¿Has visto alguna vez cómo se dibujan los decorados? - ¿Mucho de qué?
- Y nada, solo mucho …
Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas
Hay que pensar que el curador Aaron Betsky traumatizó profundamente la bienal de arquitectura en 2008; por segunda vez, el leitmotiv de la exposición es un regreso a la arquitectura. En la interpretación del curador de este año, David Chipperfield, la tarea principal era "volver a convencer a todos de la existencia de una cultura arquitectónica, creada no por genios individuales (léase: estrellas), sino por una comunidad con una historia común, ambiciones comunes, premisas e ideas ". En consecuencia, el curador dio a todos los participantes invitados del programa principal de la Bienal una tarea difícil: mostrar lo más importante, encontrar el significado profundo (hacerlo significativo). En otras palabras, busque raíces, identifique las fuentes y componentes de su inspiración, ideas e imágenes clave, la materia original de su trabajo. Para luego combinar las respuestas encontradas y ver cómo interactuarán en un terreno común, que en este caso significa: en el espacio de exposición.
El tema de la Bienal Common Ground, sugerido a Chipperfield por el profesor de sociología Richard Senett, ya está interpretado en el manifiesto de una manera ambigua y de múltiples capas, dando a los participantes una mayor libertad. La primera capa es la más comprensible: estos son espacios públicos. Pero no sólo los espacios públicos en algunas oficinas y supermercados, estipula de inmediato Chipperfield, sino los "semitonos más sutiles" entre lo privado y lo público, los resultados de la eterna lucha del individuo y lo general. La segunda de las interpretaciones del tema propuesta en el manifiesto curatorial es la interacción de un arquitecto con profesiones afines (“la arquitectura requiere trabajo en equipo”, escribe Chipperfield). Y finalmente, la tercera capa es la más delgada: el trasfondo cultural e histórico, que todos tenemos de una forma u otra en común.
A la entrada de Corderi nos recibe una pared blanca al otro lado de la sala vacía, un pozo veneciano de piedra frente a él y varias exposiciones pequeñas, a primera vista, completamente seleccionadas al azar: tres comparaciones formales simples, acompañadas de una breve consideración de Bernard Chumi; una exposición-periódico dedicada a Venecia con entrevistas a residentes locales; y el Monumento al Modernismo más divertido, un “collage tridimensional” de obras maestras del siglo XX (incluido el Club Melnikov de Rusakov), inventado por el arquitecto Robert Burchart en 2009 para una ubicación muy específica en Berlín. Tres proyectos de exhibición pequeños (francamente, no los más importantes de esta Bienal) no están conectados en absoluto. La única conexión entre ellos es el espacio común de la sala y el terreno común escrito en la pared. Son proyectos diferentes, pero conviven y entre ellos surgen inevitablemente algunas conexiones.
Esta extraña primera sala es, de hecho, el manifiesto más claro de toda la exhibición de Chipperfield. Más adelante en Corderi será lo mismo: alternancia, vecindario y una mezcla de grande y pequeño, espectacular con informativo, formal con trama, jóvenes arquitectos con viejos y oscuros constructores indios con famosas estrellas británicas: la lista es casi interminable. El curador David Chipperfield parece haberse propuesto recopilar aquí un espectro de la diversidad del mundo arquitectónico, presumiblemente para emerger colectivamente de la aparente crisis del pensamiento arquitectónico. El Arca, no de otra manera. Aquí hay al menos una copia de cada criatura.
Debo decir que la primera sala da un poco de miedo: parece una exposición supernumeraria, que no tenía suficiente material para sorprender al espectador. Más adelante (detrás de la pared) sigue una severa alegría por las fotografías de Thomas Strut, quien no libera de inmediato a los espectadores de la temerosa sospecha de que solo se mostrarán imágenes enmarcadas y maquetas de cartón aquí y más allá de Corderie. Pero la situación es diferente: absolutamente sorprendente, si las miras de cerca, las fotografías de Strut en realidad forman el "núcleo" de toda la exposición curatorial del Arsenal: su exposición se divide en cuatro partes, que luego se encuentran en los lugares más inesperados.. Se llama 'Lugares inconscientes' y muestra los tipos de espacios urbanos "formados históricamente", de los cuales, como saben, la mayoría en el mundo: desde las afueras de San Petersburgo durante el período ecléctico, las caóticas afueras de Lim, ya los espeluznantes edificios de varios pisos de las ciudades asiáticas.
Entonces, la exposición se construye, de hecho, muy claramente, incluso de una manera clásica: después de un breve manifiesto de introducción, sigue el comienzo de la exposición "fundamental". En la siguiente sala, el impacto sensorial de la instalación de Norman Foster: un espacio oscuro, donde en el piso negro, arrastrándose sobre los fustes de las columnas de Corderi, la proyección de los nombres de los arquitectos de Hippodamus a Eisenmann destella (siguiendo el principio de diversidad, hay muchos nombres de los poco conocidos). Los nombres de los arquitectos están bajo los pies, como las lápidas de los humildes abades en las iglesias católicas. Es cierto que, a diferencia de los platos, estos nombres son tan móviles que, si los miras durante mucho tiempo, tu cabeza dará vueltas. Arriba, en las paredes, acompañadas de ondas de ruido o silencio, parpadean fotografías, reunidas en varios grupos temáticos: revoluciones (incluidas las ucranianas Maidan y Femen), oraciones, ruinas, las consecuencias de los desastres, algunos edificios espectaculares: el rango visual es impresionante y obliga a inspeccionar. Esta sala es definitivamente el primer acorde de la sinfonía.
Una alternancia similar: pasillos emocionales brillantes, pasillos individuales de un objeto y, finalmente, pasillos, casi llenos hasta el borde con pequeñas exposiciones, continúa en el Arsenal y más allá. Se podría pensar que Chipperfield tomó instalaciones figurativas de la Bienal de Shojima, de la Bienal de Betsky, objetos voluminosos, diluyó todo esto con exposiciones "arquitectónicas ordinarias", e hizo que tanto participantes como espectadores buscaran significado en todo esto. Lo cual no está mal, porque me hizo pensar. La exposición no es muy entretenida (aunque lo es, hay variedad), te hace leer y mirar de cerca, buscar un concepto clave y hablar de cuánto se revela. En la sala de Foster, por ejemplo, se revela literalmente: los nombres de los arquitectos chocan y bullen en un semi-suelo común. Pero no solo, por supuesto. Se trata de una instalación muy integral que incluye a todos los espectadores en una experiencia común de sonido e imágenes.
A la sala negra de Foster le sigue la sala comunal de varios participantes: el campus, la sede de la compañía farmacéutica Novartis en Basilea, Suiza, se muestra con modelos. Cerca se encuentra una exposición personal en miniatura del arquitecto suizo de 80 años Luigi Snozzi, quien “dedicó cuarenta años a trabajar por el bien público” y una proyección de video del proyecto Camino del Peregrino, en el que jóvenes arquitectos mexicanos crearon una serie de plataformas de observación., capillas y refugios a lo largo de la ruta peregrina de 117 kilómetros a la imagen de la Virgen María de Talpa. El único acento importante en esta sala es el objeto 'Vessel' ('embarcación' o 'barco') de los arquitectos irlandeses Sheila O'Donell y John Twomey, una glorieta de madera hecha de tablones de madera 'para la contemplación' (en esta capacidad es un poco como 'Ear', construido por Vlad Savinkin y Vladimir Kuzmin en Nikolo-Lenivets). En una palabra, la variedad es obvia.
Luego hay una pausa artística en la pequeña sala del arquitecto sueco Peter Märkli y su colega Steve Roth. Aquí se colocan varias figuras escultóricas de metal, alrededor de la más valiosa de las cuales, la mujer veneciana VIII de Alberto Giacometti, está rodeada por una guardia. El significado de la instalación es bastante clásico: una comparación de una figura humana (que, sin embargo, se adivina en las esculturas mostradas después de cierta tensión) con una columna: los arquitectos colocaron las figuras en la intersección de líneas rectas imaginarias que conectan las columnas de la sala. diagonalmente. Aunque este diseño sutil solo puede considerarse de acuerdo con el esquema adjunto, un espectador menos atento considerará que las figuras simplemente están alineadas en su camino, e incluso puede que las rodeen con molestia, mirando al guardia y sin apreciar la sofisticación de Giacometti. Mientras tanto, la idea del Märkli Hall se asemeja sobre todo a la anterior Bienal de Shojima: su significado es reflejar la arquitectura del Arsenal, es un tema bienal sin fin, aunque la idea no se limita a él: la presencia de un La trama proporcional clásica es más importante aquí.
Entonces comienza la diversión: clásicos alemanes, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron y oscuros constructores indios con ocupantes ilegales venezolanos. Hablaremos de ellos un poco más tarde. Mantener para actualizaciones.
