Al salir de la exposición "Hipnosis del espacio", sientes algo de ruido en la cabeza, como después de una buena actuación o una película larga. No de otra manera fue atacado por Marte - este es el nombre de la primera instalación - "Mars Attacks", el nombre es deliberadamente fantástico, después de Wells, pero consiste en cosas completamente clásicas: un grabado de Piranesi y un texto de Odoevsky. Y eso es todo.
El objetivo declarado de la exposición es “comprender la lógica del nacimiento de las emociones en la Era de las Luces y hoy, en la era de los juegos de rol en línea”; encontrar una conexión entre el barroco del siglo XVIII y el ciberbarroco de la pos-internet. Guau tarea, debo decir. En nuestra conciencia cotidiana, estamos acostumbrados a pensar que las computadoras y los libros, especialmente los impresos, son más probablemente antípodas, enemigos y competidores en la lucha por el tiempo libre de una persona, especialmente un niño. La exposición nos demuestra que no es así, que los mundos fantásticos del siglo XVIII y el presente están íntimamente relacionados, son interdependientes y, en general, son uno y el mismo. De hecho, por supuesto que lo es, y los buenos diseñadores de espacios virtuales, tanto de juegos como de cine, lo saben y utilizan muy bien, pero con la prueba resulta una historia bastante larga y laboriosa. Creo que se necesitarán una docena de exposiciones de este tipo para demostrarlo realmente. Por otro lado, la super tarea establecida estimula perfectamente el trabajo duro por un lado y libera al curador por el otro. No en vano el mensaje curatorial consiste en una mención bastante inesperada de las dachas de Tsaritsyn: el verano es un tiempo de juego, dacha, no demasiado serio, o todavía es posible.
La exposición ocupa 11 salas, divididas en nueve temas y ubicadas en el segundo piso del palacio en círculo, para que desde el final se vuelva inmediatamente al principio. Su parte más fuerte y, objetivamente hablando, la más interesante es una gran cantidad de gráficos genuinos, principalmente grabados, de la colección de "Tsaritsyn", así como del Instituto Estatal de Investigación de la Academia de Ciencias que lleva el nombre AV. Shchusev, Teatro Bolshoi Académico Estatal, Museo Bakhrushin, y de dos colecciones privadas. Bastante Piranesi, y el de la colección Tsaritsyn, al parecer, no es muy famoso; Gonzaga, Bibiena; Bogaevsky; hay Cranach y dos grabados italianos del siglo XVI. Los decorados de Nicholas Benois para la producción de Sueño de una noche de verano en el Teatro Bolshoi en 1965, que muestran claramente el parecido de la sala gótica y el bosque de mástiles, causan una impresión sorprendente: se exhiben por primera vez. Una serie de láminas grabadas de escenografía de Johann Kharms para el ballet de 1678 "Sobre el encuentro y el movimiento de siete planetas", representado en la corte del elector sajón Johann George II, fue adquirido recientemente por el Museo Tsaritsyno y el curador Sergei Khachaturov y se lo atribuyó su co-comisaria Daria Kolpashnikova. Además de las relativamente conocidas, pero queridas hojas del castillo de naipes plegable de Brodsky / Utkin y Yuri Avvakumov.
Lo más interesante de la exposición es examinar los detalles de estos grabados, en este sentido cae en la misma tendencia que las recientes exposiciones de acuarelas en el Museo Histórico y la Galería Tretyakov: definitivamente están diseñadas para un aficionado, una persona que está listo para "colgar" durante horas sobre un dibujo extrañamente dibujado o una columna o un trazo de acuarela viviente de Gonzaga en una hoja de papel del tamaño de un par de cajas de cerillas; aquí hay mucho de ese material, alegría para los ojos y la mente está provisto. Además, entre las hojas y las series que se muestran, hay bastantes descubrimientos, es decir, cosas que no se han exhibido ampliamente antes. El curador dice que la colección gráfica de Tsaritsyn nunca se había mostrado tan completamente. En una palabra, definitivamente hay algo que ver y admirar para los conocedores. Pero la mayoría de los visitantes de Tsaritsyn no se encuentran entre ellos, las "imágenes" se perciben como un elemento de decoración de paredes.
Para ellos, probablemente se proporcione impactante: dibujado por una mano insegura, pero brillantemente en el backstage con una versión generalizada de los personajes de los juegos de computadora (se lo mostré a cuatro jugadores, a todos les resultó difícil nombrar la fuente) del artista Vladimir Kartashov. El artista tiene 21 años, todas las cosas de 2018, las más frescas, y ocupan casi una sala entera. No hay espacios en ellos, probablemente se podría decir que los propios héroes construyen el espacio del juego, y el visitante puede estar dentro, entrar en su círculo, especialmente porque son un poco más altos que la altura humana. Situado junto a la sala dedicada a la ópera seria - una ópera seria, producto del siglo de las luces, construida sobre la alegoría y, lo que hay, moralizante, lo más aburrido con exuberantes decoraciones - "decoraciones" de juguetes de computadora sacados contexto y ejecutados a la manera de la pintura ingenua - el curador los llama "post-Internet" - sólo pueden impactar.
Alguien dirá: esta habitación aterradora nos demuestra la ausencia en la mente de otra naturaleza, a excepción del juego adictivo: ni Marte ni Venus les interesan, dígales Sarah Kerrigan. Alguien dirá, y al parecer ya le ha dicho al curador, que es absolutamente imposible exponer junto a cosas como la escenografía de La Cenicienta de Prokofiev de 1945, de Peter Williams, y eso es todo. Alguien se dará cuenta de que son muy parecidos en color, o incluso recordará: "No hay historia peor en el mundo que la música de Prokofiev en el ballet", recordando lo desesperado y innovador que fue el reconocido clásico actual. El curador Sergei Khachaturov construye toda su compleja historia a partir de la búsqueda de "artistas de vanguardia del pasado", comparándolos con muy jóvenes - y no muy jóvenes, como Brodsky, Utkin, Avvakumov - nuestros contemporáneos. Piranesi para él - "la primera vanguardia radical en el campo del diseño arquitectónico", Gonzaga - "un verdadero revolucionario del arte escenográfico". Pero es cierto, con el tiempo los clásicos se van cubriendo de una inevitable capa de polvo y en ocasiones hay que "sacudirlos" un poco, cambiar los ángulos.
Los aguafuertes de Brodsky / Utkin conviven con los dibujos animados de Andrei Khrzhanovsky (este es mi dibujo animado favorito”, exclama el comisario,“lo vi por primera vez en 1985), el siglo XVIII reina feliz en la sala Ruina. Un papel de calco completamente nuevo, hecho para la exposición, de Alexander Brodsky se encuentra junto al acróstico de Derzhavin "El río de los tiempos en su lucha …"; sucedió así por casualidad, exclama Sergey Khachaturov: el verso aquí precede al salón de las ruinas, y Brosky en el último momento trajo un dibujo con un río de tiempo …
A medida que avanzamos, el componente teatral crece - primero se nos presenta la escenografía de una "ópera seria", luego - a la obra del teatro Juliensembl sobre temas de doctrinas filosóficas que construyen un paralelo moderno, no sin gritos, pero obvio con el ballet Seven Luminaries. Por cierto, aquí, en el gran salón, es absolutamente necesario doblar la esquina de una gran pantalla multimedia diseñada para mostrar detalles de grabados y encontrar allí tres cuadros de Yegor Koshelev con personajes de La flauta mágica (Reina de la noche - en delantal y sosteniendo una taza de cartón); ellos, a su vez, forman un pandanus para los héroes de los juegos de computadora antes mencionados, pero están dibujados académicamente de manera hermosa e incluso hechizante; aparentemente, están diseñados para cambiar la pista dada al principio de los juegos de computadora a lo que el curador está realmente interesado en - al arte moderno y al teatro, de los cuales hay muchos más. Y finalmente, la última sala es completamente teatral, ocupada por una decoración a gran escala para los "Drillians" del Electrotheatre de Boris Yukhananov, donde las ondas de yeso, los "taladros" se asemejan desesperadamente a columnas en forma de espiral, por ejemplo, como en el dosel de San Pedro en Roma, por la palabra "tornillo" columnas, caprichosas e inspiradoras, son muchos entre los proyectos de escenografía expuestos.
Cuando hace mucho tiempo Nikolai Merkushev, ahora profesor en Stroganov, me enseñó escenografía; y el artista favorito fue Valery Leventhal; Entonces, la primera tarea del estudiante fue una "naturaleza muerta" sobre el tema de la obra: nosotros, al parecer, no lo entendimos de inmediato, pero no tenía que ser una naturaleza muerta, sino una especie de montón de diferentes objetos que figurativamente y revelar emocionalmente el tema. Recuerdo que no fue una tarea sencilla, todo el tiempo resultó ser una especie de pila indistinta. La exposición se asemeja a una "naturaleza muerta", solo la resultante, ensartada en muchos hilos especulativos: la conexión de lo incompletamente conectado, la búsqueda de conexiones internas y cuanto más fuerte es la brecha, mayor es la tensión y más aguda la percepción, pero de vez en cuando para el espectador hacen una pausa, dan "descanso", por ejemplo, sumérgete en un templo masónico - los objetos del ceremonial masónico se guardan en Tsaritsyno, y si me saliera con la mía, guardaría este fragmento en un exhibición permanente. O en el karcheri de Piranesi, yuxtapuesto con el Columbario de Brodsky / Utkin.
Todo esto, por supuesto, debe coserse de alguna manera. Parece que a veces el contraste muy desfamiliar y lo inesperado de las yuxtaposiciones sirven como elemento de conexión. Pero las decoraciones blancas metafísicas de Stepan Lukyanov, el artista principal del Electrotheatre Stanislavsky, que erigió pirámides en el templo masónico, en la sala del pabellón, un puente similar al veneciano, en la sala de ruinas, una torre en ruinas de Désert de Retz. bajo París. Toda la exposición se convierte así en una obra de escenografía, una historia sobre la vida y las posibilidades de la arquitectura imaginaria, una versión volumétrica de la performance de Pietro di Gottardo Gonzaga, que consta solo de pinturas, pero no menos emotiva y hablando de esto. Es, como una ópera o un ballet barroco, engarzado en una secuencia de temas fuertemente asociados con la personalidad del curador: un historiador de la arquitectura moderna, pero también un conocedor del arte y el teatro contemporáneos. En la tercera sala se nos dice que la escenografía barroca se construyó sobre temas repetidos: el palacio, la mazmorra … La exposición, como una performance, también se construye sobre temas, y en parte se toman prestados de la escenografía barroca, en parte de la cultura del parque y la cultura del Siglo de las Luces en general - el templo masónico, el pabellón, la ruina, - cosas que se consideraban importantes para el desarrollo de la personalidad, el "aprendizaje", es decir, como diríamos ahora, el crecimiento personal y el desarrollo de la inteligencia emocional.
También fue imposible prescindir del habla ordinaria, explicación repetida: muchos textos que acompañan son una especie de libreto para la exposición, te permiten leerlo como un libro, el curador mismo promete liderar excursiones (debes buscar anuncios en Facebook), se adjunta a la exposición una guía sobre la plataforma Izi. Travel.
