Esta exposición está organizada por la empresa Solo Mosaico y pretende convertirse en el primer evento en la vida de una nueva galería de arte, organizada por esta empresa en el rincón más alejado (pero muy acogedor) del centro Art Play en Yauza. Solo Mosaico se dedica a la producción de paneles de mosaico de smalt y, en el futuro, la galería albergará principalmente exposiciones de artistas-decoradores que trabajan con smalt. Y esta exposición es la primera, impactante, y para ello llamaron al comisario Yuri Avvakumov, quien invitó a 8 arquitectos más y propuso a cada uno de ellos hacer un proyecto del objeto "relicario". Ellos pintaron y los artistas del mosaico implementaron, y el resultado es una exposición muy impresionante.
Pero antes que nada, debo decir que esta exposición encaja en una serie de proyectos curatoriales similares que surgen una o dos veces al año y reúnen objetos de arte de arquitectos de un círculo bastante estrecho, como arquitectos que también son artistas muy finos. Los críticos han hablado repetidamente de los objetos de estos arquitectos como las exhibiciones más agradables de las exposiciones de arte contemporáneo. Es imposible llamarlos grupo, el comisario de la exposición invita a los participantes cada vez, y la composición varía ligeramente, pero algo, la constancia bastante obvia del "núcleo" es bastante obvia, y uno ya quiere hablar de quién no está en la composición esta vez y quién es. Pero no hablaremos de eso, nunca se sabe.
Y de exposiciones similares, se puede recordar, en particular: "Persimfans" en el Museo de Arquitectura y "Hospital de Maternidad", que abrió la galería VKHUTEMAS en el edificio del Instituto de Arquitectura de Moscú, al igual que ahora "Relicario" abre una galería de mosaicistas en el Artplay. Y el curador era el mismo: Yuri Avvakumov. Luego, Yuri Avvakumov mostró los objetos del Hospital de Maternidad de Venecia, habiendo construido para ellos (en coautoría con Yuri Grigoryan) una gran casa que brillaba desde el interior a través de muchos agujeros redondos, muy similar a un relicario gótico. Honestamente, después de haber aprendido el tema de la exposición actual, esperaba algo similar, pero no, Avvakumov cambió el tema de manera completamente diferente. Todo esto parece un desarrollo muy consistente del tema; debo decir que tal minuciosidad es característica de Avvakumov tanto como curador como como artista: si aborda un tema, entonces busca agotarlo por completo.
En este caso, el tema es casi interminable, y rima con éxito con lo antiguo y hermoso, para nuestra conciencia material predominantemente bizantino: mosaicos. El mosaico agregó peso y glamour a los objetos (es difícil no darse cuenta, y ya hemos escrito sobre esto). En comparación con exposiciones similares anteriores, donde todo estaba hecho principalmente de cartón y madera, de materiales de desecho, aquí todo es muy serio y minucioso, y no está claro si esto es bueno o malo. Por un lado, la calidez de la antigua cartulina libre abandona inevitablemente, y por otro lado, se supone que el arquitecto subyuga cualquier material, y especialmente caro, y para la galería estos arquitectos son un hallazgo absoluto, porque el mosaico aquí fue revelado desde lados completamente inesperados: paleta monocromática enfocada en la textura de Sergei Tchoban; simple como rayas de pintura roja en Blue Noses; antracita espinosa en Art-Bla; abalorios amados por las mujeres en el "Icing of Architects". La exposición revela las posibilidades del material en su totalidad.
Pero el material es material, y el tema es más interesante, y tiene, digamos, dos caras: primero, qué prototipo de relicario eligen los arquitectos, y segundo, por qué lo tienen, qué es exactamente lo que esconden en él. Las respuestas a estas dos preguntas determinan las propiedades de los objetos mostrados, y hay que decir que estas respuestas no son menos diversas que las propiedades demostradas del material.
Slava Mizin de "Blue Noses" se convirtió en "la reliquia de la vanguardia rusa: Malevich". En su opinión, al ver la glamorización de la herencia y los seguidores de la vanguardia, Malevich se volcaría en su tumba, por lo que Mizin describió cómo el ataúd suprematista hecho para Malevich por Suetin se levanta, levantado por hoces de martillo rojas, con la intención de huir de los funcionarios del museo y los trabajadores culturales que le proporcionaron sus "volantes". No está claro: si las hoces de mosaico son las pequeñas cosas muy glamorosas de las que el pobre Malevich está huyendo, o si la idea revolucionaria todavía entra en conflicto con el hermoso diseño del objeto.
El comisario de la exposición, Yuri Avvakumov, en colaboración con Alena Kirtsova, diseñó el objeto de exposición más grande (casi hasta el techo), y no solo un objeto, sino un proyecto de un monumento a Joseph Brodsky en la isla Vasilyevsky. Es una gran urna de piedra de hermosa forma antigua, afilada de arriba a abajo. Por fuera está revestido con placas de piedra Pudog, y por dentro está revestido con estantes redondos con imitación de lomo de libro. En la exposición, los lomos de los libros están hechos de esmalte y la urna está equipada con una pared exterior adicional, similar al segundo estante, como si todos los libros no encajaran en el interior y el propietario tuviera que comprar estantes adicionales.
La idea es hermosa y, como suele ser el caso de los objetos de Avvakumov, inteligente: en el objeto se pueden encontrar varios significados y asociaciones. En primer lugar, por supuesto, tanto la urna antigua como la palabra semi-conocida cenotafio riman bien con los textos de Brodsky, en los que hay mucho interés por lo romano y lo antiguo. Muchos libros, si lo tomas como un signo, también riman con la erudición de Brodsky. Todos juntos forman la imagen del refugio del hombre del libro.
Más contradicciones. El cenotafio es una tumba falsa, una caja vacía, colocada donde no está el cuerpo del difunto. En la tradición ortodoxa, se coloca sobre el entierro de un difunto venerado, cuyos restos se entierran "bajo la cubierta" (como regla, con raras excepciones, los cenotafios reciben a personas que aún no han sido canonizadas, y la extracción de reliquias es seguida de la canonización y la colocación de reliquias en un santuario (en realidad, un relicario o, más simplemente, un ataúd de tierra). En este sentido, el cenotafio de Avvakumov es un relicario inferior, ya que la reliquia está fundamentalmente ausente en él. O cierto espíritu de Joseph Brodsky debería considerarse una reliquia, que, en mi opinión, en este caso está cerca de la verdad.
Sin embargo, el cenotafio de Avvakumov / Kirtsova de ninguna manera se refiere a la tradición de Rusia Central, sino que, por el contrario, se distancia de ella de todas las formas posibles. En primer lugar, no vemos una caja sepulcral, sino una jarra sin asas, es decir, una urna. Las urnas nunca parecen haber servido como cenotafios; ya sea un cenotafio, un ataúd vacío o una urna, aquí tienes que elegir. La forma de la urna contradice el nombre cenotafio, pero aquí también se puede suponer que esta contradicción es intencional.
Porque la primera asociación que me viene a la mente al mirar esta mega jarra con ventanas en miniatura para asomarse al refugio del espíritu de Brodsky es la jarra en la que, como saben, vivió Diógenes (vivía en pithos, una jarra grande, y no en un barril, como estamos acostumbrados a hablar coloquialmente). La forma elegida por Avvakumov / Kirtsova es muy similar a los pithos antiguos, jarras para grano, vino o aceite, cuya forma estrechaba bruscamente hacia abajo permitía enterrarlos en el suelo para enfriar el producto.
El espíritu de Brodsky resulta ser un Diógenes moderno, un ermitaño que vive entre libros en una jarra. Esto, en general, es una verdadera asociación, ya que Joseph Brodsky estaba vivo para este país, para esa isla Vasilievsky donde iba a venir a morir: un exiliado, una persona ajena. Entonces su espíritu póstumo debe colocarse en algo así como una jarra de Diógenes. Y, en rigor, cualquier intelectual de este país, ni siquiera expulsado y no abandonado, sino simplemente encerrado en su pequeño apartamento lleno de libros por todo el perímetro, existe exactamente en la misma jarra. Con la única excepción de que Avvakumov, en el proyecto del monumento, propone adjuntar una escalera de caracol a la jarra, para que los curiosos puedan mirar dentro del refugio del escriba (en la exposición era posible mirar a través del espejo en el techo). Sin embargo, el prototipo principal del cenotafio no es ni siquiera una jarra, sino el cenotafio de Newton, dibujado a finales del siglo XVIII por el arquitecto de papel de las formas abstractas de la Revolución Francesa, Etienne Louis Bull. En este sentido, el cenotafio realizado por el famoso maestro de la "arquitectura de papel" Yuri Avvakumov parece un trabajo de programa.
El segundo representante famoso del movimiento del "papel" de la década de 1980, que participó en esta exposición, Ilya Utkin, tomó un camino fundamentalmente opuesto, diseñando un relicario para niños: una casa de muñecas. Su forma es la más típica, la más sencilla y la más comprensible: una casa con techo a cuatro aguas. Parece cualquier orfanato, y al mismo tiempo el relicario-relicario gótico o renacentista más tradicional, o incluso una iglesia ampliada "Sion", aunque la última comparación es, por supuesto, un tramo.
Si el objeto de Avvakumov se realizó casi exactamente de acuerdo con el proyecto, quizás sin una escalera, lo que permite evaluar el pensamiento del arquitecto, pero limita notablemente la imaginación del mosaiquista, entonces en la anotación al proyecto de Utkin está escrito que “el artista tiene derecho a no repetir el dibujo del arquitecto, sino a proponer una imagen propia que responda a la idea general”. Y esto, en mi opinión, se hizo en vano, ya que en el boceto de Utkin las fachadas exteriores de la casa eran deliciosos trucos prometedores en el espíritu del teatro clásico y las pistas del Renacimiento, y en la representación de Pelagia Angelopole la casa está adornada con juguetes y joyas y esto lo hacía demasiado juvenil, también para los niños. Aunque es increíblemente curioso mirarlo, hay que admitir que es el objeto más cálido y conmovedor de la exposición.
Sergei Tchoban, uno de los arquitectos rusos más exitosos de nuestro tiempo, mostró el Museo de Dibujo Arquitectónico, un objeto que a primera vista parece una maqueta imponente de un proyecto arquitectónico. Un museo así bien podría haberse construido: consta de cuatro barras blancas, colocadas una encima de la otra con un ligero desplazamiento, como un cubo de Rubik sin terminar o como cajas en una especie de archivador (esta técnica de cambio de niveles es popular en arquitectura moderna, cf.
El nuevo Museo Shojima en Nueva York, un proyecto reciente de Farshid Moussawi para la Defensa o la Ciudad Capital de Eric Egeraat para la Ciudad). La quinta barra superior está reflejada y sus bordes, tocados por un templado artificial, reflejan las vigas de madera del techo de la galería, creando curiosas ilusiones de perspectiva. Las manchas en los espejos son solo una parte de la textura más compleja que cubre todo el volumen. Toda su superficie está cubierta con un mosaico de color marfil, o incluso más bien, el color del mármol antiguo, el patrón cambia constantemente, alternando protuberancias en forma de cono de luz con cinturones ornamentales fraccionados y una superficie caóticamente rugosa de pequeños espinosos. Esto recuerda dos cosas: mosaicos antiguos y el muro muchas veces reconstruido de la ciudad bizantina, en el que, además de la mampostería decorativa, están los extremos de las columnas de mármol que se utilizan como materiales de construcción y adelgazan la superficie abigarrada.
Por lo tanto, el Museo de Dibujo Chobanov se percibe de dos maneras: parece una caja con un secreto que los arqueólogos han encontrado y comenzaron a abrir, pero el mecanismo antiguo se ha atascado, el movimiento no ha terminado, y ahora nunca, sin destruyendo la invaluable tela de capas, descubra lo que había dentro. Quizás dibujos. Todo el objeto parece un artefacto antiguo de excavaciones, y la similitud se ve reforzada por las columnas pintadas colocadas por Tchoban en las paredes: la ilusión mental de una columnata alrededor hace pensar en este objeto como un tipo inusual de capital antigua … Por otro lado, como ya se mencionó, tal objeto bien puede ser un edificio de museo, y recordando cuánto la oficina de SPEECH Choban y Kuznetsov se deja llevar por el ornamento, la piedra, las alusiones clásicas dentro de la arquitectura moderna, no será sorprendente en todo para ver tal proyecto no en la forma de un objeto, sino en serio. Y, por supuesto, aquí debo decir que Sergei Tchoban recopila gráficos arquitectónicos y dibuja maravillosamente a sí mismo.
Totan Kuzembaev eligió un huevo con una muerte koshcheevy en la reliquia. Muerte en un huevo, un huevo en un ataúd … La trama es fabulosa, y el tema es bastante arcaico, ritual, una especie de chamán, lo cual no es de extrañar si se recuerda que hace tres años en Venecia Kuzembaev exhibió un Zaporozhets en una yurta. En términos generales, si Avvakumov hizo un nudo entre Joseph Brodsky y Diogenes, Ilya Utkin, entre los juegos de Navidad para niños del siglo XIX y el védico del Renacimiento, y Sergei Tchoban estaba completamente empantanado en la arqueología antigua, Kuzembaev se hundió más profundamente que nadie, en los antiguos cuentos y rituales no escritos. Aunque en el proyecto, suspendió su objeto desde una plataforma voladora, extendiendo así el puente más largo de las fantasías arcaicas a las futurológicas.
El "Kashchei Immortal" de Kuzembaev es una caja de metal grande y pesada, en dos planos laterales de los cuales se insertan una multitud de púas de hierro, afiladas mirando dentro de la caja y claramente amenazando el huevo blanco y negro del interior. Los lucios se pueden mover manualmente, cerrando o, por el contrario, abriendo el huevo. Hay un mosaico en los extremos del pico, pero como los puntos del mosaico parecían insuficientes, el artista de este objeto, Verdiano Marzi, decoró el marco de una caja de hierro con composiciones abstractas de color. La paradoja es que el objeto de almacenamiento, en realidad una reliquia, una aguja, con una fabulosa contradicción apareció afuera y se multiplicó. O los picos deben considerarse atributos de la aguja principal escondida en el huevo, sus, por así decirlo, hermanos mayores en número de un par de cientos.
Estos cinco "grandes" objetos son las cinco improvisaciones más ambiciosas sobre el tema, y todos felizmente se han alejado de los prototipos históricos directos del relicario. Entre los cuatro objetos más pequeños expuestos en el entrepiso de la galería Solo Mosaico, también hay una unanimidad evidente en la búsqueda de la diversidad.
El tema religioso fue abordado solo por los arquitectos de "Icing", coautores con Olga Soldatova de "Stavroasterion", en una traducción libre de la estrella en cruz. El prisma hexagonal se adorna con cuentas blancas y negras y se coloca sobre una dispersión de cuentas. En los seis lados hay cruces muy similares a las cruces de las vestimentas metropolitanas, y en los dos extremos hay Magendavids de seis puntas, las estrellas del judaísmo, que de manera curiosa alternan con los tres pétalos del emblema de Mitsubishi, que agrega un tercero a los dos símbolos religiosos: de la sociedad de consumo, los fanáticos modernos de Mamon, un espíritu maligno, bienes terrenales del Antiguo Testamento. Es difícil adivinar qué es exactamente lo que "Icing" considera una reliquia, su trabajo en sí parece una reliquia de los tres dioses. Pero encaja perfectamente en su credo creativo: al menos recuerde al pingüino que meditó ante los mandamientos de todas las religiones en la pantalla del dios moderno: la televisión.
Art-Bla, fiel a su principio favorito de antropomorfismo abstracto, exhibió un óvalo negro peludo con una ranura delgada y brillante y lo llamó "Número Pi". El mosaico es muy interesante, antracita mate.
El Proyecto Meganom convirtió su relicario en un estrecho y extenso edificio moldeado llamado Fish, que encajaría en una moderna basílica católica.
y Dmitry Bush y muchos colaboradores mostraron un objeto aparentemente inspirado en una cabeza surrealista cortada en cintas como una cáscara de naranja. Aquí, sin embargo, se parece más a una momia parcialmente vendada, y las superficies de las cintas se pueden ver tanto desde el interior (allí son oscuras con un brillo dorado e implican pensamientos) como desde el exterior, donde aparecen con un ligero relieve, como el cuero, y simbolizan, según la intención de los autores, capas culturales.
Se ha editado un catálogo de la exposición, presentado al final de la exposición el pasado jueves.
