Un arquitecto y un artista no necesita una presentación especial, ni siquiera para el público europeo. Es uno de los arquitectos rusos más famosos en el extranjero. En 2006, sus obras representaron a Rusia en la Bienal de Venecia, y ahora se conservan en las colecciones de varios de los museos más importantes del mundo: el Museo Alemán de Arquitectura (Frankfurt), el Museo de Arte Contemporáneo MOMA (Nueva York).), la A. AV. Shchusev. En Europa, Brodsky es conocido principalmente por sus proyectos de "papel": numerosos conceptos creados junto con Ilya Utkin para concursos de arquitectura japoneses. Las obras "en solitario" de Brodsky, instalaciones en la frontera entre la arquitectura y el arte contemporáneo, así como una serie de objetos realizados de pequeñas formas, interiores, restaurantes, pabellones conceptuales, también son conocidos en Occidente.
Las obras seleccionadas para la muestra abarcan el período de los últimos treinta años y dan una idea de las distintas técnicas en las que trabaja el arquitecto. En la sala del primer piso de exposiciones del museo, las obras de Brodsky en otras más tradicionales. Este es un dibujo a lápiz, grabado, serigrafía. Un piso más arriba - nuevas obras creadas especialmente para esta exposición: "gráficos" de arcilla y dibujos a tinta sobre fieltro para techos.
A pesar de la variedad de técnicas, toda la exposición parece una sola declaración diseñada para familiarizar a los visitantes con los principales temas y motivos del trabajo del arquitecto. En el centro de la poética de Brodsky se encuentran los mundos convencionales, fantasmagóricos, presentados, si hablamos con cierto grado de convención, en el estilo de la presentación arquitectónica clásica: fachada, sección, perspectiva, vista general. El artista se centra en composiciones fuera del tiempo, más precisamente, después de los tiempos, las huellas dejadas por las personas y la historia.
En las salas de cámara, o, como el personal del museo prefiere llamarlas, las "oficinas" de la planta baja son obras de los años 80 y principios de los 2000. Aquí Brodsky es el sucesor del piranesianismo con su monumentalidad y fantasmagoricidad, sin embargo, su mirada es siempre la mirada de un posmodernista con la ironía característica, estratificación de significados y apertura a diversas interpretaciones. Uno de los temas es la unidad del caos y la belleza clásica, la entropía posmoderna y la imaginería renacentista. Su expresión es tanto en perspectivas fractales caóticas con la introducción de elementos arquitectónicos primarios - pirámides, como en la aparición de un péndulo oscilante bajo una composición clásica fractal, y caos industrial inscrito en el espacio de la cúpula en una sección longitudinal, instalada en el Fundación junto a una tubería industrial. La estética renacentista y el motivo del carnaval veneciano se pueden escuchar en los retratos alegóricos de cierto carácter convencional. En uno de ellos, como dando una pista a la audiencia, Brodsky lo llama arquitecto. El resto de los retratos alegóricos recuerdan tanto a los héroes de los misterios medievales como a la atmósfera "carnavalizada" de la comedia Del Arte, y son, entre otras cosas, una paráfrasis de las famosas alegorías de los elementos primarios de Giuseppe Arcimboldo, a quien los surrealistas lo consideraban uno de sus predecesores. En lugar de elementos primarios naturales, Brodsky tiene elementos arquitectónicos (una ciudad ideal en poder de un arquitecto, la Torre de Babel erigida sobre la cabeza de los personajes), y la estética del surrealismo es una de las claves para la inmersión en sus mundos.
Los paisajes industriales de Brodsky están imbuidos de la misma estética. Estas obras son una inmersión en el mundo introspectivo del subconsciente, en el que las conexiones lógicas se cortan (o, más precisamente, parecen cortarse), y el mundo del que se aleja a una persona se convierte en el héroe. El mismo tema constante con el que trabaja Brodsky: un hombre estuvo aquí y dejó huellas.
La mayoría de las exposiciones se dejaron sin título. Por lo tanto, el espectador se ve privado de las indicaciones textuales, que son tan aceptadas en el arte moderno. Por supuesto, el espectador ideal de Brodsky es un conocedor erudito de la historia y el arte visual, capaz de contar capas de significados dados, captando la ironía posmoderna del artista, mientras que un espectador menos sofisticado puede experimentar una leve sensación de incomodidad, siendo arrojado al mundo fuera del mundo. relaciones causales habituales. Dos tipos de espectadores: dos tipos de lectura y las interpretaciones del espectador no ideal pueden ser mucho más emocionales y dar lugar a un flujo más libre de asociaciones.
Una de las obras más cercanas a la ilustración de libros en la exposición, "Un lugar de prosperidad común" (1998), es tanto un saludo directo a las imágenes del Panteón Piranesi, pasadas por el subconsciente metafórico del autor, como una alusión a lo solemnemente sublime. designaciones de objetos de infraestructura urbana adoptados en la URSS en 1960 -x: biblioteca - "Templo del conocimiento" y, por ejemplo, cine - "Templo de los espectáculos". Aquí Brodsky utiliza la técnica de la "metáfora realizada". De hecho, tenemos ante nosotros el Templo y el prototipo de todos los Templos, pero el maletín condicional en el dibujo muestra a un ciudadano soviético condicional, representado bajo la apariencia de una criatura mítica con cola de perro, que entró en el "Templo del Bienestar General". "para beber un vaso de cerveza.
En el mismo espacio, también se presentan bocetos a lápiz de fachadas arquitectónicas condicionales y una serie de objetos. La estética del surrealismo también se adivina fácilmente en ellos, y uno de los objetos más misteriosos representados es, quizás, una especie de paráfrasis de la obra más citada de Rene Magritte.
La exposición está organizada de tal manera que los bocetos a lápiz resultan ser bocetos de los objetos de arte de Brodsky, presentados en el piso de arriba. Se trata de obras de 2014, la mayoría de las cuales fueron creadas específicamente para la exposición en el Museo Tchoban. Las fachadas realizadas con la técnica única del autor de los "gráficos de arcilla" remiten tanto al monumentalismo del estilo del Imperio estalinista como al Castillo Kafkiano, inalcanzable en el marco de la lógica humana. Aquí está la continuación del tema principal de Brodsky: las huellas dejadas por el tiempo. La clave de la interpretación de estas obras, y, de hecho, la clave de la exposición en su conjunto, son dos objetos realizados con tinta negra sobre un fieltro de techo de un edificio y que se asemejan a un mapa y modelo axonométrico de un yacimiento arqueológico condicional. Las fachadas de arcilla salpicadas de grietas no son más que artefactos de arcilla del pasado. No fue sin ironía en el espíritu del posmodernismo: la construcción de fieltro para techos es un material popular en la construcción de dacha soviética.
En este sentido, es interesante recordar los proyectos ejecutados por el arquitecto Brodsky. No están representados en la exposición, pero todos están igualmente subordinados a la idea de concentrarse en las huellas dejadas por sus antecesores. Ya sea el Pabellón para ceremonias de vodka, construido para el festival Art-Klyazma, la Rotonda en Nikola-Lenivets o el restaurante Prichal 95 * cerca de Moscú, todos ellos fueron construidos con los diseños de otros objetos que alguna vez existieron: marcos de ventanas, puertas, tableros.
Es de destacar que la exposición de Alexander Brodsky en Berlín coincidió con otra exposición de dibujo arquitectónico en el Museo Martin-Groppius-Bau: "VKHUTEMAS - el laboratorio ruso de la modernidad" (válida hasta el 6 de abril), presentando dibujos utópicos de estudiantes de la VKHUTEMAS de la década de 1920. Los proyectos utópicos soviéticos de la década de 1920 y los diseños de papel de la década de 1980 son los dos fenómenos principales del diseño de papel del siglo XX procedente de Rusia. En las condiciones de la creciente crisis económica y el monopolio de los grandes talleres de arquitectura en el diseño de casi todos los objetos más importantes, es inevitable una nueva ronda de diseño "sobre la mesa". Quizás los dibujos arquitectónicos y los proyectos conceptuales de la segunda mitad de la década de 2010 puedan algún día convertirse en la base de las futuras exposiciones de los museos.
La exposición está abierta hasta el 5 de junio de 2015.
