A lo largo de los mil años de historia del trabajo de los museos en la península de los Apeninos, no solo se han acumulado volúmenes colosales de material, sino que también se ha formado una cultura específica de su presentación. Además, el valor artístico inmediato de la exposición se convierte en un concepto ambiguo, a veces más importante es la idea que la une y la resultante complejidad de la exposición. Por ejemplo, la exposición celebrada hace seis meses por el gran artista veneciano del Renacimiento Giovanni Bellini, en primer lugar, golpeó con las puertas del altar recién combinadas, generalmente almacenadas en diferentes museos a miles de kilómetros entre sí, o con tableros de colecciones privadas. traído desde el interior de Estados Unidos. La exposición "Giotto y Trecento" reunió a un número colosal de maestros italianos desde Milán a Nápoles y sus contemporáneos franceses de diversas calidades, que de una forma u otra influyeron o influyeron en el innovador toscano.
La exposición de Siena reunió bajo un título común, tomado del romanticismo, no solo exhibiciones de diferentes países, obras de diferentes épocas, material de diferentes propiedades, sino también artistas de diversos grados de cordura mental, algunos de los cuales generalmente están relacionados indirectamente con el arte.. Aquí, por supuesto, el servicio es más importante y, en mayor medida, el que sirve: el curador Vittorio Sgarbi. Un político e historiador del arte, conocido por el uso de métodos políticos en la crítica de arte: la sustitución de conceptos y provocaciones. Participante activo en las protestas estudiantiles de 1968, candidato a la alcaldía de Pesaro por el Partido Comunista en 1990, fundador del movimiento Liberal Sgarbi en 1999, entonces aliado de Silvio Berlusconi, gracias al cual se convirtió en secretario del Ministerio de Cultura en 2001.. Paralelamente, escribe libros sobre maestros y obras de todas las épocas y produce videos sobre la historia del arte. Una combinación específica de italiano.
Después de todo, un museo aquí no es solo un espacio de exhibición, y una exhibición no es solo un evento cultural. Esta es una expresión del espíritu de la época: desde la pasión por el coleccionismo entre las familias aristocráticas y la dependencia directamente proporcional de la riqueza de las colecciones a la influencia del propietario, hasta el futurismo, que sugirió la destrucción de los museos, y al mismo tiempo. tiempo reconstruyó la sociedad (los futuristas son casi el único partido artístico y político de la historia: Marinetti era amigo de Mussolini y estaba orgulloso de que él propusiera algunas de las ideas políticas del fascismo). Un evento de museo es siempre un espectáculo, con la teatralidad inherente a toda la vida italiana: escandaloso, ciencia, política, intriga están estrechamente entrelazados en él. Es a la vez superficial y profundo, habla de lo momentáneo y de lo eterno, divertido y te hace llorar. Y siempre requiere escenografía, arquitectura.
La exposición "Arte, Genio, Locura" presentó en 10 salas temáticas el lado confuso y controvertido de la creación artística. La exposición es conceptual (todavía es imposible llamarla temática, ya que el tema se interpreta de manera muy amplia y no siempre literal), el material es específico y heterogéneo (desde las obras de Van Gogh hasta las obras de los pacientes del Siena mental hospital), los especialistas implicados proceden de ámbitos profesionales muy diversos (artistas, historiadores del arte, psiquiatras). Las salas del Palazzo Squarchalupi resultaron estar llenas de tableros de composiciones de altar del siglo XV al estilo de Bosch, pequeñas composiciones de género que representan el tratamiento de la locura en el siglo XVII, lienzos y láminas gráficas de Van Gogh, Munch, Kirchner, Otto Dix y Max Ernst, obras de artistas contemporáneos bajo la supervisión de médicos un perfil correspondiente a la idea de la exposición, así como la ropa de pacientes y equipos médicos de hospitales psiquiátricos de los siglos pasados. En tales condiciones, el diseño juega uno de los papeles principales, si no el primero, es decir, aclara el concepto, agudiza los acentos, une materiales de diferentes épocas y de diferente calidad, que aparecieron bajo el mismo techo y en las mismas paredes a instancias. del "autor" de la exposición.
En las respectivas salas se distribuyen 10 temas sugeridos por el comisario, 10 interpretaciones y enfoques diferentes de la interpretación del fenómeno de la locura. Una visión polifacética exigía un material diferente, a veces difícil de acordar. La organización de la exposición salva el problema de la vulgarización, en la que se sistematizan y decoran adecuadamente objetos heterogéneos, y los espacios expositivos se interpretan de acuerdo con la temática que debió presentarse en ellos.
El espectador se "introduce gradualmente en el tema": detrás de la sala con la escultura italiana del siglo XX, que sirve como una especie de preámbulo, sigue la parte histórica de la exposición, ubicada en un largo pasillo y compuesta por obras de arte. de principios del siglo XVI al XVIII, representando imágenes de locos en esta época e historia, estudiando el tema, así como - a partir de modelos anatómicos del cerebro y camisas de fuerza de época. Estos últimos, colocados en un contexto “artístico” y elegantemente integrados en la exposición, sin perder su carácter “cognitivo”, miran al mismo tiempo como una especie de objetos de arte.
Además, un estudio retrospectivo del fenómeno, acompañado por el trabajo de pacientes de hospitales de este perfil, que describe la vida cotidiana de su hospital (Cesare Lombroso, Paris Morgiani), se conecta a la “exposición principal” dividida en pisos por una escalera, en al pie del cual hay un pozo utilizado como stand expositivo para el relieve del maestro marginal sieneses Filippo Dobrilla, nuestro contemporáneo. La parte histórica termina con una sala de retratos-personajes del escultor del siglo XVIII Franz Messerschmidt, quien en los últimos años de su vida fue dañado en la razón, pero conservó la ingeniosa capacidad de reproducir el cuerpo humano.
Luego, la exposición se divide en salas que representan varios aspectos de la relación entre el arte y la locura. Van Gogh, Kirchner, Strindberg y Munch se unen como artistas que trabajaron durante la época de Nietzsche (cuya actitud ante el tema es muy directa), así como constantes héroes de la investigación sobre el tema señalado en el título de la exposición. Salón "Locura general: la guerra a través de los ojos de los artistas" - por un lado, presenta otra versión de la locura, por el otro - un problema importante en la historia del arte del siglo XX. Aquí están los artistas para quienes la guerra se ha convertido en el leitmotiv de la creatividad, el tema que glorificó a estos maestros: Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix.
Las salas donde se alojan las obras de los propios locos contienen obras de la colección del psiquiatra Hans Prinzhorn de Heidelberg, el Art Brut Museum de Lausana, así como los frutos de la creatividad de los pacientes de los manicomios italianos, sistematizados según un principio monográfico. Obras de Antonio Ligabue, una especie de primitivas que recuerdan a Henri Rousseau, composiciones gráficas de Carlo Dzinelli, asombrosas en su estructura compositiva y cromática, son algunos ejemplos de las llamadas. Los forasteros del arte, hace mucho tiempo se convirtieron en un objeto de colección. El último tema es la sala de artistas que trabaja en un estilo rayano en la locura, llamada "La clara locura del siglo XX": hay obras surrealistas y una exposición del accionismo vienés, que, en general, ha absorbido los elementos de todos los lo anterior. El pabellón 10 es una especie de quintaesencia de todo lo visto, no a nivel artístico, sino a nivel de ideas. En cualquier caso, el trabajo de los locos es más armonioso que los cuerpos ensangrentados de los miembros del grupo vienés. Y en esta etapa, el espectador, habiendo visto más de 400 exhibiciones sobre el tema de los trastornos mentales, comprende que la exhibición no da respuesta a dónde está el genio y dónde está la locura, y no intenta dar, sino que además plantea nuevas cuestiones sobre el criterio de "normalidad" y sobre él de la relatividad en general.
Un intento, tal vez, no de resolver el problema, sino de reunir todo en un solo sistema, asume el diseño de la exposición. En la arquitectura de la exposición, la normalidad “documentada” o el reconocimiento museístico del artista se refleja en el carácter del interior de la sala. Las salas con Van Gogh, Otto Dix y los Actionists tienen una exhibición clásica: los cuadros se cuelgan de las paredes y se iluminan con la luz de museo adecuada. Las salas con las obras de los "locos" resultaron ser un campo para la actividad de la fantasía arquitectónica y expositiva: las obras se suspenden en un sedal a lo largo de una guía rota o se incrustan en marcos metálicos y se colocan en el medio de la sala. en diferentes ángulos entre sí. Así es como se preserva y enfatiza su carácter específico. La originalidad de las exposiciones es coherente con las particularidades de las obras y sirve como esa fina línea que no sólo separa, sin embargo, el gran arte de la creatividad de los marginados, sino que también le da a este último una "exposición", hasta cierto punto "museo". personaje.
El trabajo de los arquitectos de Studio Milani juega un papel casi protagónico en la percepción del material expositivo. Es difícil hablar aquí de una "encarnación directa de las ideas del comisario", ya que el estilo de esta oficina es claramente visible en la arquitectura del interior de la exposición. Pero esto es en el sentido pleno de la arquitectura, coherente con el concepto de cliente, en sus formas correspondientes a la función, contando su contenido, dirigiendo el movimiento del visitante y, por tanto, interpretando la idea de estructura. (es decir, el espacio de exposición). Estructuras livianas, materiales: metal, plástico, vidrio, formas lacónicas se refieren al estilo de las exposiciones italianas de la década de 1930, que fueron diseñadas por arquitectos, partidarios de la versión italiana del movimiento moderno, el racionalismo, con sus diseños minimalistas y talento excepcional. transmitir el concepto de exposición por pequeños medios. Sin embargo, aquí se sustituye el módulo rectangular que imperaba en la década de 1930 por un triángulo (forma dinámica), se añade luz violeta (el color de la locura) a los colores neutros de las vitrinas, y algunas partes de los stands son superficies reflectantes. El resultado es un espacio dinámico con una trayectoria de movimiento quebrada, multiplicándose en reflejos de sí mismo, respondiendo no solo a la temática de la exposición, sino, además, al espíritu de la modernidad en general.
Tan delgada como la línea entre genio y loco, entre loco y artista, entre el producto de una conciencia enferma y el arte, puede resultar muy condicional entre el visitante de la exposición y los autores de las obras presentadas en ella, entre el mundo real y el mundo de las ideas inventadas e imágenes fantásticas. Las rejillas metálicas utilizadas en el diseño, por un lado, tienen la estética de la arquitectura moderna de estructuras ligeras, por otro, se asemejan a las rejillas de los hospitales psiquiátricos. Las trayectorias rotas de los recorridos de la exposición no son solo las líneas de los espacios del deconstructivismo, sino también una metáfora de la psique rota. Luz neutra combinada con iluminación violeta: no solo iluminación de interiores minimalistas, sino también pasillos de hospitales. El diseño, que unió obras de diferente contenido y naturaleza, como si comparara a sus autores con el espectador: en los planos de las vitrinas, entre las exhibiciones, el visitante ve periódicamente su reflejo. Además, el recorrido por los cuatro pisos de la exposición, convertido en laberinto por el esfuerzo de los arquitectos, es lo suficientemente largo no solo para acostumbrarse al espacio museístico, sino también para acercarse a los “héroes” de la exposición en nuestro estado emocional.
Esta es la participación del espectador en el loco mundo del arte y el fantástico mundo de los locos, ya sea una idea filosófica de curadores de arte, un experimento de psiquiatras o un rastro de Zeitgeist. Una arquitectura de ideas real e implementada no crea, las encarna, aparece en el momento adecuado en el lugar adecuado. Y la cuestión no es solo que en Italia, desde 1978, se han cerrado los hospitales psiquiátricos estatales, es decir, la locura se considera un "tipo diferente", pero no una enfermedad, y no que una pequeña, refinada, extremadamente conservadora en sus cimientos. Siena abrió sus propias puertas para una exposición, donde una parte significativa de las exhibiciones difícilmente puede llamarse obras de arte en el sentido habitual. Esta exposición te hace mirar no solo el mundo del arte y ver en él una parte de la locura, sino también el mundo de los locos, y ver los elementos de la vida cotidiana en él, y así sentir la sutileza de la línea que lo separa. estos mundos. También es una razón para el desapego, el desapego, que sirve al arte, que es parte integral de las desviaciones mentales y que ayuda a ver las cosas bajo una nueva luz. Y para esto, el cerrado, ubicado en una colina, separado del resto del mundo por las llanuras toscanas de Siena, es el más adecuado.
Al examinar la última sala, el estrés emocional crece hasta el límite y hace que quieras salir al aire libre, y la exposición lleva al visitante a una habitación luminosa y acristalada con vistas a las murallas medievales de Siena. Solo las letras del nombre de la exposición pegadas en la pared recuerdan lo que vio, lo que provoca un reflejo de luz sobre lo que falta en la exposición: páginas de "Diario de un loco" o "Pesadilla" de Fuesli … Pero el sol toscano y la piedra y el mármol del palazzo de Siena iluminado por el contrario, sugieren la "claridad del genio italiano" tan valorada por Welflin.
Exposición Arte, Genio e Follia. Il giorno e la notte dell'artista se lleva a cabo en el complejo del museo Santa Maria dela Scala, Palazzo Squarchalupi HASTA el 21 de junio de 2009.
Comisariada por Vittorio Sgarbi
Dirección académica: Fundación Antonio Mazzotta
Diseño arquitectónico: Studio d'Architettura Andrea Milani
La exposición reúne más de 400 obras de los principales museos de arte de Europa (Orsay, Centre for Georges Pompidou, Prado, Brera, etc.), colecciones temáticas (Museum Art Brut, Lausanne, Colección del psiquiatra Prinzhorn, Heidelberg) y museos de la historia de la medicina (Museo de Historia de la Medicina de la Universidad de Roma "La Sapienza", Museo de Historia de la Medicina que lleva el nombre de René Descartes, París, etc.).
Salas temáticas: Imagen de la locura (de las obras atribuidas a Bosch hasta la actualidad), Genio y locura en la época de Nietzsche (Van Gogh, Munch, Strindberg, Kirchner), Locura general: la guerra a través de los ojos de los artistas (Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix), El arte del loco: Dedicación a Hans Prinzhorn (obras de la colección del psiquiatra Hans Prinzhorn en Heidelberg), Art Brut (obras de la colección Art Brut de Jean Bubuffet, Lausana), Algunos ejemplos italianos entre la normalidad y la locura (obras de Carlo Zinelli, 1916-1974, Pietro Gidzardi, 1906-1986, Tarcisio Merati, 1934-1995), Viajes a Toscana (las villas y castillos toscanos en los que se ubicaban hospitales psiquiátricos son famosos por su pacientes talentosos: Filippo Dobrilla, Evaristo Boncinelli, Venturino Ventruri, Belarges, etc. La pura locura del arte del siglo XX (desde el trabajo surrealista hasta el accionismo vienés).
