas, Rotterdam. A primera vista, el Kunsthal es mucho más complejo que el "Garage": es una vez y media más grande en área, sus fachadas son más variadas y en su interior tiene pisos completamente inclinados y agujeros de forma irregular en las paredes y techos.
Pero aquí es donde comienzan las similitudes. Ambos edificios pueden llamarse "museos sin colección": el Kunsthal se llama así casi oficialmente, mientras que "Garage" tiene su propia colección recién formada. Al mismo tiempo, los espacios interiores destinados a exposiciones en ambos edificios de ninguna manera pueden calificarse de neutros. Tienen una forma muy diferente, a veces techos no demasiado altos, y la decoración de las paredes, tanto aquí como allá, difícilmente se puede llamar tranquila. Es por esta "estrechez y fastidio del espacio" que algunos comentaristas ahora critican a Garage. Pero Koolhaas parece tener una opinión diferente: cree que los lugares para exhibir arte no deben ser monumentales en sí mismos.
Su propio gusto por el arte contemporáneo, dice Koolhaas, fue moldeado por el curador Willem Sandberg, quien dirigió el Stedelijk Museum Amsterdam de 1945 a 1963 (el propio Koolhaas vivió en Amsterdam de 1955 a 1968). Exposiciones de arte contemporáneo, vanguardia rusa y europea, conciertos de música contemporánea y proyecciones de cine contemporáneo en el Museo de Ámsterdam se llevaron a cabo en un edificio sin pretensiones de dos pisos construido en 1954 que mide solo 24x10 m, que, según Koolhaas, parece más como una "pequeña escuela". Este modesto cobertizo bajo techo a dos aguas albergaba, además de salas de exposiciones, una biblioteca, una imprenta, una cafetería y un auditorio para conciertos y conferencias. El ala Sandberg introdujo con éxito el arte contemporáneo a los habitantes de Ámsterdam hasta 2004, cuando se decidió reemplazarlo por una extensión más moderna y de gran escala.
Hablando de la mayoría de los museos de arte contemporáneo, Koolhaas enfatiza que principalmente “proporcionan volúmenes gigantescos de espacio vacío para su uso” y cita como ejemplo clave el famoso “Turbine Hall” de la Tate Modern de Londres, que “se ha convertido prácticamente en un símbolo de nuestra hora.
Como resultado, continúa Koolhaas, “los artistas se ven obligados a actuar de una manera apocalíptica”, porque solo las emociones más fuertes pueden competir con espacios de esta escala. No hay lugar para los matices. "El arte se está volviendo cada vez más autoritario". En los proyectos de OMA, por el contrario, la variedad de espacios, según Koolhaas, permite a artistas y curadores trabajar con materias más sutiles.
Kunsthal también se diferencia de la mayoría de los museos de arte en que su arquitecto no solo ofreció al visitante un conjunto de varios locales con exposiciones, sino que los colocó en una determinada ruta de movimiento. Koolhaas, él mismo guionista en el pasado, cree que el arquitecto está obligado a pensar de antemano en los escenarios para el uso del espacio.
¿Quizás sería más fácil para los comisarios trabajar con volúmenes neutrales en diseño y simples en la forma, con un entorno neutro que no impone sus propios escenarios? Pero el arte contemporáneo, que es de naturaleza polémica, debe responder a su entorno. Si no tienes nada a lo que reaccionar, solo tienes que limitarte a las técnicas que evocan las emociones más fuertes.
Los mismos principios de programación de escenarios del espacio del museo y su formación a partir de locales de varios tamaños y proporciones que se aplicaron en el Kunsthala también se trazan en otros museos construidos por OMA, por ejemplo, en dos proyectos para Seúl (Leeum Museum, 2004 y Museo de Arte de la Universidad Nacional de Seúl, 2005). Cumplimos con los mismos principios en Garage.
Pero, tal vez, ¿no todas las ideas que se le ocurrieron a Koolhaas mientras trabajaba en proyectos de museos ya se han implementado en los edificios construidos? Parece que lo es. “La participación en el gran boom de los museos no fue muy exitosa para nosotros”, admite Koolhaas, y muestra una diapositiva de la que se desprende que los proyectos no realizados de los museos de arte contemporáneo emitidos por OMA equivalen en tamaño a treinta y cuatro campos de fútbol. ¿Qué otros pensamientos interesantes puedes encontrar en estos espacios abiertos? En particular, se relacionan con métodos de trabajo con material histórico.
En la década de 2000, mientras asesoraba al Hermitage estatal en San Petersburgo, Koolhaas quedó impresionado por los interiores descuidados del Estado Mayor y algunas de las instalaciones del Hermitage, que no se muestran al público. Hizo preguntas: “¿Todos los museos necesitan modernización? ¿Quizás a veces se requiere inacción? ¿Podría la renuencia al cambio convertirse en una herramienta que aumentaría el sentido de autenticidad que a menudo se pierde durante la modernización? ¿No debería un arquitecto actuar como arqueólogo en ciertos casos?"
Al hablar sobre el Proyecto Hermitage en sus discursos, Koolhaas muestra collages en los que se exhiben obras maestras del arte mundial con el telón de fondo de los ruinosos interiores de los palacios. La idea era que la combinación de las obras más destacadas con el entorno más miserable y descuidado (pero a la vez antiguo y genuino) multiplicara el efecto de estas obras en el espectador. Gracias a esto, las materias sutiles y delicadas se igualan en fuerza de influencia a los efectos primitivos del arte "autoritario".
Por primera vez, Koolhaas pudo poner en práctica este instrumento para potenciar las emociones, propuesto en el marco del Proyecto Hermitage, en el Garage. Por supuesto, la ruina de las "Temporadas" se ve ligeramente debilitada por la restauración. Las paredes raídas parecen haber sido barnizadas, y el yeso desmoronado no cruje bajo los pies de los visitantes, como parecía al mirar los bocetos. Pero la herramienta sigue siendo poderosa.
Hay una diferencia significativa entre el Hermitage y el Garage: la primera exhibe obras maestras reconocidas, y la segunda, después de todo, se enfocará en el arte nuevo y contemporáneo. ¿Funcionará la lupa de Koolhaas en este caso? Funcionará si hay algo que aumentar. Trabajar con un espacio así es un serio desafío tanto para artistas como para curadores. Las emociones fuertes están garantizadas para ellos con seguridad. ***
En el trabajo sobre el artículo, los materiales de las conferencias impartidas por Ram Koolhaas en
Museo de Arte Moderno en (Moderna Museet) en Estocolmo en marzo de 2013 [ver. video de la conferencia] y en la Fondation Galeries Lafayette en París en julio de 2014 [ver. video de la conferencia].
