En una conferencia de prensa previa a la inauguración de la Bienal, su presidente, Paolo Barrata, elogió enormemente al curador Aaron Betsky por sugerir el lema difícil de entender 'Afuera' para la exposición de arquitectura que ahora se lleva a cabo en Venecia: la arquitectura más representativa. exposición en el mundo. Arquitectura más allá de la construcción '. Según Barrata, este tema es multifacético, significativo y fructífero. Provoca búsquedas creativas y por ello la actual bienal de arquitectura es quizás la mejor de los últimos diez años. El curador Aaron Betsky aceptó favorablemente el cumplido, después de lo cual tuvo que responder a las preguntas de los periodistas durante mucho tiempo, explicando que, de hecho, ama los edificios y no tenía la intención de convertir la bienal de arquitectura en una rama de la Bienal de Arte Contemporáneo, y también que no es para nada un utópico, que no flota en las nubes y que los sueños se hacen realidad.
Entonces, el tema planteado por Betsky en términos de ambigüedad parece haber superado todas las exposiciones anteriores. Además, se puede traducir de diferentes maneras: "fuera", "antes" o "sobre". Otra palabra "más allá", ahora pegada por toda Venecia (especialmente en el pabellón italiano) se traduce como "más allá". Esto inesperadamente se hace eco del hecho de que el curador de la Bienal ha definido los edificios como "tumbas de la arquitectura": la arquitectura, en su opinión, es una forma de pensar sobre los edificios, y cuando se construyen, muere. En Venecia, una ciudad museo que se hunde silenciosamente bajo el agua, esto suena especialmente tranquilizador y, lo quieras o no, te hace recordar la ciudad rusa de Kitezh.
Sin embargo, la tarea del comisario debe entenderse exactamente al revés: él, por supuesto, no quería matar la arquitectura, sino revivirla (y la exposición) de la manera habitual, yendo más allá del marco del mundo arquitectónico en sí. en busca de renovación. Aaron Betsky alentó a los participantes de la Bienal a experimentar, recurriendo a los campos del cine, el arte, el diseño, la arquitectura del paisaje y la performance. Los experimentos, dijo, pueden tomar la forma de estructuras temporales, así como imágenes "a veces oscuras".
Este último parece ser una parte importante del concepto de Betsky. La incertidumbre es el caos, y del caos se supone que nace algo nuevo. Supongamos que el principal sueño de todo crítico y teórico no es solo describir el proceso observado, sino también influir en él. Cuando esto sucede, surgen en el arte tendencias muy poderosas y teóricamente fundamentadas. Volviendo a la arquitectura, es fácil notar que tras el entusiasmo por el surgimiento de la arquitectura no lineal en los últimos años, no ha pasado nada especial en ella, se perfila un estancamiento. La Bienal es la exposición arquitectónica más influyente, y no es de extrañar que fue con su ayuda que Betsky hizo su intento de "despertar" la arquitectura moderna, de crear el caos, del cual se espera que emerja algo nuevo. El caos, sin embargo, puede ser diferente: productivo y destructivo, caos de generación y destrucción (a veces, sin embargo, uno se convierte en otro). El caos también puede ser natural, originado por causas naturales, y en ocasiones es artificial, y parece que el caos que el comisario intentó crear en su Bienal es simplemente artificial. Pero ya sea que sea productivo o no, solo será posible con tiempo para comprender. Si de esa manera en diez años esta Bienal será considerada un hito, entonces la idea, sin duda, fue un éxito. Si no, falló.
Mientras tanto, solo podemos dejarnos guiar por las emociones. El pabellón italiano, totalmente dedicado a la arquitectura experimental, da la impresión de un caos aburrido. Son muchas las exposiciones (55), saturadas de textos y pequeñas imágenes, que ocasionalmente se entremezclan con maquetas e instalaciones - todo ello se funde en una masa que es difícil de percibir también porque los textos son muy misteriosos en algunos lugares - aparentemente, para el en aras de lograr las mismas "a veces ambigüedades". Para diluir la diversidad de experimentos juveniles, así como para mostrar cómo exactamente se debe experimentar, entre ellos se colocaron los pasillos de venerables "estrellas" con el subtítulo "Experiment Masters". En uno de ellos hay una pintura de Zaha Hadid, que en realidad es muy similar a la vanguardia de los años 20, pero solo un poco más ornamental y por lo tanto hermosa, aunque junto a estas pinturas, una alfombra hecha de alguna manera según sus motivos. parece demasiado apropiado en el suelo. En el otro, hay garabatos de Frank Gehry, que este año recibió el León de Oro por su “contribución de vida”. Garabatos - traducido como "garabatos", lo que se dibuja involuntariamente, pero en este caso también lo que se moldea, dobla, arruga con diversos grados de involuntaria - prototipos de la arquitectura de Gehry - que, así, nace de los garabatos. Pero lo más llamativo de todo es la instalación de Herzog & De Meuron, realizada en colaboración con el artista chino Ai Weiwei: el espacioso vestíbulo a la entrada del pabellón está ocupado íntegramente por una estructura de largas cañas de bambú, a las que se unen bambú. sillas, colgando así en el aire. Resultó bastante aireado y muy misterioso.
La exposición en el Arsenal, donde Betsky colocó instalaciones de las celebridades invitadas, crea una sensación de caos, nada aburrida, pero poderosa, muy expresiva, lúgubre y aterradora. Quizás esto se deba a que el espacio de Corderi en sí es grande y oscuro, las gruesas columnas redondas se asemejan a una catedral románica de construcción tosca, pero Corderi es más largo que la catedral y el cambio de salas en algún momento parece interminable. Y las instalaciones son grandes, están inscritas a gran escala en este espacio, tomando prestado de él la escala y el alcance. Las “estrellas” no fueron invitadas en vano, cada una trabajó profesionalmente, las instalaciones son sólidas, reconocibles y brillantes - Corderi convertida en una serie de imágenes - en un atractivo expositivo. Esto es bueno para la exposición, pero no muy bueno para la intención del comisario, porque entre los manifiestos de la actual Bienal destellaba el pensamiento de que arquitectura-atracción no es muy buena, y la arquitectura debería pensar en cómo hacernos sentir como si estuviéramos en este mundo "como en casa". Esta idea de “estar en casa” se repite muchas veces en los textos de Betsky y parece ser una de las principales. Pero las instalaciones de estrellas de ninguna manera evocan "sentimientos de hogar", sino que generan ansiedad.
Otro problema es el reconocimiento. Una vez en el Arsenal, las estrellas no experimentaron en busca de imágenes vagas de algo nuevo o diferente, sino al contrario, cada una demostró que puede. Las imágenes pueden ser vagas en algún lugar, pero su significado parece de alguna manera el mismo: todo esto es un resumen de conceptos creativos, el resultado, no el comienzo, el pasado, no el futuro. Frank Gehry es muy reconocible: construyó un fragmento de la fachada, similar a Bilbao, en madera y arcilla. Las superficies cóncavas se cubren gradualmente con arcilla, se seca y se agrieta. Esto se hace lentamente, para el final de la Bienal en noviembre, toda la "fachada" estará recubierta con arcilla: así es como la instalación presenta características de rendimiento, que es dinámico, pero el aspecto aún está retrocedido, mirando este espectáculo., te acuerdas de Bilbao y todo parece grande y un espectacular stand de exposición diseñado para mostrar la pieza más visible del portafolio de Gehry. Lo mismo sucede con Zaha Hadid: instaló su próxima forma fluida en el Arsenal, sobre la cual está escrito en la explicación que ella es el prototipo de mobiliario. Pero Zaha Hadid ha estado diseñando muebles tan inverosímiles durante mucho tiempo. Un objeto similar fue instalado por Zaha dentro de la Villa Foscari en honor al 500 aniversario de Andrea Palladio; pero lo que es interesante, dentro del Palladio o en el Arsenal, cosas muy similares, entonces, ¿cuál es el punto? Greg Lynn agregó algo de humor, también hizo muebles, pero a partir de "juguetes reciclados". Los juguetes resultaron ser esculturas brillantes, que, debo decir, ocuparon el menor espacio; para ellos, el jurado otorgó el "León de Oro".
Además de lo anterior, hay muchas imágenes impresionantes en el Arsenal. La instalación de telaraña de encaje de Matthew Ritchie y Aranda Lush "Evening Line" se ve hermosa. Consiste completamente en ornamentación, en parte tallada en metal, en parte compuesta por sombras y proyección de video, inscrita en un patrón de metal en la pared. Lo que esto significa no está claro (¿cuál era el objetivo?), Pero parece tentador y relevante: ahora los arquitectos aman los adornos. Unstudio colocó en Corderi un objeto voluminoso del tamaño de una habitación pequeña, curvado como una tira de Mobius; este objeto se destaca por el hecho de que se puede ingresar al interior. El objeto de la familia Fuchsas, por el contrario, está delimitado por una línea amarilla, que se recomienda no cruzar (que nadie observa): se trata de dos furgonetas gigantes verdes con pequeñas ventanas a través de las cuales se pueden ver escenas cotidianas en estéreo. formato de cine. The Dealer y Scorfidio se comportaron muy fácilmente: su instalación compara los videos con dos Venecia: una estadounidense real y una de juguete de Las Vegas. No está claro cómo esto revela el tema de Betsky, pero en Venecia se ve muy bien y las sillas están constantemente ocupadas. Barkow Leibinger construyó un "jardín nómada" a partir de tubos de metal cortados con láser; debido a la homogeneidad del material y la simplicidad de la solución, en mi opinión, esta es una de las instalaciones notables del Arsenal. Pero Philip Rahm llamó la atención sobre su instalación por el hecho de que en los primeros días de la exposición (no sé cómo después) había dos personas desnudas recostadas allí, y junto a ellas, cuatro personas vestidas a la moda estaban tocando una especie de música de guitarra: el proyecto está dedicado al calentamiento global, pero ¿aquí es donde sigue? ¿De la desnudez?
Así, la parte de la exposición, diseñada para responder a la llamada del comisario, consta de 55 pequeñas exposiciones en el pabellón italiano y 23 grandes instalaciones en el Arsenal. Todos juntos se suman a un intento de despertar a los arquitectos - desde la práctica comercial hasta las fantasías del “papel” - en aras de la renovación, un giro, en general, el nacimiento de algo nuevo. El pabellón de Italia representa, según el comisario, tanto el pasado como el futuro de este proceso: exposiciones juveniles - esperanza para el futuro, exposiciones retrospectivas de maestros - una especie de libro de texto sobre cómo experimentar. Todo esto se complementa con el artículo de Bezki sobre la historia de la experimentación modernista de posguerra, cuyos orígenes, según el curador, se remontan a la crisis política de 1968 y la crisis energética de 1973. Becki nombra nombres, construye una historia e invita a jóvenes arquitectos a continuarla. La exposición del Arsenal, por otro lado, hace el mismo llamado a la experimentación a los venerables maestros - en teoría, toda la comunidad arquitectónica debería, como resultado, estar involucrada en el proceso de creación de "garabatos" - de los cuales un nuevo estallido de pensamiento, un nuevo giro, se produciría posteriormente. Entonces, ¿qué está pasando? La exposición juvenil resultó ser superficial y sobresaturada (aunque, si se desea, se pueden ver cosas interesantes en ella) - y la “estrella”, en lugar de dinámica y novedad, reprodujo las propias técnicas de las “estrellas”. El impulso de inyectar artificialmente el caos creativo en la arquitectura parece haber fracasado. ¿Quizás porque es artificial? Aunque, como ya se ha dicho, sólo después de diez años quedará claro finalmente si este intento ha dado al menos algún fruto y si ha dado lugar a un giro. Mientras tanto, mirando la exposición, parece poco probable.
Pero aquí está lo extraño. No está claro si Betsky despertó a los arquitectos. Pero las fuerzas naturales, hay que pensar, se despertaron. Fue fácil notar que la ceremonia inaugural de la Bienal, cuyo comisario en su manifiesto afirmó que no es lo más importante en nuestro mundo protegernos de la lluvia, cayó sobre un aguacero tan poco frecuente en Venecia. Debido a esta lluvia, la apertura tuvo que trasladarse del Giardini al Arsenal, y una multitud de periodistas mojados y helados se paró frente a la entrada. Pero eso todavía no sería nada. Entonces, después de todo, al discutir sobre la importancia de los problemas económicos y de otro tipo para el desarrollo del pensamiento conceptual, el curador de la Bienal actual, aparentemente, no solo llueve, sino que también la crisis gafe. La crisis es obvia. Estamos esperando experimentos.
Botánicos y nómadas
Al interpretar su tema confuso para el público y los participantes de la Bienal, el curador Aaron Betsky habló principalmente de manera apofática, es decir, desde el lado opuesto. No un edificio, porque es una tumba de esperanzas humanas y recursos naturales, no una utopía o una solución abstracta a los problemas sociales, sino imágenes y acertijos con los que soñar. Pidió ir más allá de la construcción y la arquitectura como disciplina, y experimentar. Pero no dijo exactamente adónde ir, reteniendo el enigmático misterio.
Todos reaccionaron ante este misterio de diferentes formas, con cine, diseño y mobiliario. Muchos críticos consideraron la Bienal de Arquitectura demasiado similar a la Bienal de Arte Contemporáneo y, por lo tanto, perdió su especificidad profesional. Después de ir más allá del marco, no solo se puede ganar, sino también perder (esta, en términos generales, es una ocupación emocionante, pero también peligrosa) para cruzar fronteras.
Sin embargo, la forma más obvia de responder al tema resultó ser la más sencilla: simplemente salir del edificio. Sería curioso si las salas de exposiciones se dejaran del todo vacías, y las exposiciones se destrozaran en el exterior, pero la Bienal aún no alcanzó tal grado de literalidad. Sin embargo, en términos de escapar de la arquitectura a la naturaleza y la construcción allí, en el exterior, de varias "estructuras temporales", los arquitectos pudieron recurrir a la rica experiencia de los residentes de verano soviéticos: también huyeron del declive del modernismo y, habiendo escapado, se establecieron hasta un huerto.
El huerto más grande de la Bienal fue construido por los Gustafson. Una parte de la vegetación salvaje cubierta de lianas del Jardín de las Vírgenes, ubicado en el borde del Arsenal, en el sitio de un monasterio benedictino en ruinas, fue cultivada por el proyecto británico-estadounidense "a través del paraíso" (hacia el paraíso). El repollo, la cebolla y el eneldo (símbolos de saciedad) se entremezclan con flores, en el centro de la composición hay una colina que se curva como un caracol, cubierta de hierba limpia. El caracol herbáceo está destinado a ser un lugar digno de contemplar, con cojines para sentarse encima, pero en un día lluvioso de apertura, solo bolas blancas flotaban sobre el césped montañoso. Además, en la antigua capilla (¿o iglesia?), Las velas se colocan en estantes a lo largo de las paredes, y los nombres en latín de los animales y plantas desaparecidos están escritos en las paredes (hay bastantes). Hay que admitir que este proyecto de paisaje es el más ambicioso de la Bienal. Por su bien, incluso cortaron varios árboles viejos, lo que no es bienvenido en Venecia.
Por cierto, el tema del Paraíso encaja bien en el curatorial "allá afuera" y "más allá": no hay nada más de otro mundo que el Paraíso. Se revela a su manera en el pabellón alemán: las manzanas crecen en ramas pegadas en macetas, los goteros con líquido verde se adhieren a las ramas. No se explica si los frutos mismos crecieron en esquejes delgados y cómo se logró esto, pero la exposición simbólica está acompañada por el argumento de que las personas, tratando de crear un paraíso en la tierra para sí mismas, están destruyendo ecosistemas enteros por el bien de este paraíso tecnogénico.. Las manzanas bajo cuentagotas probablemente deberían representar un paraíso creado por el hombre.
El pabellón de Japón está rodeado de flores, dentro de estructuras efímeras que se asemejan a los contornos de torres entrelazadas con vegetación. Estos son esquemas de edificios de varios pisos habitados por vegetación; también están representados en el interior del pabellón en las paredes a lápiz. Además de los dibujos, no hay nada más en el pabellón: es completamente blanco, como una especie de hoja de papel volcada hacia el interior. A mucha gente le gustó este pabellón lacónico y contemplativo de forma sintética.
El huerto estadounidense es más pequeño y no tan profundo, pero social; se dedica, en particular, a criar niños a través de la jardinería (este tipo de educación se practica ahora en muchos monasterios de nuestro país). Los norteamericanos ocultaron la dórica imperial de la fachada detrás de una malla translúcida, montaron un huerto frente a la columnata y llenaron el pabellón de todo tipo de proyectos sociales. En el pabellón danés se despliega una "ecotopedia" muy seria y diversa, una enciclopedia de problemas medioambientales.
El tema medioambiental también es popular entre los proyectos experimentales del pabellón italiano. Las ideas, sin embargo, son en su mayoría familiares: ciudades verdes, donde hay un bosque debajo, y tecnología y civilización "en el segundo nivel" y rascacielos verdes, de los cuales uno es especialmente notable: Julien de Smedta, un proyecto destinado a los chinos. ciudad de Shenzhen, ubicada en el continente frente a Hong Kong. Se trata de un gigantesco rascacielos, habitado a partes iguales por personas y vegetación, que, según los autores, debería reemplazar a las montañas boscosas que han desaparecido en esta zona, convirtiéndose en una gran montaña artificial. No importa lo que diga el sabio de Cincinnati sobre los beneficios de las inspiraciones vagas, un proyecto real se ve muy ventajoso en su contexto.
Otra forma de escapar "del edificio" es ir a la cabaña. Curiosamente, no es muy popular, pero está cerca de nosotros en espíritu. La "cabaña" principal en forma de yurta fue construida en el terraplén del Arsenal por Totan Kuzembaev y colocada dentro de un automóvil pequeño. El punto es combinar los accesorios nómadas de dos culturas: antigua y moderna. De la civilización moderna, dentro de la yurta hay varios accesorios técnicos, teléfonos celulares, computadoras portátiles, etc., que no se utilizan para su propósito previsto, sino como atributos de un chamán. Para sobrevivir en el mundo moderno - escribe Totan Kuzembaev en la explicación de "Nomad", es necesario adaptarse. Y entonces, o surgirá algo nuevo, o el globalismo se lo tragará todo, lo cual será triste - concluye.
Por otro lado, entre el Arsenal y el paraíso de Gustafson, los arquitectos chinos construyeron varias casas diferentes, hechas de cajas, madera contrachapada, tableros duros, las casas son grandes, de tres pisos, pero por dentro es incómodo y estrecho, como en un tren. La cabaña de la pérgola construida por Nikolai Polissky en la terraza del pabellón ruso también encaja en la misma fila: una estructura hermosa, pero, desafortunadamente, no se nota mucho debido al hecho de que está ubicada en el lado de la laguna.
También hay una forma más abstracta de salir, por ejemplo, de la forma al sonido y al video. Aquí hay un pabellón de Grecia hermoso y completamente sin arquitectura, que consta de pedestales interactivos con monitores y auriculares con los sonidos de la ciudad. Está oscuro con hilos de plástico brillantes colgando.
Y finalmente, puedes alejarte de la arquitectura vaciando el pabellón; esto se hizo en el pabellón de Bélgica, donde el confeti de colores está esparcido por el suelo ("After the Party"), o en Checoslovaquia, donde hay refrigeradores divertidos con comida. conjuntos para diferentes personajes.
La mayoría de los participantes interpretaron con diligencia el tema, pero también hay fronteras, aquellas que, contrariamente al lema, todavía mostraban los edificios. Después de todo, los pabellones nacionales no tienen que seguir el tema. Grande es el pabellón del Reino Unido, donde se dedica una exposición costosa y cuidadosamente elaborada a cinco arquitectos que construyen viviendas en ciudades británicas. Resulta que ahora en Gran Bretaña, la patria de la ciudad jardín y los nuevos tipos de viviendas a principios del siglo XX, se construyen cada vez menos viviendas. El pabellón de Francia está lleno de muchos modelos: cada uno de ellos se coloca en una caja de plástico transparente y se fija a la pared con una consola móvil; puede girar los modelos mientras los mira. La arquitectura de España también se muestra con gran detalle y de forma tradicional, con imágenes y modelos. Por primera vez en muchos años, esta fila incluye el pabellón ruso, sobre el cual, un poco más tarde.
Rusos en venecia
Dio la casualidad de que entre las personas con las que pude hablar en Venecia, los periodistas evaluaron el concepto de Aaron Betsky principalmente de manera positiva, mientras que los arquitectos en su mayoría negativamente. Por supuesto, hay excepciones, pero en general es obvio: los arquitectos vienen a Venecia para mirar la arquitectura, y su ausencia casi completa no fue la sorpresa más agradable para ellos.
En el pabellón ruso, todo sucedió al revés: no son providencias vagas las que se muestran, sino edificios, muchos edificios. Anteriormente, cuando los proyectos y realizaciones se exhibían en la Bienal, las instalaciones se organizaban en el pabellón ruso, y ahora, cuando finalmente se decidió mostrar la arquitectura real, Aaron Betsky formuló exactamente la “tarea” opuesta. Sin embargo, el tema no es obligatorio para el pabellón nacional … ¿Deberíamos haber descartado por primera vez la idea de mostrar un trozo de arquitectura rusa real y adaptarnos al lema? Difícil de decir. Pero, en rigor, es obvio que el tema propuesto por Betsky para la Bienal corresponde a la situación de cierto aburrimiento y saciedad con "estrellas" que se ha desarrollado en la arquitectura del mundo. Y el tema, fijado por el comisario del pabellón ruso, Grigory Revzin, está en consonancia con la situación del boom de la construcción en Rusia. Y la exposición representa con bastante precisión una instantánea de la arquitectura rusa actual. Incluyendo el abigarramiento y hacinamiento característico del mismo, el crecimiento activo, vital y poco controlado de varios edificios.
La exposición consta de dos partes. El piso superior está ocupado por proyectos y edificios modernos: tiene tres pasillos, uno principal y dos adicionales. Los diseñadores Vlad Savinkin y Vladimir Kuzmin los decidieron en tres colores diferentes: la primera sala, que muestra el catálogo electrónico, es blanca, la tercera sala: contiene desarrolladores, es negra y la sala central principal es roja. Su piso está revestido con celdas de ajedrez, las rojas son los edificios de arquitectos rusos, las blancas son los modelos hechos de acuerdo con los diseños de edificios extranjeros en Rusia. Según la idea del curador, entre los modelos de rusos y extranjeros, se desarrolla una partida de ajedrez condicional, acentuando el tema de la competencia entre arquitectos “locales” y “extraterrestres”.
La segunda parte de la exposición son las estructuras de madera de Nikolai Polissky, aún no arquitectónicas, pero, tal como las definió el comisario del pabellón ruso Grigory Revzin, una expresión del sueño del paisaje ruso. Las obras de Polissky impregnan el pabellón ruso: en la sala del primer piso forman un bosque adelgazado por parches de luz. En el mismo lugar, en la sala siguiente, se muestran las obras principales de Polissky y, videos, el proceso de su creación por las fuerzas de un equipo bien coordinado de residentes del pueblo de Nikolo-Lenivets. Con base en el primer piso, las estructuras de Polissky continúan creciendo en todas partes: en forma de un arco improvisado frente a la entrada, pérgolas en la terraza (llamada 'más allá del edificio') e incluso las patas de la mesa en la sala del desarrollador son hecho de los mismos troncos torcidos.
Hay que reconocer que los diseños de Nikolai Polissky se diferencian marcadamente de otros proyectos paisajísticos de la Bienal, y no solo por el hecho de que carecen por completo de la temática “paradisíaca” de un jardín-jardín, y el material es salvaje, natural, apenas limpio. Están mucho más cerca de la naturaleza que los proyectos ecológicos, que, de hecho, pertenecen en mayor medida al mundo de la tecnología. El "bosque" de Polissky es un poco salvaje y aterrador, aunque dentro del pabellón carece de escala, no hay ningún lugar al que dar la vuelta. Pero tienes que entender que este es un bosque de "exportación", un duende de gira. En Nikolo-Lenivets, los proyectos paisajísticos de Polissky son más grandes y más vitales.
Este año los rusos participaron en todas las partes principales de la Bienal. Totan Kuzembaev, quien recientemente ganó el segundo lugar en el concurso para un puente sobre el Gran Canal de Venecia, fue invitado por Aaron Betsky a participar en la exposición curatorial del Arsenal y construyó la yurta ya mencionada en la calle frente a él. Boris Bernasconi, quien recientemente compartió el primer lugar en el concurso internacional para el Museo de Arte de Perm con Valerio Olgiati, fue invitado a comisariar la exposición en el pabellón italiano, y utilizó esta invitación para luchar contra el proyecto Orange de Norman Foster. Debo decir que Aaron Betsky en su rueda de prensa mencionó por separado el proyecto de Bernasconi y lo elogió mucho en el sentido de que el joven arquitecto se atrevió a protestar contra el propio Foster.
Habiendo llegado a Venecia, la exposición del Hospital de Maternidad (comisariada por Yuri Avvakumov y Yuri Grigoryan) se convirtió en un proyecto muy hermoso. La exposición se mostró por primera vez en Moscú en la galería VKHUTEMAS y luego en San Petersburgo. Debo decir que en la Bienal la exposición, que había sido inventada un año antes, resultó muy útil: consta de embriones escultóricos de arquitectura, interpretaciones del tema del nacimiento, producidas por arquitectos, entre los que hay muchos rusos., pero muchos extranjeros. Incluso me atrevería a sugerir que aquí la idea principal de Betsky se expresa, si no con mayor precisión, de manera más sucinta que en el Arsenal. Ubicada en la iglesia veneciana de San Stae, la exposición se ha transformado significativamente: todas las exhibiciones se colocaron en celdas dentro de las paredes de una casa de cartón con paredes perforadas. Este edificio se asemeja a un relicario de iglesia y al mismo tiempo a un belén. La evolución de la exposición parece muy lógica. Además, parece que la propia Venecia jugó un papel aquí, una ciudad en la que casi todas las paredes llevan una caja de iconos con un icono escultórico. De lo que la ciudad parece estar consagrada en su conjunto, cualidad que ya han perdido otras ciudades europeas, e incluso el brutal "Hospital de Maternidad" aquí se convierte en un belén navideño. Venecia es una ciudad maravillosa.
