Publicado por primera vez en la colección: Arte decorativo y entorno temático-espacial. Boletín de MGHPA. Numero 3. Parte 1 Moscú, 2020 p. 21-31. Cortesía del autor. El apogeo del estilo Art Deco en los Estados Unidos llegó a finales de los años veinte y treinta. y su formación estuvo influenciada por una amplia gama de fuentes, tanto históricas como relevantes. El más importante de ellos fue el llamado. "Estilo de 1925", plasmado en los famosos pabellones de la "Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industria Artística", inaugurada en París el 28 de abril de 1925. Sin embargo, además de los conceptos artísticos y tectónicos, el estilo de los rascacielos también fue formado gracias a la planificación urbanística y las restricciones legales.
La ley de zonificación de Nueva York de 1916, que limitaba los edificios recién construidos a una silueta escalonada, fue decisiva para la formación del estilo de los rascacielos. [1] En 1922, H. Corbett y H. Ferris publicaron un diseño para la torre, teniendo en cuenta sus requisitos. Y a partir de ese momento, la imaginería medieval neoarcaica comienza a percibirse como una idea artísticamente valiosa. De modo que la ley de zonificación de 1916, indiferente a las características de estilo de un edificio de gran altura, determinó el efecto altamente artístico del adelgazamiento tectónico de las torres, formó la cedencia neo-azteca y la silueta neogótica de las ciudades estadounidenses.
En las décadas de 1920 y 1930, la estética del cañón reemplazó las proporciones tradicionales de calles y edificios con cornisas clásicas. En Chicago, el segundo centro para el desarrollo del nuevo estilo, en el período de 1927 a 1930. Holabert & Ruth, así como Graham, Anderson, Probst y White, están construyendo cinco rascacielos escalonados cada uno en estilo Art Deco neoarcaico mesoamericano. Monumentales, ubicados uno frente al otro, estaban destinados a competir con los logros del neoclasicismo de los años 1900-1910, y entre ellos. No pudieron evitar admirar, y así es como se esforzaron por trabajar los arquitectos soviéticos de la década de 1930. Además, el neoarcaísmo Art Deco encontró otra fuente nacional de inspiración en los Estados Unidos: las torres de ladrillo de R. Walker en Nueva York se remontan a la brillante estética de los acantilados de Monument Valley (como, por ejemplo, Western Union Building, 1930 y Edificio AT Tee Long Distance, 1932). Escalonadas y cubiertas de bajorrelieves, las torres Art Deco parecían ser creaciones de los aztecas y mayas que se elevaban hacia el cielo. [2]
El estilo Art Deco apareció en las décadas de 1910 y 1930 como una alternativa compositiva y plástica al neoclasicismo (historicismo). Así, un rasgo característico del Art Deco estadounidense es la pequeñez, la planitud de la decoración, el marcado contraste plástico y a gran escala de los raros acentos decorativos y la grandiosa y austera parte principal de la torre. Como las obras de Louis Sullivan, los portales de entrada de los rascacielos eran lujosos pero íntimos. Los maestros del Art Deco no ampliaron los motivos arcaicos, tal era la imagen de la pirámide antigua grandiosa, "habitada" y el límite de la escala de su encarnación. Los bajorrelieves Art Deco creados a gran altura eran radicalmente diferentes del esplendor plástico del historicismo. Se trataba de detalles en miniatura, deliberadamente aplanados, que parecían haber caído del museo a la calle sin cambiar de tamaño.
El plástico Art Deco era extremadamente diverso: podía ser puntiagudo, geométrico o deliberadamente redondeado, "hinchado" o aerodinámico, creado en la estética de los llamados. línea de corriente. Rechazando el canon grecorromano, Art Deco permitió a los autores mostrar su imaginación y erudición. Así, por ejemplo, se está poniendo de moda una interpretación suavizada especial de la forma, que se remonta a la plasticidad de la escultura budista y del antiguo Egipto. El afilado, la geometrización de siluetas y el dibujo de detalles se convirtieron en otra moda opuesta a la de los años 1920-1930. No es casualidad que durante los años de su creación, el estilo de las décadas de 1920 y 1930 recibió los nombres de "zigzag-moderno", "jazz-moderno" y similares, enfatizando la base cubista del Art Deco. La geometría, la convencionalidad se convierte en la diferencia característica entre el Art Deco y el neoclasicismo, tan obvia como las diferencias entre el canon escultórico de la Antigua Grecia y los bajorrelieves de Mesoamérica. [3]
Así, la decoratividad de los rascacielos podría tomar la forma de la geometrización del historicismo (American Radiator Building) y la fantasía plástica (General Electric Building), la auténtica arcaización o el último ascetismo abstracto. Los rascacielos pueden estar decorados con detalles geométricos, neoarcaicos (Inter Continental Hotel), de fantasía, o pueden estar completamente desprovistos de ellos. Y, sin embargo, aparecen como un estilo integral y reconocible. La plasticidad de estas torres podría remontarse a las ideas de las vanguardias, las innovaciones de la década de 1910 y los pabellones de la exposición de 1925, así como a los duros monumentos del pasado lejano. Sin embargo, fueron las pirámides de las civilizaciones antiguas las que formaron tanto el aplanamiento de los bajorrelieves como la silueta inclinada de las torres Art Deco. Tal era el neoarcaísmo plástico y compositivo del Art Deco estadounidense.
Por primera vez, la combinación de bajorrelieves aplanados y una silueta escalonada, característica del Art Deco, será realizada en Nueva York por el arquitecto R. Walker. El edificio Barclay-Vezier (de 1923) fue el primer rascacielos Art Deco lanzado antes de la exposición de 1925. [4] En su arquitectura, una amplia gama de orígenes estilísticos es evidente: esta es la estética de una silueta neonazteca inclinada, y una composición compleja, en el espíritu del cubismo, así como raros relieves, intrincadamente dibujados en el espíritu de L. Sullivan, que se remonta a Oriente Medio, herencia románica y celta. Lo mismo ocurrirá con los edificios de gran altura a finales de las décadas de 1920 y 1930.
Sin embargo, ¿cuál fue el papel en la formación del estilo de los rascacielos en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industria del Arte de 1925 en París?
La exposición en París, planeada originalmente para 1914 y celebrada en 1925 después de una larga pausa en la construcción, buscó convertirse en un renacimiento del lujo de la arquitectura de antes de la guerra y recogió todas las innovaciones del primer cuarto del siglo XX. Sus pabellones, como más tarde los rascacielos de América, fueron diseñados con el espíritu del orientalismo y el neoarcaico: una silueta inclinada, relieves geométricos de fantasía aplastados, acentos decorativos contrastantes y un fondo ascético. Tales eran los pabellones franceses "Studio Louvre" y "Primavera", "Pomont" y "Metriz", galerías comerciales en el Pont Alexandre III. Y uno de los primeros ejemplos del "estilo de 1925" importado a Estados Unidos fueron las exquisitas rejas metálicas del famoso Edgar Brandt, participante de la exposición de París. Ya en 1925 decoraron el edificio Madison Belmont de Nueva York. La exposición de 1925 en París "dio un nombre" al estilo de las décadas de 1920 y 1930 y se convirtió en su publicidad, pero no pudo definir por sí sola la estética de los rascacielos. [cinco]
La arquitectura Art Deco en la Exposición de París de 1925 y la arquitectura estadounidense a finales de los años 20 y 30 tenían orígenes comunes que alimentaron ambos fenómenos. El paso intermedio faltante entre las obras aisladas de L. Sullivan y F. L. Wright en la década de 1890-1900, y la arquitectura holandesa a principios de la década de 1910-1920 se convirtió en una difusión masiva del nuevo estilo. Fue en Ámsterdam, por primera vez después de la Primera Guerra Mundial y las obras de Wright de la década de 1900, donde aparecieron ejemplos de decoración geométrica de fantasía, y este experimento fue masivo y convincente. Además, no se trataba de estructuras temporales creadas solo por el bien de la exposición, sino del entorno urbano. [6] Los arquitectos holandeses fueron los primeros en percibir el potencial innovador del estilo de Wright y comenzaron a desarrollarlo, ya finales de la década de 1920 los creadores del Art Deco estadounidense seguirán su camino. Así creado en la intersección de líneas provenientes de Chicago (de Sullivan y Wright), París y Amsterdam, Art Deco America se ha convertido en una era de aplicación masiva y consolidación de soluciones creadas previamente.
La era del surgimiento de esas tendencias que darán forma al Art Deco sigue siendo la década de 1890-1900. Las líneas de estilo que se cruzan a finales de las décadas de 1920 y 1930 se remontan a la era Art Deco temprana, y durante varias décadas vibrarán, competirán y darán forma a la moda mundial. En 1893, Wright abandonó el taller de Sullivan y esta divergencia de los dos genios formaría los dos canales a lo largo de los cuales se desarrollaría más tarde el Art Deco americano. La última década del siglo XIX fue para Louis Sullivan un período de prosperidad, el pináculo de su carrera. Luego, en la década de 1890, trabajó activamente con la decoración plana y de fantasía, mientras Wright inventaba su propia arquitectura geometrizada.
La monumental obra maestra Art Deco temprana de Wright fue el Unity Temple en Oak Park, adornado con una elegante decoración geométrica (1906). [7] Y en su arquitectura, es evidente la pasión por la cultura japonesa (especialmente en el interior), y el descubrimiento del maestro de nuevas técnicas estilísticas. [8] La forma mágica de esta iglesia con una fuerza increíble "golpea" en dos direcciones, predice tanto el neoarcaísmo del Art Deco como la abstracción de las vanguardias. Y es precisamente esta dualidad la que será característica del estilo de los rascacielos.
La década de 1910-1920 se convirtió en una era de intercambio de innovaciones arquitectónicas para Europa y Estados Unidos, y después de la exposición de 1925 en París, la moda de un nuevo estilo, Art Deco ya se apoderará por completo de las ciudades de América. Sin embargo, ya en 1910, una edición en dos volúmenes de F. L. Wright (la llamada cartera de E. Wasmut). Tuvo un impacto significativo en el desarrollo tanto de la vanguardia como del art deco en Europa. [9] La respuesta del Templo de la Unidad fueron los edificios de la Sinagoga (G. Elte, 1927) y la Iglesia de Jerusalén (FB Jantsen, 1929), construidos en Amsterdam y repitiendo sus formas. El vestíbulo de la estación de metro Sokolniki de Moscú (1935), compuesto por cornisas y marcos horizontales, así como por zócalos con los característicos jarrones, se convirtió en una rara aproximación al estilo del maestro de Chicago y al aerodinámico de la URSS. [diez]
El trabajo de Frank Lloyd Wright en las décadas de 1900 y 1920 aparece como un movimiento gradual del "estilo de la pradera" al concepto de "bloques textiles". Y la fuente de inspiración más importante para el maestro durante estos años es el legado de los aztecas y mayas. [11] La influencia de la arquitectura mesoamericana arcaica en el estilo de Wright fue indirecta pero significativa. No fue estilización. Sin embargo, cimientos escalonados monumentales y varillas horizontales dobles, marcos ("casas de la pradera", Robie House) y cinturones de relieves y patrones aplanados (casa de Winslow, Midway Gardens, almacenes de Herman) e incluso techos planos (Unity Temple), todos esto fue al mismo tiempo un replanteamiento de las imágenes de la arquitectura antigua mesoamericana, en primer lugar, los templos de Uxmal, y una innovación estilística diversa y talentosa.
A finales de la década de 1910-1920, Wright comenzó a trabajar en Japón y Los Ángeles, donde construyó una magnífica serie de villas y mansiones privadas. Construido en la arquitectura de los llamados. "Bloques textiles", encarnaban una síntesis paradójica y expresiva de motivos neoarcaicos y tecnocráticos. [12] Así, la evolución de F. L. Wright en las décadas de 1910 y 20 consistió en la complicación de la decoración arquitectónica y el acercamiento a la estética Art Deco. [trece]
En 1924, el propio Wright muestra cómo se puede convertir el estilo de sus mansiones en rascacielos: para Chicago, crea el magnífico National Life Insurance Building. Su concesión fue dictada por la ley de zonificación, y solo el método de relieve plano geometrizado fue, según parece, realmente neoarcaico, mesoamericano. Sin embargo, el trabajo con inserciones decorativas (patrones, "texturas") encuentra otra fuente en los Estados Unidos: el estilo de fantasía de Louis Sullivan será el presagio de los bajorrelieves planos Art Deco.
En sus obras, Sullivan, allá por la década de 1890, propuso el tema de un bajorrelieve de fantasía aplanado como decoración para un medallón entre ventanas y un portal de entrada. [14] Estos fueron los edificios del maestro en St. Louis (1891), Chicago (1893), Buffalo (1894), Nueva York (1899) y otros. Trabajando con las fachadas de edificios de oficinas de varios pisos, fue Sullivan quienes comenzaron a utilizar el contraste de los acentos decorativos y la austeridad, la imposta y el relieve aplanado, y también lo harán los rascacielos Art Deco. Su paleta decorativa incluía motivos neoarcaicos y fantasía: geométricos, tecnocráticos, como los de Wright, y florales, orientalistas, como los de Sullivan. Sin embargo, ambos maestros confiaron en su talento como dibujante, invento y herencia arcaica y orientalista. Y es precisamente esta dualidad de decoración, obra en la intersección de la estilización y la innovación, la que se trasladó en las décadas de 1920 y 1930 de Sullivan y Wright al estilo de los rascacielos.
Los rascacielos Art Deco se crearon, podría decirse, al "estilo de la exposición de 1925", pero sus detalles dan la impresión de haber sido dibujados por ellos mismos, con talento. Detrás de ellos se puede sentir una cultura poderosa, un experimento masivo, que ya ofrece solo soluciones estilísticamente precisas. El estilo de la exposición se percibe a través del prisma de su propio patrimonio. Y si para el París de la era de entreguerras, el "estilo de 1925" fue una excepción, entonces en los Estados Unidos fue claramente nacional, habiendo recibido aquí su encarnación más llamativa. Los rascacielos Art Deco se convirtieron para Estados Unidos en una especie de "renacimiento" de su propio arcaico, las pirámides aztecas y mayas, un diálogo con los pioneros del nuevo estilo: Sullivan y Wright, y por eso ganó el "estilo de 1925". tanta popularidad en las ciudades estadounidenses.
Literatura
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[1] Un hito en la arquitectura de Nueva York fue la construcción en 1915 del Equitable Building, un espacio de oficinas sin precedentes. Ya en 1916, se aprobará una ley sobre zonificación, que, como P. P. Zuev, permitió que los edificios fueran tan altos como se deseara, comenzando con una sección de la torre igual a un cuarto del área del sitio, y exigió una muesca a partir de una marca de 45-60 m, es decir, una y medio del ancho de la calle. Posteriormente, se emitieron leyes de zonificación similares en otras ciudades de los Estados Unidos. [4, pág. 6]
[2] La era Art Deco conocía sus orígenes, por lo que el pabellón "Mayan Temple", construido para la Exposición Mundial "Age of Progress" en Chicago (1933), fue una respuesta al pabellón "Angkor" en el International Colonial Exposición en París (1931). Uno de los primeros ejemplos de este interés fue el pabellón "Templo de los aztecas" en la Feria Mundial de Chicago (1893).
[3] Como señala P. Baer, la revolución en México en 1910 contribuyó al estudio intensivo de los monumentos de la América precolombina, su estilo resultó no solo asombroso, sino nuevo - como dicen, “los indios fueron los primeros cubistas”. [11, pág. 16]
[4] Como señaló K. Holliday, los relieves planos del edificio Barclay-Vezier se realizaron incluso antes de la exposición en 1925. El propio R. Walker señaló la antigüedad romana y las obras de L. Sullivan como fuentes. [14, pág. 50]
[5] Como indica T. G. Malinin, el término "Art Deco" surgió en 1966 sobre la ola de interés por el arte del período de entreguerras y en relación con la exposición dedicada al 40 aniversario de la exposición en París (Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes). La misma abreviatura "Art Deco" (Arts Deco) se utilizó por primera vez en los artículos de Le Corbusier en la década de 1920, al principio en un sentido irónico y crítico. [5, pág. 27; 8, pág. 206]
[6] Para más detalles, consulte el artículo del autor [1, págs. 78-83]
[7] En la década de 1910, Wright creó una serie de proyectos cercanos al Art Deco, incluido el Call Building con nervaduras para San Francisco (1912), proyectos para la Biblioteca Carnegie en Ottawa (1913) y el Teatro Aline Barnsdel (1918)). y Merchandising Building (1922) en Los Ángeles, etc. El edificio Larkin en Buffalo (1904, no conservado), Bock House en Milwaukee (1916) y Hollyhock House en Los Ángeles (1919-1922) se implementaron en el estilo del Art Deco temprano.
[8] Por primera vez con la cultura japonesa, F. L. Wright (1867-1959) se reúne en la Exposición Universal de Chicago (1893). En 1905, Wright hizo un viaje a Japón (el primero de una serie) y comenzó a coleccionar grabados japoneses. En Tokio, diseña el Hotel Imperial (1919-1923, no conservado) y la villa de T. Yamamura (1918-1924) en Tokio. Y es precisamente a partir de la arquitectura japonesa que Wright parece percibir tanto la estética de las cornisas fuertemente extendidas y las pendientes del techo que forman la imagen y la silueta de las "casas de la pradera", como las soluciones de color de los interiores, por ejemplo, en Unity Temple y Robie House..
[9] La influencia de Wright también es claramente perceptible en el ejemplo icónico de la vanguardia europea: el edificio del ayuntamiento en Hilversum (V. Dudok, 1928), que encarna una especie de imagen ampliada de Robie House (1908). La influencia del estilo de Wright también se nota en las obras de O. Perret, las vidrieras de la Roby House son reconocibles en el interior de la Iglesia de Notre Dame de Rency (1922), la cornisa simplificada y pesadamente renderizada de la Unidad. La iglesia del templo "completa" la fachada del teatro en los Campos Elíseos (1913).
[10] Streamline se considera una de las tendencias de la era Art Deco. Y entre sus raros ejemplos domésticos, los investigadores incluyen el edificio de los grandes almacenes Danilovsky construido en Moscú (G. K. Oltarzhevsky, 1936). Esto parece haber sido una respuesta a la Moss House en Berlín (E. Mendelssohn, 1923). La construcción del Comisariado Popular de Tierras también se decidió por las horizontales de cornisas y marcos (A. V. Shchusev, 1933). Así, en arquitectura, los primeros ejemplos de estilo acanalado y aerodinámico aparecen antes que formas similares en el diseño de automóviles. Para obtener más detalles sobre las técnicas de estilo de la arquitectura simplificada, consulte [2, p. 29; 6, pág. 389]
[11] El legado de los aztecas y mayas también estuvo disponible para Wright según el artista gráfico F. Caserwood, quien en la década de 1840 exploró y dibujó por primera vez las ruinas de los templos de la América precolombina, y es conocido por sus propias impresiones. - del "templo azteca" en la Exposición Mundial de 1893 en Chicago (donde el taller Sullivana erigió el pabellón "Transporte") y de una exposición especial con modelos y fotografías de templos mayas en la Exposición Panamá-California en San Diego, que el Maestro visitó en 1915.
[12] Por primera vez, Wright trabajó con "bloques textiles" en la década de 1910, por lo que se tomaron las decisiones: Midway Gardens (Chicago, 1914, no conservado) y el almacén de A. Herman (Richland Center, 1915). En Los Ángeles, en este estilo, Wright implementa una serie de mansiones: Storer House (1923), Millard House (1923), Freeman House (1923) y Ennis House (1924). La obra maestra de Wright fue Hollyhock House (1919-22). Nombrado en honor a la flor de malva, estaba adornado con una variedad de decoración geométrica, tanto vegetal como tecnocrática.
[13] Expliquemos que en la década de 1900-1910, las obras de Wright estaban realmente adelantadas a su tiempo, tanto en gráficos arquitectónicos como en plástico y composición de volúmenes. Sin embargo, a finales de la década de 1920, cuando la arquitectura Art Deco alcanzó su punto máximo, Wright no tenía demanda. Por otra parte, si bien en la obra del maestro existía una cierta convergencia de las plásticas fantasiosas geometrizadas de sus mansiones con la franca estilización neoarcaica, mesoamericana, la irrupción de la estética de vanguardia ya estaba en marcha en Europa y la URSS. Y a finales de los años veinte y treinta, la arquitectura de Wright, paradójicamente, ya no era relevante ni en las capitales erigidas en los clásicos: Washington y Moscú, ni en los laboratorios creativos de VKHUTEMAS y Bauhaus.
[14] Wright heredó del pensamiento de Sullivan en relieves aplanados, patrones y cornisas rectangulares muy extendidas (como en el Templo de la Unidad). La distinción de la era Art Deco de las décadas de 1920 y 1930 fue la finalización de edificios no con cornisas, sino con perfiles y detalles aplanados, áticos y repisas neoarcaicas.
