Una exposición de gráficos arquitectónicos "¡Sólo Italia!" Está abierta al público en el Edificio de Ingeniería de la Galería Tretyakov. La mitad de la exposición está compuesta por cosas de la colección de la Fundación Sergei Tchoban, la mitad - dibujos de la Galería Estatal Tretyakov y algo más - obra de cuatro artistas-arquitectos contemporáneos: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov y Sergei Tchoban.
La exposición es absolutamente asombrosa por muchas razones. En primer lugar, los gráficos arquitectónicos de alta calidad son un material que se dispone a uno mismo. Examinarlo de hoja en hoja, examinar en detalle los rizos, las sombras, la edad, el orden es un placer perfecto.
Por otro lado, no se puede decir que los arquitectos se muestren a menudo en la Galería Tretyakov. Casi nunca se muestran allí. Y aquí, la exposición unió no solo cosas de los almacenes de la galería, las que tienen pocas posibilidades de ser mostradas en otro momento, con hojas de la colección del fondo Tchoban almacenadas en Berlín. En el centro de todo, como la corona de la creación, están los dibujos de arquitectos modernos.
El diseño de la exposición pertenece a la oficina SPEECH y Sergei Tchoban, quien dispuso las obras de sus contemporáneos (incluido el suyo propio) en una pequeña sala rotonda; en la galería que lo rodea se exhiben gráficos del siglo XX; a la distancia, en dos espacios rectangulares más, se exhiben láminas de los siglos XVIII-XIX, divididas en dos bloques: "El nacimiento de un tema" y "Rossika" (obras de extranjeros en Rusia). Así, la cronología diverge en círculos en el espacio de la exposición o, más precisamente, converge del pasado al presente: algo así como círculos en el agua, solo que al revés.
Cabe señalar que SPEECH desarrolla de manera bastante consistente el motivo de la sala redonda en su trabajo con el diseño de exposiciones: basta con recordar la exposición "Museo de Gráficos" en ArchMoscow en 2013 (cuando el Museo de Gráficos de Berlín aún no estaba abierto), o dos diseños de la exposición del pabellón ruso en la bienal de arquitectura veneciana: diorama pintoresco de la ciudad de Vyshny Volochok en 2010 y "Pantheon" de códigos QR 2012, recientemente
recreado en Zaryadye. Las salas redondas son bastante raras en el diseño de exhibiciones modernas: el espacio de la rotonda no es muy conveniente para exhibir, ya que tiende a abrumar las exhibiciones y parece más importante y valioso en sí mismo. Es un templo, no un museo, un lugar de concentración o incluso un servicio.
Esta cualidad de la ronda se enfatiza y se usa en el colgante. Los gráficos del Nuevo Tiempo se exhiben de acuerdo con todas las reglas de exhibición del museo y con el debido respeto. En el espacio giratorio de la izquierda, la hoja gráfica deja de ser valiosa para convertirse en una parte subordinada de la trama espacial. Las hojas de Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban se cuelgan en dos filas, sin fijar la atención en cada obra individual como valor de museo (los gráficos del siglo XX en la galería circular sirven como una transición, el giro en sí ya elimina el museo rigor).
El significado de la declaración es bastante claro. Los gráficos modernos no son aquí una exhibición, sino más bien una declaración del hecho mismo de su existencia: la misión de continuar y revitalizar la tradición del dibujo clásico. Forma parte de un templo imaginario de las artes, mientras que la colección histórica es algo así como su sacristía, un depósito de valiosos ejemplares.
Es característico que el enunciado plástico interior, que interpreta tan sutilmente el contenido de la exposición, se mantenga en el marco del lenguaje de los clásicos. Completamente sin un orden, pero los detalles y las experiencias espaciales se agregan a la sala redonda por las hojas gráficas reales. Son su arquitectura efímera. Considere, por ejemplo, el lado redondo del Panteón, articulado por un pedestal cuidadosamente dibujado de arcos de descarga: “el panteón en el panteón” continúa el juego iniciado más allá, ya en un espacio imaginario detrás del plano de la hoja gráfica.
A lo dicho, queda agregar que la exposición, comenzando con los "fundadores" del siglo XVIII, explora más la tradición específicamente rusa de admirar Italia, y más cerca del XXI resulta que esta tradición ha adquirido aquí algo Rasgos completamente especiales, no exentos de una nota de admiración y, en el buen sentido, de obsesión, tan sutilmente capturada por la forma del templo de la sala. Nadie profesa estudios de antigüedades con tanta sinceridad como Maxim Atayants; nadie piensa que su arquitectura nace de un paisaje de acuarela, como Mikhail Filippov; nadie está tan comprometido con el valor intrínseco del género de los gráficos arquitectónicos como Sergei Tchoban, que creó su museo, y Sergei Kuznetsov, que constantemente sale al aire libre. Juntos, el resultado es un fenómeno heterogéneo, pero ciertamente único.
Hablamos con los cuatro expositores de Contemporary Drawing Room.
Sergey Choban Archi.ru:
¿Es esta realmente la mayor exposición de dibujos arquitectónicos realizada con la participación de su fundación en este momento?
Sergey Choban:
- Creo que sí. Tanto por el número de obras presentadas como por el período cubierto, se trata de la muestra más importante. Aquí están las obras de destacados autores de Europa occidental, fundadores de la escuela de dibujo arquitectónico del siglo XVIII, y una gran cantidad de gráficos de destacados artistas y arquitectos rusos que trabajaron activamente en este contexto.
Las exposiciones de gráficos arquitectónicos, organizadas por su fundación, ya están tomando forma en una secuencia determinada. ¿Existe un plan general, un vector de desarrollo o la trama se reinventa cada vez?
S. Ch.: En general, cada vez se inventa de nuevo, aunque tenemos ciertos principios. En particular, nos esforzamos por trabajar con instituciones museísticas destacadas. Uno de nuestros próximos proyectos será junto con Albertina de Viena. El Dr. Schroeder [director del Museo Albertina de Viena - Archi.ru] estuvo en las salas de nuestro museo en Berlín y expresó su deseo de hacer un proyecto conjunto; estamos muy contentos y orgullosos de esta propuesta. También hay otros proyectos.
Hay planes para trabajar con el Museo de Arquitectura de Shchusev, creo que esto es muy importante.
Eres coleccionista, artista gráfico, diseñador, arquitecto, ¿cómo se relaciona esto entre sí?
S. Ch.: Me parece que se trata de vínculos diferentes de la misma ocupación. En un contexto histórico, los arquitectos también fueron artistas; se dedicaron no solo a los edificios capitales, sino también al diseño de escenarios, representaciones teatrales.
Hasta el siglo XX, los arquitectos no tenían fotografía …
S. Ch.: Creo que la fotografía no tiene los mismos objetivos que el dibujo arquitectónico. El dibujo captura la parte más importante de la creatividad humana: la arquitectura que una persona crea dentro del espacio natural.
Mientras tanto, Maxim Atayants y Mikhail Filippov están haciendo arquitectura clásica, pero tú no
S. Ch.: Por supuesto que no, esto no está directamente relacionado con la arquitectura que estamos haciendo. Me parece que el estudio de la arquitectura mediante el dibujo puede conducir a resultados completamente diferentes: es el estudio de proporciones, efectos espaciales, tejido y detalle. No en vano hoy, no solo en ruso, sino también en muchas escuelas europeas, se vuelve a prestar mucha atención al dibujo, porque solo a través del dibujo se puede ver cómo se combinan materiales de diferentes estructuras entre sí, cómo se la tela de los detalles más pequeños fluye entre sí.
Tus dibujos en exposiciones son siempre obras muy acabadas, extraídas de la naturaleza. ¿Por qué no muestra bocetos?
S. Ch.: En primer lugar, el tema de esta exposición es bastante definido, no implica nada más. Y en segundo lugar, los dibujos en sí deben tener una calidad independiente. Los bocetos no siempre tienen esta calidad.
¿Tu pintura surge más de tu colección o de tu arquitectura?
S. Ch.: Creo que, después de todo, la colección surgió del dibujo. Y gran parte de la arquitectura que hago surge del dibujo. Simplemente no crece recto. No existe tal cosa como para dibujar un edificio del período antiguo y luego diseñar algo similar. Luego diseñas otra cosa, porque las leyes del desarrollo espacial son diferentes.
*** Logramos preguntar a otros tres participantes de la exposición la misma, en este caso importante, pregunta: si sus gráficos difieren del histórico y, de ser así, cómo.
Maxim atayants
¿En qué se diferencian sus gráficos de los históricos presentados aquí en la exposición?
M. A.: Los gráficos son tan diferentes aquí … Tengo la sensación de que los cuatro expositores contemporáneos se diferencian entre sí casi tanto como de los que cuelgan en otras salas de esta exposición.
Las eras son diferentes. Los gráficos modernos no podían dejar de verse influenciados por la colosal redundancia visual de la modernidad. En los dos últimos años se han tomado más fotografías en el mundo que en toda la historia anterior desde el primer daguerrotipo. La presión de la redundancia visual nos obliga a tratar el dibujo de manera diferente y sacar algo de allí que no está, por ejemplo, en la fotografía. Soy un fotógrafo bastante profesional, por lo que es importante para mí comparar estas cosas. Pero tengo miedo de reflexionar deliberadamente sobre este tema, porque la tarea del dibujo y la fotografía es la misma … Me gustaría expresar de alguna manera mi alegría y emoción por el encuentro con estos edificios. Probablemente, Quarenghi resolvió los mismos problemas. Y el resultado es diferente, porque la época es diferente. ¿De qué otra manera responder a esto?
¿Por qué no solo fotografias, sino que también dibujas?
M. A.: Pero a esto puedo responder fácilmente. Porque intervienen diferentes mecanismos. Dibujar es una forma de aprendizaje, el único tipo de actividad humana en la que el cerebro, el ojo y la mano están involucrados simultáneamente con igual intensidad. Es imposible pasar una hora mirando pensativa y concentrada alguna pieza de arquitectura si no estás pintando. Esta es una forma de aprender.
Tomamos fotografías para que otros las compartan y dibujamos para nosotros mismos. Para asimilación. En mi caso, al menos.
¿Has pintado alguna vez a partir de una fotografía?
M. A.: Por supuesto, como cualquier idiota que estudió en la Academia de las Artes, dibujaba de la fotografía de noche, cuando, por ejemplo, no tenía tiempo para completar mi trabajo final. Entonces me pareció que era más fácil. Ahora trato de no hacer esto, porque es una imitación sin sentido del proceso. En mi opinión, el objetivo de dibujar es sacar de la vida.
Cuando dibujo, comprendiendo algo, entonces este proceso es profundo. ¿Por qué simplificarlo mientras se intenta obtener el mismo resultado de forma económica? O exteriormente luciendo igual. En esos casos en los que no tuviste tiempo de terminar en el acto, a veces, claro, te asomas en la fotografía … Pero esto es secundario. Es asombroso que ahora me resulte mucho más difícil y más largo dibujar de una fotografía que de la naturaleza. Es verdad.
Sergey Kuznetsov
¿En qué se diferencian sus gráficos de los históricos presentados aquí en la exposición?
S. K.: Humildemente diría que no podemos hacer eso. Estoy encantado con las obras de Maxim Atayants, quien encontró un recurso en sí mismo, fue capaz de sumergirse e ir a un grado diferente de detalle - está claro que difícil no significa bueno, pero simplemente no significa malo - pero sin embargo, qué alturas alcanzaron los viejos maestros, y en paciencia, y en el trabajo duro, y en la vista, esto es asombroso. Debemos aprender … Todavía miro con envidia los gráficos que aquí se presentan; dominar tal habilidad, por supuesto, sería genial.
¿Dibujar arquitectura clásica significa esforzarse por construir arquitectura clásica?
S. K.: No, no significa nada. Dibujar arquitectura clásica no debe estar vinculado al diseño de la arquitectura clásica, al igual que leer Los tres mosqueteros no significa que estés listo para blandir la espada mañana.
Entonces, ¿cómo se relacionan la arquitectura y la pintura contigo personalmente?
S. K.: En este sentido, soy una persona de la vieja escuela, valoro las habilidades artesanales básicas. Me parece que la forma en que se hace la arquitectura no ha cambiado y no debería cambiar: una persona debe pasar pensamientos, sensaciones, sentimientos a través de sí misma, una computadora no permitirá expresar todo. Me gustaban profunda y seriamente los gráficos por computadora, tenía muchas publicaciones y exposiciones, esto me da la oportunidad de comparar el trabajo con mis manos y ojos, y trabajar con una computadora. Cuando tienes el control de tu mano y puedes representar lo que tienes en la cabeza con tus propias manos, te ayuda personalmente y también funciona bien como una herramienta de persuasión.
¿Por qué no muestra gráficos de bocetos?
S. K.: En este caso, no sería apropiado … Esta no es una posición consciente; habrá propuestas - expondremos. En términos generales, esto no es cierto, lo estamos exhibiendo: en la exposición del "arquitecto del año" en Arch Moscow tuvimos un dibujo de boceto. Tenemos muchos bocetos de buena calidad. Las escrituras, en mi opinión, simplemente no serán de interés para la audiencia. En general, diría que el interés de la audiencia por cualquier trabajo es directamente proporcional a la cantidad de trabajo invertido en él.
¿Cómo empezaste a dibujar arquitectura histórica?
S. K.: Empecé a dibujar mucho antes de entrar a la universidad. Mis padres no estaban relacionados de ninguna manera con el arte ni con la arquitectura, pero me dejé llevar por una variedad de creatividad, prototipos y dibujos, por lo que tomé cursos preparatorios en el Instituto de Arquitectura de Moscú. Desde entonces no he dejado de pintar; aunque después del instituto hubo una pausa en la que ya no me dediqué al manual, sino a la infografía.
Más tarde, comenzando a trabajar con Sergei Tchoban, alrededor de 2006, le sugerí que viajara a diferentes ciudades, dibujara arquitectura. Desde entonces, viajamos regularmente varias veces al año para pintar arquitectura. Nuestro primer viaje al aire libre en Roma fue, por ejemplo, siguiendo los pasos de Piranesi.
Mikhail Filippov
¿En qué se diferencian sus gráficos de los históricos presentados aquí en la exposición?
M. F.: No puedo responder a esa pregunta. Puedo decirte cómo los gráficos arquitectónicos se diferencian de un paisaje arquitectónico. He sido miembro de la Unión de Artistas durante 30 años y he expuesto como artista en muchos lugares, incluida la Galería Tretyakov y el Museo Ruso. Para mí, esta pregunta es absolutamente clara. El paisaje arquitectónico al que se dedicaron nuestros antepasados es, en primer lugar, un dibujo de alta calidad y una organización de la hoja con un enfoque artístico. Desafortunadamente, la mayoría de los arquitectos pintan su objeto favorito como una pequeña perspectiva y no como un paisaje.
En la época soviética, incluso trabajé bajo los contratos de la Academia de las Artes como paisajista puro. Durante la perestroika, los Serovitas llegaron al poder allí, la mayoría de ellos son buenos artistas, realistas, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … También hubo gráficos técnicos fuertes.
El resto de los gráficos soviéticos se desarrollaron en la dirección de la organización modernista de la hoja: por ejemplo, si el agua es ligera, entonces se escribe completamente en blanco, y así sucesivamente. Cuando comencé a escribir, pensé más en matices, tonos intermedios; matices de la noche blanca, calidad de dibujo, sutilezas de perspectiva … Esto me hizo bastante único en ese momento, estos viejos me querían mucho. Trabajé bajo contrato, vine y les mostré, hicieron algunos comentarios, sentí como si los maestros me estuvieran mirando.
Así que no siento mucha diferencia con los viejos maestros. Si no hicieron un dibujo técnico, sino un paisaje. El acercamiento al paisaje fue como un artista. La facultad de arquitectura de la Academia de Artes en un momento contrató a los que dibujan mejor, y la pintura, a los que dibujan peor. Y dieron un diploma con el nombre de "artista de la arquitectura"; esto se formuló hasta hace algunos, no recuerdo exactamente, un año. No siento ninguna diferencia con ellos, especialmente cuando se trata de obras de principios de siglo. Me criaron con las obras de Ostroumova-Lebedeva.
Aunque para mí es interesante otro matiz: la noche blanca. El paisaje ruso se matizó en los estados intermedios. Por ejemplo, Vasiliev: deshielo, sin invierno, sin primavera, sin luz, sin oscuridad, medio tono, un rayo de sol … No encontrará paisajes de alta calidad en la pintura del mundo, en la que habría un azul brillante cielo y verdor brillante! Quizás Rylov podría tener algo así, o Cezanne, pero eso ya es diferente.
Resulta que tienes dos temas: tu paisaje arquitectónico y tu arquitectura …
M. F.: ¡No! No hay diferencia. La hermosa arquitectura debe asociarse con la naturaleza, con el sol. Conozco y amo muy bien la historia del arte. En la década de 1980, fue interesante para mí continuar con lo que se interrumpió en los años veinte, cuando la pintura de alguna manera comenzó a convertirse en, tal vez de muy alta calidad, pero en modernismo.
¿Crees que es real crecer juntos?
M. F.: Sí, esta es una realidad absoluta. En enero de este año, lo entregué: se quitaron bosques de 750 mil metros cuadrados de edificios residenciales.
¿En Sochi?
M. F.: No solo en Sochi, en Moscú hay una casa en la calle Marshal Rybalko. Les aseguro que esta es la encarnación del estilo de 2001 que se me ocurrió hace treinta años.
¿Sientes esto como la encarnación de tu pintura?
M. F.: Sí, sí … no veo la diferencia.
Lo crea o no, me gradué de la Academia, se me ocurrió un concepto y después de eso tomé un pincel y una acuarela por primera vez. No escribí en la Academia ni en la escuela de arte. Y si escribí, es imposible ver lo que estaba haciendo entonces.
*** la exposición está abierta hasta el 27 de julio (horario de apertura)
