Cansada de ser comisariada por críticos, teóricos y otras personas cercanas a la arquitectura, la Bienal 10 años después de que Massimiliano Fuksas volviera a confiarse en manos de un arquitecto. Kazuyo Sejima es un famoso arquitecto japonés, uno de los fundadores de la oficina de arquitectura SANAA, autor de los edificios de varios grandes museos, incluido el New Museum de Nueva York, así como el Serpentine Gallery Pavilion 2009, ganador del premio Golden 2004. Lion, quien recibió el premio Pritzker poco después de su nombramiento como comisaria de la Bienal. También es la primera comisaria femenina en la historia de la exposición. Pero lo principal, según el director de la bienal, Paolo Baratta, es que es arquitecta en ejercicio. Sejima se hace eco de esto en su mensaje curatorial, que comienza con "La Bienal de 2010 será una reflexión sobre la arquitectura".
En contraste con el desconcertante lema 'más allá de la construcción' de su predecesor, el curador Aaron Betsky en 2008, que la mitad de los participantes no pudo entender realmente, y la otra mitad ignoró, este año Kazuyo Sejima propuso un eslogan simple y accesible: "La gente se encuentra en arquitectura "que no es particularmente vinculante. Es obvio que en él se unen dos cosas: la arquitectura, a la que, aparentemente, la Bienal se propone volver seriamente, y más para la arquitectura una especie de sutil nota sociológica, para variar. Después de todo, es imposible absolutizar por completo el tema principal de la exposición, hay que añadirle algo. Arquitectura para algo, pero la están construyendo, por ejemplo, para que la gente se reúnan allí. Desde aquí hay un camino directo a los edificios públicos que tan bien adornan el portafolio del curador. Además del lema, Sejima esbozó varios significados adicionales: el foco de la exposición es la reacción de la arquitectura moderna a los cambios provocados por el siglo XXI, a la informatización y la globalización; los límites que la arquitectura denota o borra; y la calidad de la arquitectura construida - añade Paolo Baratta en su mensaje. Así, tras una larga búsqueda de la verdad "de lado", la principal exposición arquitectónica del mundo (y la Bienal de Venecia, por supuesto, lo es) va a volver a su tema principal, guiada por una mano suave y discreta de mujer.. La exposición curatorial cuenta con un total de 48 participantes, incluidos no solo arquitectos, sino también empresas de ingeniería.
En cuanto a la exposición curatorial principal, que en la Bienal siempre se realiza en el edificio Corderie Arsenal, Sejima declaró la libertad de los participantes, diciendo en el manifiesto que cada participante será "su propio curador" dentro del fragmento "independiente" del arsenal. interior asignado a él. La diversidad es mejor que unificar la voluntad, dice el curador; en una palabra, haz lo que quieras … Libertad total; aunque, paseando por la exposición, entiendes que esto no es del todo cierto.
Un visitante que ingresa a la primera sala de la parte curatorial de la Bienal es recibido por un corazón de piedra gigante cortado por un hacha de madera: el hacha, al examinarlo más de cerca, resulta ser un refugio con una chimenea que se eleva, una metáfora de la tragedia. del reciente terremoto de Chile (una historia detallada sobre la recuperación después del desastre se puede encontrar más adelante, en la exposición del Arsenal espacial del pabellón de Chile). Hace dos años, la exposición del Arsenal fue inaugurada con una divertida instalación de película y video; en contraste con el recuerdo de ella, el corazón de piedra es muy grande, tosco y serio. Se trata de una especie de objeto gigantesco, junto a él te sientes como en la cueva de un caníbal y sintonizas, inevitablemente, en serio. Los pilares del Arsenal empiezan a parecer columnas de una basílica románica, y en general la similitud de este célebre espacio expositivo con un templo se agrava de alguna manera. Es posible que esto sea lo que se pretendía.
Inmediatamente detrás del hacha de piedra hay una sala de cine compacta con una película de Wim Wenders, por la que se puede recorrer rápidamente para familiarizarse con un tema aún más amplio de Ensamble Studio y su director Anton García-Abril. Cruzando debajo de las filas de columnas y bloqueando el camino recto, dos vigas en I gigantes descansan en el espacio de la sala, similares a los rieles y a juzgar por su color gris, muy probablemente concreto. Una viga gigantesca descansa sobre la otra y su extremo libre descansa sobre un resorte tan alto como un hombre promedio. La primavera, por supuesto, realmente no soporta nada, los niños juegan con ella, pero se ve muy impresionante. Esto no se puede llamar un "resorte"; y si en la primera sala la escala del objeto escultórico colocado allí correspondía al tamaño del interior, entonces éste parece demasiado grande incluso para un interior de arsenal, lo supera e incluso lo suprime un poco.
A partir de un crecimiento tan progresivo, involuntariamente piensas: Dios mío, qué sucederá después. Pero luego nos encontramos en una nube ("tamaño real" - como se indica en el manifiesto curatorial), construida conjuntamente por el arquitecto japonés Tetsuo Kondo y el ingeniero Matthias Schuler de la empresa alemana Transsolar, especializada en ingeniería climática (conociendo los detalles de la empresa, es fácil adivinar por qué la nube; el control del clima se coló en el Arsenal y organizó su propio clima en él …). La sala está llena de una neblina blanquecina, que se bombea a través de los orificios de la pared mediante instalaciones especiales. La niebla se esparce a nivel de las galerías, y en el medio se construye una estructura helicoidal que asciende por la que se puede atravesar la nube y mirarla desde arriba. La nube se esparce en capas, está tapado arriba, como en un baño, pero el efecto es maravilloso. Es cierto que los moscovitas experimentaron un efecto similar en agosto con la llegada del humo a la ciudad; en el Arsenal, sin embargo, esta nube es más espesa, aparentemente segura.
El comisario interpreta el trabajo conjunto de su compatriota y un ingeniero alemán de la siguiente manera: nos empuja a una nueva comprensión del espacio, aunque solo sea porque los límites de la nube se difuminan. Los límites, de hecho, están borrosos, aunque están encerrados en el marco de la sala. Bucear en la niebla es divertido; pero es imposible no recordar lo que ya han hecho las nubes: en primer lugar, los famosos arquitectos-artistas Elizabeth Diller y Ricardo Scofidio. Quizás por eso el comisario señala con delicadeza en su mensaje: no todas las instalaciones son originales en términos de estilo, pero muchas representan el pináculo de la tecnología moderna.
El estudio indio Mumbai hizo la próxima gran sala con trozos de modelos de madera y colgó del techo ventiladores clásicos de tres palas, convirtiéndolo en un "taller"; sin embargo, para un espacio tan grande, las cosas todavía no son suficientes no surge la ilusión de los bloqueos artísticos; resultó, en comparación con las primeras instalaciones, más bien pequeño, pero acogedor.
R & Sie (n), el estudio de arquitectura parisino François Roche y Stéphane Laveau, que mostró modelos blancos de edificios de esculturas biónicas en el pabellón italiano hace dos años, lanzó una de sus extrañas criaturas en la sala del Arsenal, convirtiéndola en una mesa. piernas. Por un lado, esta bestia marciana está cubierta de crecimientos de vidrio, brillando con una luz verdosa, los monitores brotan del extremo opuesto, en el medio sobre una pieza de algún pseudo-mineral multicolor, un dispositivo similar a un contador Geiger emite un pitido. En la explicación, los autores recuerdan "Stalker" de Tarkovsky y hablan sobre los límites de los logros de la civilización; probablemente, esta instalación debería responder a la tesis del curador sobre los "límites". Porque, a diferencia de sus vecinos, no afecta el espacio de ninguna manera; más bien, nos muestra a un habitante exótico que vive en su interior.
Pero la sala de Olafur Eliasson es muy eficaz: en la oscuridad, tres mangueras cuelgan del techo, que se dispersan alrededor de los chorros de agua que se mueven de forma fantasiosa, que se distinguen en los destellos nerviosos de la luz estroboscópica. La ducha exótica es fascinante, pero difícil de fotografiar. Debo decir que las palabras de Sejima de que muchas imágenes no serán nuevas son honestamente ciertas: Eliasson hizo la primera ducha similar en 1996.
Además, nuevamente luz, un marco de madera de una cúpula plana de una oficina china con el nombre francés Amator (que significa aficionado). De hecho, era como si los aficionados estuvieran torciendo estos troqueles con tornillos; pero la capacidad misma de cruzar el borde de la cúpula donde normalmente es imposible cruzarla y literalmente "entrar en la cúpula" es bastante curiosa (de nuevo, fronteras).
A esta línea hay que añadir el Jeanette Cardiff Music Hall, donde los altavoces se colocan en círculo, y en el centro hay sillas para escuchar la música resultante (¿volumétrica? ¿Arquitectónica?). Y el kit estará completo. ¿Aquí hay solo un conjunto de qué?
La arquitectura prometida en él, a primera vista, parece no ser suficiente. Es decir, se encuentran diseños tradicionales y tabletas en una secuencia común, por supuesto: lo más notable para el ojo ruso es el proyecto de competencia del edificio del Museo Perm de Valerio Oljati, el más notable para el ojo en general es la Ópera de Taichung. proyecto de Toyo Ito. Este edificio, que parece un pequeño fragmento tallado en un montículo de termitas muy grande (después de todo China), se presenta con meticuloso detalle y se suministra con documentación completa sobre las mesas en forma de gruesos álbumes en el idioma del autor. Pero el proyecto que se muestra con tanto detalle es una excepción y, posiblemente, una consecuencia de la libertad declarada por el comisario. La exposición del Arsenal está formada por instalaciones, además, no siempre realizadas por arquitectos, sino, como vemos, por ingenieros y, más a menudo, por artistas que trabajan profesionalmente y bien en este género. Por ejemplo, Olafur Eliasson: en su portafolio hay muchas instalaciones buenas y diferentes, generalmente a gran escala (por cierto, hay varias "nubes" allí, Dealer y Scofidio no son los únicos en este género). Matthias Schuler es ingeniero. Es decir, la exposición curatorial del Arsenal no se ha convertido en nada en una exposición de arquitectos.
Esto no significa que no haya arquitectura en él. Me parece que, siendo autora de espacios de museo, Kazuo Sejima convirtió toda la exposición en arquitectura en su conjunto: no la diseñó como diseñadora y ni siquiera la compuso como comisaria, sino que la construyó combinando la mayor parte de las instalaciones en una cadena en la que cada participante ofrece su propia forma de comprensión artística del espacio del Arsenal. Así, el propio Arsenal se convirtió en la principal exhibición. Y debo decir que la actitud hacia este espacio expositivo es paradójica: a todo el mundo le encanta, pero organizando exposiciones en él, le prestan poca atención, simplemente colocando algo en su interior. El Arsenal probablemente se sienta ofendido por tal desdén, se ve sombrío y presiona al público con escala. Pero él es bueno en sí mismo, y es bueno que el nuevo curador lo haya notado.
En este caso, la exposición curatorial no exhibe tanto arquitectura como ella misma. Y el paso por la exposición se convierte en no lectura, no contemplación y no mirada, sino - inmersión en la arquitectura (tan inmersa en una lengua extranjera). Y los participantes de la exposición, artistas e ingenieros "supuestamente libres", se convirtieron para Sejima en el medio de comprensión arquitectónica del espacio del Arsenal. Lo cual, por cierto, es cierto si recordamos que la arquitectura es el arte principal, y el resto alguna vez lo obedeció. Aquí hay un curador de SANAA y los sometió a todos, pero muy, muy discretamente. Ella no organizó la exposición en el interior, pero llenó el espacio de contenido. El interior del Arsenal, como si le correspondiera, se unió al papel de "exhibición principal" y se volvió más agradable. En cualquier caso, ahora quiero mirarlo y el largo paso por el Arsenal esta vez no es tan agotador como hace dos años.
Quizás esto se deba al hecho de que tiene muchos vacíos y poco contenido: una forma sólida, e incluso ese sintoísmo japonés ingrávido: luz, oscuridad (entrelazada por dentro como el yin y el yang), piedra, nube, agua., sonido … Probablemente incluso se puede decir que Sejima organizó una serie de reproducciones de instalaciones ya conocidas en el Arsenal, usándolas como un medio para que un arquitecto trabaje con elementos esquivos, para capturar lo esquivo, el deslumbramiento, la sombra, cosas en las que la cultura japonesa es tan fuerte. Vale la pena experimentarlo en el Arsenal.
En su conjunto y como una reflexión sobre los elementos principales, la exposición tiene una buena acogida. Sin embargo, faltan un poco las palabras; hay otros clave, como el espacio y la frontera, de los que Sejima habla constantemente, incluso en la conferencia de prensa de ayer. Todas las demás palabras se recopilan en "lugares estrictamente designados"; El Arsenal tiene una sala de entrevistas llena de sillas y monitores con auriculares: los amantes de las palabras pueden disfrutar de los discursos allí durante mucho tiempo, la lista de oradores ocupa toda una pared.
En definitiva, la exposición curatorial del Arsenal parece acertada al percibirla como una obra arquitectónica más de SANAA.
Por lo demás, la estructura de la exposición, familiar para muchos, no ha cambiado. Exposición curatorial en el Arsenal, en el antiguo “pabellón de Italia”, rebautizado como Palazzo Espozicione (Palacio de Exposiciones); exposiciones de pabellones nacionales en Giardini y un "programa paralelo" en la ciudad. La actual Bienal es hasta cierto punto un jubileo: han pasado 35 años desde la primera exposición arquitectónica del ciclo de la Bienal de Venecia. De ahí los eventos de aniversario y los recuerdos de bienales pasadas. En la Sala de Columnas del Palazzo Justiniano (el palacio donde se encuentra la sede del comité organizador de la Bienal), ayer se inauguró una exposición sobre la historia de los últimos 11 años de la Bienal de Venecia, una especie de informe sobre los logros de la economía expositiva veneciana; también alberga la exposición LUMA, que presenta el “programa de arquitectura para un nuevo modelo cultural” de Frank Gehry.
Otra parte del programa aniversario de la Bienal será "Sábados de arquitectura" - como dice el comunicado de prensa de los organizadores, durante tres meses los sábados en Venecia habrá reuniones con figuras importantes de exposiciones pasadas, incluidos los comisarios de las Bienales anteriores. Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Planeamos publicar gradualmente informes más detallados sobre las exposiciones y eventos de la Bienal. La exposición permanecerá abierta hasta el 21 de noviembre.
