Uno de los leit motiv de la XIII Bienal de Arquitectura de Venecia, que se extenderá hasta el 25 de noviembre de este año, es la síntesis de las artes. El curador David Chipperfield sugirió no percibir la arquitectura de forma aislada, fuera de contexto. Sugirió tener en cuenta la implicación de la arquitectura en el proceso real de la vida, en la comunicación con diversos sujetos sociales, políticos, económicos, con otros tipos de arte.
Los artistas y arquitectos de Moscú Alexander Ponomarev, Alexey Kozyr, Ilya Babak y Sergey Shestakov jugaron la forma más sofisticada y elegante de comunicar la arquitectura con diversas artes en la exposición del pabellón nacional de Ucrania, que crearon, ubicado en el Arsenal veneciano. La exposición titulada "La arquitectura de los espejismos" contó con el apoyo de la empresa conjunta de transporte, VIART-GROUP y la empresa Kirill.
El tema de la "arquitectura de los espejismos" presupone la imagen de la tierra fronteriza, un suave equilibrio en el borde: sueño y realidad, ilusorio y real. Este tema ofrece una excelente razón para mostrar la arquitectura en una modalidad no arquitectónica: el fantasma y el reflejo de otros tipos de creatividad: escultura, pintura, videoarte. La condición para la síntesis de todas estas artes en la exposición fue el arte del Teatro.
La misma exposición con pantallas de luz delgadas, pantallas con imágenes meditativas, objetos misteriosos sumergidos en frascos con agua, gráficos virtuosos sobre mapas geográficos se asoció con una especie de acción misteriosa, cuyo significado debe resolverse durante mucho tiempo y sin escándalo.
El lema de la exposición del pabellón puede ser las palabras del antiguo historiador Filóstrato el Joven de que el arte es “la capacidad de hacer visible lo invisible”. En otras palabras, estamos hablando del papel principal de lo que se llama imaginación tanto en la creación de una imagen como en su percepción. Sólo él puede proporcionar una comprensión del mundo en su dimensión artística.
Los arquitectos y artistas del pabellón propusieron realizar dos proyectos a partir de una serie de los denominados museos móviles: el Museo de Arte Personal y el Museo de Arte Moderno.
La imagen de los museos se inspiró en la estancia de Alexander Ponomarev y Sergey Shestakov en la estación de investigación ucraniana "Vernadsky" en la Antártida. Los artistas trabajaron allí. La documentación del trabajo de Sergey Shestakov se presenta en una sala del extremo de la exposición. Es necesario ingresar a ella, quitándose los zapatos. Se le ofrece acostarse sobre las almohadas para mirar el techo en la oscuridad. Pero primero ponte anteojos estéreo. De repente todo cambia, comienzan a aparecer imágenes claras en el techo y te encuentras en movimiento a lo largo de un paisaje de fantástica belleza. Cuando las burbujas chispeantes te salpican la cara, te das cuenta de que el tiroteo se realiza bajo el agua. Y el blanco, como una sustancia viva y que respira, sobre la que te inclinas, a la que tocas en tu movimiento, no es más que bloques de hielo sumergidos en la columna de agua, icebergs. Este viaje trata solo de la realidad de lo irreal, la frontera como tal.
Durante la expedición a la Antártida, tanto Shestakov como Ponomarev quedaron cautivados por la belleza de los fenómenos naturales más románticos: espejismos que surgieron en el horizonte marino transparente. Ahora todo el mundo comprende la naturaleza de este fenómeno, la dependencia de procesos físicos racionalmente explicables. Sin embargo, esta es la singularidad de los espejismos, que con la rígida determinación física de la "construcción" de la imagen (la influencia del encuentro de diferentes capas de la atmósfera, diferentes temperaturas, refracción, refracción de la luz, etc.), la naturaleza en sí misma nos da un espectáculo absolutamente metafísico, no causado por explicaciones pragmáticas. Este es un arte verdaderamente puro, tejido en especie. No en vano los mejores escritores se inspiraron en las imágenes de los espejismos y los introdujeron en sus obras.
Los espejismos en sí se han convertido en el tema de hermosos torbellinos y gráficos scherzo de Alexander Ponomarev. Y la arquitectura de los museos dedicados a ellos queda plasmada en frágiles maquetas flotando en el agua, y en la pantalla de una película en 3D excelentemente realizada.
El museo personal son tres cubos móviles flotantes interconectados, que se elevan alternativamente por encima del agua y pasan por debajo de él. Las fachadas de estos cubos están formadas por diferentes consistencias de H2O: agua, vapor y hielo, respectivamente. Las salas de exposiciones se encuentran dentro de los cubos.
Se supone que el museo de arte personal se hace en un estilo minimalista y se coloca en el océano para navegar por sus aguas de diciembre a marzo. La propia imagen de este museo flotante se puede interpretar de dos formas. El primero está relacionado con la idea de los submóviles, amados por el artista Ponomarev: estructuras que flotan espontáneamente y se sumergen en el agua, dando felicidad al observar cambios repentinos en el entorno natural. El artista ha estado implementando esta idea durante muchos años. Puedes recordar sus famosos submarinos mientras surgen en diferentes partes del mundo, desde Moscú hasta París. También se puede recordar la exposición "Memoria del agua", que se celebró en el Museo de Ciencia y Tecnología de París en 2002. Luego, cuarenta submóviles que se sumergieron dentro de las columnas de vidrio crearon una composición arquitectónica que recuerda a la isla parisina de Cité. Y el Manhattan de Nueva York se hundió de la arena al agua y flotó en columnas de cristal en el proyecto Surface Tension (galería Cueto Project, Nueva York, 2008).
En el caso de los tres cubos-salas del Museo Personal, el espectador tiene la oportunidad de experimentar personalmente las metamorfosis que ocurren con la percepción del arte en diferentes ambientes: en las profundidades del océano, en la superficie, en los brazos del hielo, vapor, agua, es decir, nuevamente, es difícil entender el tema “borderland”. Al estar en el movimiento constante del entorno natural, el espectador concentra al máximo sus propias habilidades creativas de la imaginación. Y el arte expuesto en las salas de cubos lo afecta con un poder diez veces mayor.
El segundo aspecto de la interpretación del Museo Personal está relacionado con el tema del propio espejismo. Cuando los espectadores vean el museo en el horizonte, les parecerá un espejismo perfecto. Y, lo más interesante, correlacionado con el diseño de vanguardia. A juzgar por las fotografías documentales presentadas, respecto a los espejismos observados por Ponomarev y Shestakov, me vienen a la mente proyectos que nacieron en el laboratorio de la vanguardia rusa, en los talleres del Instituto de Cultura Artística (INHUK) de principios de los años veinte.. Fue entonces cuando los jóvenes maestros (Rodchenko, Stenberg, Medunetsky, Ioganson) crean construcciones espaciales como una manifestación de la forma pura de ingeniería.
Es importante recordar aquí que las construcciones espaciales de los artistas de vanguardia rusos (K. Medunetsky, hermanos V. y G. Stenberg) funcionaron como módulos ideales para "sondear" las fuerzas de la gravedad natural. Placas delgadas, listones, discos crearon la ilusión de un transformador autoconstruido. En una eterna transformación y al mismo tiempo en su precisa ingeniería (el objeto en ningún caso debe caer en pedazos, ni visual ni físicamente), anticiparon los experimentos de los grandes maestros del siglo XX, los "móviles" de Alexander Calder., por ejemplo. Al mismo tiempo, tanto los objetos dinámicos de los artistas de vanguardia, percibidos en movimiento, como la imagen dinámica del Museo Personal dan testimonio de su implicación en la imagen de la ilusión. Esta es la arquitectura que toma las lecciones de la imaginación de la propia naturaleza.
El segundo objeto de "Mirage Architecture" es el Museo de Arte Contemporáneo de la Antártida. Su imagen también se asocia con la vanguardia rusa, solo con los proyectos experimentales más radicales. Así es como el artista Ponomarev contó sobre el museo: “El museo parece una embarcación no autopropulsada de 100 metros y un módulo residencial. Una estructura arquitectónica está montada en la cubierta: un hotel y salas de exposiciones. Cuando el barco llega al sitio, al redistribuir lastre, se mantiene erguido como un flotador. En la parte superior hay hoteles, debajo del agua, un museo. Los vapores atracan en el barco, la gente se registra en un hotel, admira los icebergs flotantes … ¡Luego se sientan en un bote-cámara, bajan y se encuentran en el Museo de Arte Moderno! Cuando termina la navegación y el hielo llega a las regiones polares, el barco es arrastrado hacia el sur ".
Si buscamos paralelismos con dicha arquitectura en el gran pasado de las vanguardias, entonces nos viene a la mente una imagen más fantástica: "La ciudad voladora" de Georgy Krutikov. El arquitecto lo defendió como diploma en 1928 en la escuela de Nikolai Ladovsky en VKHUTEMAS-VKHUTEIN. El proyecto de Krutikov de "arquitectura móvil" preveía la creación de edificios con la ayuda de energía atómica, colgando verticalmente sobre el suelo, ensamblados en forma de enormes cilindros. La comunicación entre ellos y la tierra, que, según el arquitecto, fue liberada para el trabajo y el descanso, también se llevaría a cabo con la ayuda de "batiscafos voladores", cabañas capaces de moverse en el aire, en tierra, en el agua y bajo el agua. Además, la cabina también podría ser una celda viva. Por cierto, Georgy Krutikov fue llamado inmediatamente "Jules-Verne soviético". El Museo de Arte Contemporáneo de la Antártida acerca el proyecto de Krutikov no solo a los poderosos desafíos técnicos, sino también al hecho mismo de reconocer el poder y la audacia de la imaginación creativa. En principio, tanto el Museo en la Antártida como la "Ciudad Voladora" de Krutikov son también hoy una forma pura y desinteresada de comunicación con la naturaleza y el mundo. ¡Puro espejismo!
Pero, ¿qué pasa con el arte, que está literalmente en el agua y que solo se puede ver desde el batiscafo? Para su instalación se utiliza un sistema de complejas estructuras modulares y marcos de cápsulas impermeables al agua. A alguien le resultará excesivo mirar las obras a través de la columna de agua. Sin embargo, los autores del proyecto no temen en absoluto este radicalismo visual. Es solo que dentro de diferentes entornos naturales, nace una percepción emocional diferente del objeto de arte, su comprensión creativa. Además, hay artistas que, con su trabajo, han demostrado la verosimilitud y el carácter orgánico de tal visión. Es pertinente recordar, por ejemplo, a Bill Viola, en cuyas videoinstalaciones el elemento agua juega un papel simplemente arquetípico, esencial a nivel bíblico. En muchas de sus obras, contemplamos el mundo precisamente a través del espesor de la corriente de agua. ¡Así que el encuentro entre el artista y su público en el nuevo museo flotante sigue siendo posible!
El encuentro de los espectadores de Moscú con la exposición "La arquitectura de los espejismos" promete tener lugar muy pronto. Museo de Arquitectura que lleva el nombre de A. V. Shchuseva planea llevar la exposición a su sala "Dependencia-Ruina".
